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jueves, 11 de marzo de 2021

Venden una guitarra acústica "poseída" por 666$

marzo 11, 2021 0


No deja de ser encantador el anuncio de la venta de una guitarra poseída por el diablo a pesar del esperpento. Pero es que hay que reconocer que como estrategia de marketin del 'second hand market' tiene su romanticismo, o en su defecto, resulta muy entretenido ver que el nivel de sustancias psicotrópicas que debe consumir el autor, hace que eleve su creatividad a la misma cima, aun siendo involuntaria y autoconvincente. 


Para mayor remate, la foto que el vendedor subió a su anuncio, recuerda mucho al paisaje de Crossroads, aquella peculiar película con Ralph Macchio y Steve Vai como protagonistas, con el telón de fondo de la leyenda en la que el mítico bluesman Robert Johnson hace un pacto con el diablo. 

Escena de la película Crossroads ['Cruce de caminos' en España] 


El propietario de una guitarra colgó el anuncio de su venta en American Vintage & Boutique Music Emporium, desde Nuevo Líbano, Ohio. Se trataba de una guitarra acústica de marca Kay. El anunciante, describía así su artículo ofertado:




Esta singular guitarra llegó a mi posesión por accidente y me ha asustado tanto que quiero deshacerme de ella. Aunque estoy bastante seguro de que esta guitarra macabra estaría bien para alguien más en sintonía con las fuerzas tenebrosas del inframundo malévolo, yo mismo tengo poco conocimiento de tales cosas y prefiero no entrometerme con los misterios mórbidos de lo macabro.

Esto es lo que sé y lo que me han dicho.

Se rumoreaba que un niño que vivía en mi calle cuando era pequeño estaba interesado en la adoración al diablo, las sesiones espiritistas, Aleister Crowley, la magia negra y otros oscuros esfuerzos del Mundo de los Espíritus. (Curiosamente, a pesar del comportamiento algo bobo del joven y su inclinación filistea por las inclinaciones putrefactas, era bastante popular: los chicos del barrio querían ser él y las chicas pensaban tontamente que podían hacerle cambiar).

Más tarde supe que este nigromante neófito nació en junio del 66 y murió trágicamente en Halloween, el 31 de octubre de 1979, cuando solo tenía trece años. (Su muerte nunca ha sido resuelta, pero el calamitoso niño fue encontrado acostado en su cama con ESTA GUITARRA sobre él, aparentemente electrocutado, ¡a pesar de que se trata de una guitarra acústica! Además, cuando el maldito cadáver de este desalmado títere de Satanás fue finalmente descubierto, un sencillo de "Don't Fear the Reaper" de Blue Oyster Cult se reproducía repetidamente en el tocadiscos GE Wildcat del mefistofélico chaval. Una bandeja de comida de cenas Swanson TV ("Turkey with all the Fixin's") permanecía allí, mientras que el el aire estaba denso con el olor acre del azufre que emanaba de alguna poción perversa que el joven demonio había estado mezclando con su juego de química Li'l Gilbert. El poster de Farrah Fawcett en traje de baño miraba burlonamente al chico muerto, como diciendo: "¡Nos vemos en el infierno, Buster!” En algún lugar en ese mismo momento (como me informó más tarde mi programa televisivo nocturno, TV Psychic Friend), un perro del infierno proveniente de las entrañas del Hades aulló horriblemente en la noche del infierno.

Años más tarde, me encontré con la madre del niño difunto (ella misma es una practicante propagandística de las artes paganas), y cuando le informé que yo era guitarrista profesional, me ofreció el diabólico y tonto violín de su hijo cria-malvas.

Desde que soy dueño de esta guitarra, he escuchado que las cuerdas sonaban de manera discordante, a pesar de que nadie estaba cerca de ella. Además, en tres ocasiones puse la guitarra en el armario de mi dormitorio, y la encontré sobre mi cama cuando volví a casa (¡y vivo solo!). La gota que colmó el vaso ocurrió cuando vi la guitarra levitar fuera del cubo de basura en el que la había colocado sombríamente.

Entonces, para los suficientemente valientes como para manejar el mundo de los espíritus, les ofrezco esta guitarra única (que parece datar desde finales de la década de 1950 hasta la década de 1960. Satanás aparentemente ha quitado la calcomanía de la marca del clavijero de la guitarra, pero mi investigación me lleva a creer que es un Kay Western Special. Mi experiencia radica más en los instrumentos Gibson y Fender vintage y personalizados, particularmente la Les Paul de 1959 y los modelos Pre-CBS Telecaster y Stratocaster).

Y al comprador de esta espantosa guitarra, felicitaciones, aunque por favor tenga EXTREMA PRECAUCIÓN al conjurar los espíritus fantasmales que parecen canalizarse a través de este inicuo instrumento.


* Para escuchar este satánico de seis cuerdas, consulte el enlace de YouTube adjunto. Es cierto que no suena particularmente inquietante en esta grabación, sin embargo, lo atribuyo al hecho de que llevaba siete crucifijos cuando la grabé. Como protección adicional, también acababa de terminar de ver la conmovedora actuación de George Burns que retrata a nuestro Creador divino en la obra maestra de la película religiosa, “¡Oh, Dios! por el sustento espiritual y el coraje durante mi tiempo de tensa calada. Si no hubiera tomado estas precauciones, estoy convencido de que habría mordido la bala como el niño enterrado embrujado.



Para mayor frikada, el propietario puso a la guitarra un precio de 666 dólares, pero al haber sido ya vendida, no hemos llegado a tiempo para comprobarlo en la web de Reverb.




jueves, 7 de enero de 2021

La imagen de los teóricos de la conspiración del chip de implante 5G Covid resulta ser un esquema de pedal de guitarra

enero 07, 2021 0


MusicTech informa que una imagen de un "Chip 5G" circulando por los teóricos de la conspiración de Covid es de hecho el esquema del pedal de guitarra Boss Metal Zone . Daniel Seah:

Otro usuario elogió el diseño analógico del supuesto "Chip COVID-19 5G", y tuiteó: 
"Excelente. Me tranquiliza saber que 5G se basa en amplificadores operacionales y algunos diodos 1n4148. Es la vieja escuela adecuada. Nada de esas tonterías digitales y de microprocesadores. Yo Llevaré uno en cada brazo ".


Fuente: Boingboing

viernes, 6 de noviembre de 2020

Se estrena nuevo documental de Frank Zappa

noviembre 06, 2020 0

Un documental sobre el difunto gran Frank Zappa se estrenará el próximo 23 de noviembre, gracias a una campaña de Kickstarter increíblemente exitosa. Aquí está el primer tráiler de Zappa del director birtánico Alex Winter (sí, el mismo " Alex Winter " que interpretó a Bill en Bill & Ted's Excellent Adventure ). 



Con acceso ilimitado al fideicomiso de la familia Zappa y todas las imágenes de archivo, ZAPPA explora la vida privada detrás de la gigantesca carrera musical que nunca rehuyó la turbulencia política de su tiempo. La montaje de Alex Winter cuenta con apariciones de la viuda de Frank, Gail Zappa, y varios de sus colaboradores musicales, incluidos Mike Keneally, Ian Underwood, Steve Vai, Pamela Des Barres, Bunk Gardner, David Harrington, Scott Thunes, Ruth Underwood, Ray White y otros.

Fuente: https://www.openculture.com

miércoles, 28 de octubre de 2020

John Fogerty ordena a Trump que desista de usar sus canciones

octubre 28, 2020 0

John Fogerty ordenó al presidente Donald Trump que deje de usar su canción "Fortunate Son" al emitirle una orden de cese y desista. El fundador de la banda de rock Creedence Clearwater Revival publicó su mensaje en un comunicado en su cuenta de Twitter el viernes.

"Me opongo a que el presidente use mi canción 'Fortunate Son' de ninguna manera para su campaña. Está usando mis palabras y mi voz para transmitir un mensaje que no apoyo", escribió el cantante.



"Escribí esta canción porque, como veterano, me disgustaba que se permitiera excluir a algunas personas de servir a nuestro país porque tenían acceso a privilegios políticos y financieros. También escribí sobre personas adineradas que no pagan su parte justa de impuestos. "

Fogerty continúa explicando que Trump entra en ambas categorías:

"El hecho de que el señor Trump también avive las llamas del odio, el racismo y el miedo mientras reescribe la historia reciente, es una razón más para estar preocupado por el uso que hace de mi canción", concluyó.

El 11 de septiembre, publicó un video en su cuenta de Facebook explicando el significado de "Fortunate Son" y calificando el uso de Trump de la canción como "confuso".

"Es una canción que podría haber escrito ahora y por eso me resulta confuso ... que el presidente haya optado por usar mi canción para sus manifestaciones políticas", dijo en la publicación.

Fogerty no es el único ícono del rock que le pide al presidente que deje de tocar su música con fines de campaña.

Los Rolling Stones, REM y Steven Tyler le han dado a Trump el mismo mensaje en los últimos años.


sábado, 9 de mayo de 2020

Un fabricante de instrumentos construye guitarras con árboles de carretera

mayo 09, 2020 0

Su nueva Urban Builder's Body Edition 324CE proviene de árboles de la ciudad de Los Ángeles, en California, que son talados por estar enfermos o ser demasiado viejos 


Es posible que su próxima guitarra de lujo no esté hecha de preciada caoba de los bosques de Guatemala, ni del palo de rosa venerado de la India, sino de la madera de un árbol a un lado de una carretera de Los Ángeles.

Taylor Guitars , uno de los fabricantes de guitarras acústicas más conocidos del mundo, está comenzando a integrar la madera urbana, procedente de árboles que se encuentran en las ciudades, en lugar de proveedores industriales o lugares lejanos en el extranjero, para la fabricación de guitarras. La compañía ha estado desarrollando el nuevo proceso durante meses, debido al endurecimiento de las regulaciones globales sobre el uso de maderas exóticas y al deseo de ser más sostenible con su proceso de producción. Si bien la madera urbana a menudo es considerada menos atractiva por los fabricantes, Taylor está adoptando el enfoque opuesto: está construyendo guitarras de gama alta de 3.000$.

Su nueva Urban Builder's Body Edition 324CE proviene de árboles de esta ciudad de California. Taylor está utilizando Urban Ash, una especie conocida anteriormente como shamel o ceniza de hoja perenne, para la parte posterior y los lados del 324CE, y compara la madera de tono con una caoba hondureña de alta gama. Taylor es la primera marca en utilizar este tipo de cenizas recuperadas para producir guitarras, comenzando con su nueva edición.


Esta ceniza es suministrada por West Coast Arborists, Inc (WCA), una compañía que brinda servicios de mantenimiento y gestión de árboles a ciudades de California proviene de árboles de la ciudad que ya han sido seleccionados para su eliminación de las áreas urbanas debido a una enfermedad o daño por el clima, problemas de seguridad, daños de los sistemas de raíces. Algunos simplemente están al final de sus ciclos de vida.

Y la variedad elegida de ceniza de shamel que Taylor ha denominado Urban Ash también suena genial.

Las maderas más comunes que generalmente se usan para las guitarras (caoba, arce y palo de rosa entre ellas) son el estándar de la industria, y las pocas veces que un fabricante de guitarras toma una ruta no tradicional, generalmente se hace como un truco único. Ese no es el caso aquí, dice Taylor. Las maderas exóticas que los luthiers han usado durante décadas se están volviendo más complicadas de abastecer con la creciente legislación ambiental, y eventualmente, pueden no ser lo suficientemente accesibles en cantidades necesarias para la producción en masa de instrumentos.


Con la esperanza de una solución sostenible a más largo plazo, Taylor comenzó a preguntarse si los árboles que se encuentran en entornos urbanos podrían utilizarse para instrumentos de alta gama. El nuevo material, que Taylor llama "ceniza urbana", proviene de árboles mexicanos de fresno Shamel plantados en todo California justo después de la era de la Segunda Guerra Mundial. Los árboles están llegando al final de su ciclo de vida y necesitan ser cortados de todos modos, perfecto para un fabricante de guitarras.

También es una madera de alta calidad. Hay un gran suministro, dos camiones cargados de madera son suficientes para 4.000 guitarras, y la compañía puede continuar usando el suministro en el futuro previsible, aunque no está claro qué cantidad de madera de los árboles existentes cumple con sus requisitos para instrumentos.


Taylor, con sede en El Cajón, California, buscó en todo el mundo un posible proveedor de madera urbana, y la mejor opción la encontró prácticamente en su patio trasero a través de la empresa West Coast Arborists. WCA maneja la remoción de árboles para 280 municipios y ciudades, y mantiene una meticulosa base de datos sobre los 7 millones de árboles dentro de su jurisdicción, desde sus especies hasta la vida útil. Cuando es hora de quitar un árbol, el trabajo de WCA es averiguar qué hacer con la madera. WCA ha ejecutado un programa de madera urbana durante 25 años, incrementándolo más recientemente. Por cada árbol cortado, WCA intenta plantar dos más, dice el arbolista. Solía ​​arrojar los árboles en vertederos, pero hace años, los funcionarios instituyeron una tarifa para compensar los árboles, por lo que comenzaron a hacer mantillo y leña.



miércoles, 8 de enero de 2020

Metallica dona 750.000 dólares de ayuda contra los incendios de Australia

enero 08, 2020 0


Las siempre legendarias leyendas del metal Metallica han donado 750.000 dólares a reforzar las ayudas contra los incendios forestales de Australia

La banda californiana realizó una importante donación a través de su organización sin fines de lucro All Within My Hands Foundation y el dinero se dividirá entre el Servicio de Bomberos Rurales de NSW y la CFA (Autoridad de Bomberos del País) en Victoria.

Al anunciar su promesa, Metallica dijo: “Estamos totalmente abrumados por la noticia de los incendios forestales que se extienden por millones de hectáreas en Australia, con un gran impacto en Nueva Gales del Sur y Victoria. La destrucción y los efectos devastadores en todos los residentes, animales, el medio ambiente y la increíble tierra en Australia son realmente desgarradores".




La banda también proporcionó más información sobre las dos organizaciones de bomberos voluntarios que están ayudando.

miércoles, 26 de junio de 2019

La lista del NY Times de íconos afectados por el incendio de Universal Studios

junio 26, 2019 0

A principios de este mes, el New York Times publicó un informe que revela que muchos músicos icónicos perdieron las cintas maestras en un incendio de los Estudios Universal de 2008, cuyas consecuencias no se denunciaron en su momento. El Times ahora ha compartido un nuevo informe que revela que más de 700 artistas adicionales cuyas grabaciones maestras también se perdieron en el incendio. La lista de artistas fue sacada de las listas internas de Universal Music Group que se reunieron en un esfuerzo de recuperación denominado "Proyecto Phoenix" alrededor de 2010.

La lista incluye nombres como Neil Young, Weezer, Blink-182, Common, the Jawbreaker, Bell Biv Devoe, Dolly Parton, Boston, Buffy Sainte-Marie, Primus, Veruca Salt, Temple of the Dog, The Wallflowers, Limp Bizkit ,Cher, Jimmy Eat World, los condenados, Phil Ochs, Hugh Masekela y el Dr. Martin Luther King Jr.

La lista previamente revelada de artistas afectados por el incendio incluye Nirvana, REM, John Coltrane, Joni Mitchell, Eminem, Aretha Franklin, Nine Inch Nails, Ray Charles, Tupac, Janet Jackson, Beck, Snoop Dogg, Alice Coltrane, Sonic Youth y Más. Universal disputó la historia, pero ofreció poca evidencia. El jefe de UMG, Lucian Grange, posteriormente envió un memorándum interno en el que declaró: "Me aseguraré de que la alta dirección de esta empresa, empezando por mí, sea la propietaria de esto".

Artistas nombrados en los documentos UMG:

38 Special
50 Cent
Colonel Abrams
Johnny Ace
Bryan Adams
Nat Adderley
Aerosmith
Rhett Akins
Manny Albam
Lorez Alexandria
Gary Allan
Red Allen
Steve Allen
The Ames Brothers
Gene Ammons
Bill Anderson
Jimmy Anderson
John Anderson
The Andrews Sisters
Lee Andrews & the Hearts
Paul Anka
Adam Ant
Toni Arden
Joan Armatrading
Louis Armstrong
Asia
Asleep at the Wheel
Audioslave
Patti Austin
Average White Band
Hoyt Axton
Albert Ayler
Burt Bacharach
Joan Baez
Razzy Bailey
Chet Baker
Florence Ballard
Hank Ballard
Gato Barbieri
Baja Marimba Band
Len Barry
Count Basie
Fontella Bass
The Beat Farmers
Sidney Bechet and His Orchestra
Beck
Captain Beefheart
Archie Bell & the Drells
Vincent Bell
Bell Biv Devoe
Louie Bellson
Don Bennett
Joe Bennett and the Sparkletones
David Benoit
George Benson
Berlin
Elmer Bernstein and His Orchestra
Chuck Berry
Nuno Bettencourt
Stephen Bishop
Blackstreet
Art Blakey
Hal Blaine
Bobby (Blue) Bland
Mary J. Blige
Blink 182
Blues Traveler
Eddie Bo
Pat Boone
Boston
Connee Boswell
Eddie Boyd
Jan Bradley
Owen Bradley Quintet
Oscar Brand
Bob Braun
Walter Brennan
Jackie Brenston and His Delta Cats
Teresa Brewer
Edie Brickell & New Bohemians
John Brim
Lonnie Brooks
Big Bill Broonzy and Washboard Sam
Brothers Johnson
Bobby Brown
Clarence “Gatemouth” Brown
Lawrence Brown
Les Brown
Marion Brown
Marshall Brown
Mel Brown
Michael Brown
Dave Brubeck
Jimmy Buffett
Carol Burnett
T-Bone Burnett
Dorsey Burnette
Johnny Burnette
Busta Rhymes
Terry Callier
Cab Calloway
The Call
Glen Campbell
Captain and Tennille
Captain Sensible
Irene Cara
Belinda Carlisle
Carl Carlton
Eric Carmen
Hoagy Carmichael
Kim Carnes
Karen Carpenter
Richard Carpenter
The Carpenters
Barbara Carr
Betty Carter
Benny Carter
The Carter Family
Peter Case
Alvin Cash
Mama Cass
Bobby Charles
Ray Charles
Chubby Checker
The Checkmates Ltd.
Cheech & Chong
Cher
Don Cherry
Mark Chesnutt
The Chi-Lites
Eric Clapton
Petula Clark
Roy Clark
Gene Clark
The Clark Sisters
Merry Clayton
Jimmy Cliff
Patsy Cline
Rosemary Clooney
Wayne Cochran
Joe Cocker
Ornette Coleman
Gloria Coleman
Mitty Collier
Jazzbo Collins
Judy Collins
Colosseum
Alice Coltrane
John Coltrane
Colours
Common
Cookie and the Cupcakes
Barbara Cook
Rita Coolidge
Stewart Copeland
The Corsairs
Dave “Baby” Cortez
Bill Cosby
Don Costa
Clifford Coulter
David Crosby
Crosby & Nash
Johnny Cougar (aka John Cougar Mellencamp)
Counting Crows
Coverdale•Page
Warren Covington
Deborah Cox
James “Sugar Boy” Crawford
Crazy Otto
Marshall Crenshaw
The Crew-Cuts
Sonny Criss
David Crosby
Bob Crosby
Bing Crosby
Sheryl Crow
Rodney Crowell
Pablo Cruise
The Crusaders
Xavier Cugat
The Cuff Links
Tim Curry
The Damned
Danny & the Juniors
Rodney Dangerfield
Bobby Darin
Helen Darling
David + David
Mac Davis
Richard Davis
Sammy Davis Jr.
Chris de Burgh
Lenny Dee
Jack DeJohnette
The Dells
The Dell-Vikings
Sandy Denny
Sugar Pie DeSanto
The Desert Rose Band
Dennis DeYoung
Neil Diamond
Bo Diddley
Difford & Tilbrook
Dillard & Clark
The Dixie Hummingbirds
Willie Dixon
DJ Shadow
Fats Domino
Jimmy Donley
Kenny Dorham
Jimmy Dorsey and His Orchestra
Lee Dorsey
The Tommy Dorsey Orchestra
Lamont Dozier
The Dramatics
The Dream Syndicate
Roy Drusky
Jimmy Durante
Deanna Durbin
The Eagles
Steve Earle
El Chicano
Danny Elfman
Yvonne Elliman
Duke Ellington
Cass Elliott
Joe Ely
John Entwistle
Eminem
Eric B. and Rakim
Gil Evans
Paul Evans
Betty Everett
Don Everly
Extreme
The Falcons
Harold Faltermeyer
Donna Fargo
Art Farmer
Freddie Fender
Ferrante & Teicher
Fever Tree
The Fifth Dimension
Ella Fitzgerald
Five Blind Boys Of Alabama
The Fixx
The Flamingos
King Floyd
The Flying Burrito Brothers
John Fogerty
Red Foley
Eddie Fontaine
The Four Aces
The Four Tops
Peter Frampton
Franke & the Knockouts
Aretha Franklin
The Rev. C.L. Franklin
The Free Movement
Glenn Frey
Lefty Frizzell
Curtis Fuller
Jerry Fuller
Lowell Fulson
Harvey Fuqua
Nelly Furtado
Hank Garland
Judy Garland
Erroll Garner
Jimmy Garrison
Larry Gatlin & the Gatlin Brothers
Gene Loves Jezebel
Barry Gibb
Georgia Gibbs
Terri Gibbs
Dizzy Gillespie
Gin Blossoms
Tompall Glaser
Tom Glazer
Whoopi Goldberg
Golden Earring
Paul Gonsalves
Benny Goodman
Dexter Gordon
Rosco Gordon
Lesley Gore
The Gospelaires
Teddy Grace
Grand Funk Railroad
Amy Grant
Earl Grant
The Grass Roots
Dobie Gray
Buddy Greco
Keith Green
Al Green
Jack Greene
Robert Greenidge
Lee Greenwood
Patty Griffin
Nanci Griffith
Dave Grusin
Guns N’ Roses
Buddy Guy
Buddy Hackett
Charlie Haden
Merle Haggard
Bill Haley and His Comets
Aaron Hall
Lani Hall
Chico Hamilton
George Hamilton IV
Hamilton, Joe Frank & Reynolds
Marvin Hamlisch
Jan Hammer
Lionel Hampton
John Handy
Glass Harp
Slim Harpo
Richard Harris
Freddie Harts
Dan Hartman
Johnny Hartman
Coleman Hawkins
Dale Hawkins
Richie Havens
Roy Haynes
Head East
Heavy D. & the Boyz
Bobby Helms
Don Henley
Clarence “Frogman” Henry
Woody Herman and His Orchestra
Milt Herth and His Trio
John Hiatt
Al Hibbler
Dan Hicks and the Hot Licks
Monk Higgins
Jessie Hill
Earl Hines
Roger Hodgson
Hole
Billie Holiday
Jennifer Holliday
Buddy Holly
The Hollywood Flames
Eddie Holman
John Lee Hooker
Stix Hooper
Bob Hope
Paul Horn
Shirley Horn
Big Walter Horton
Thelma Houston
Rebecca Lynn Howard
Jan Howard
Freddie Hubbard
Humble Pie
Engelbert Humperdinck
Brian Hyland
The Impressions
The Ink Spots
Iron Butterfly
Burl Ives
Janet Jackson
Joe Jackson
Milt Jackson
Ahmad Jamal
Etta James
Elmore James
James Gang
Keith Jarrett
Jason & the Scorchers
Jawbreaker
Garland Jeffreys
Beverly Jenkins
Gordon Jenkins
The Jets
Jimmy Eat World
Jodeci
Johnnie Joe
The Joe Perry Project
Elton John
J.J. Johnson
K-Ci & JoJo
Al Jolson
Booker T. Jones
Elvin Jones
George Jones
Hank Jones
Jack Jones
Marti Jones
Quincy Jones
Rickie Lee Jones
Tamiko Jones
Tom Jones
Louis Jordan and His Tympany Five
The Jordanaires
Jurassic 5
Bert Kaempfert
Kitty Kallen & Georgie Shaw
The Kalin Twins
Bob Kames
Kansas
Boris Karloff
Sammy Kaye
Toby Keith
Gene Kelly
Chaka Khan
B.B. King
The Rev. Martin Luther King Jr.
Wayne King
The Kingsmen
The Kingston Trio
Roland Kirk
Eartha Kitt
John Klemmer
Klymaxx
Baker Knight
Chris Knight
Gladys Knight and the Pips
Krokus
Steve Kuhn
Rolf Kuhn
Joachim Kuhn
Patti LaBelle
L.A. Dream Team
Lambert, Hendricks & Ross
Frankie Lane
Denise LaSalle
Yusef Lateef
Steve Lawrence
Steve Lawrence & Eydie Gormé
Lafayette Leake
Brenda Lee
Laura Lee
Leapy Lee
Peggy Lee
Danni Leigh
The Lennon Sisters
J.B. Lenoir
Ramsey Lewis
Jerry Lee Lewis
Jerry Lewis
Meade Lux Lewis
Liberace
Lifehouse
Enoch Light
The Lightning Seeds
Limp Bizkit
Lisa Loeb
Little Axe and the Golden Echoes
Little Milton
Little River Band
Little Walter
Lobo
Nils Lofgren
Lone Justice
Guy Lombardo
Lord Tracy
The Louvin Brothers
Love
Patti Loveless
The Lovelites
Lyle Lovett
Love Unlimited
Loretta Lynn
L.T.D.
Lynyrd Skynyrd
Gloria Lynne
Moms Mabley
Willie Mabon
Warner Mack
Dave MacKay & Vicky Hamilton
Miriam Makeba
The Mamas and the Papas
Melissa Manchester
Barbara Mandrell
Chuck Mangione
Shelly Manne
Wade Marcus
Mark-Almond
Pigmeat Markham
Steve Marriott
Wink Martindale
Groucho Marx
Hugh Masekela
Dave Mason
Jerry Mason
Matthews Southern Comfort
The Mavericks
Robert Maxwell
John Mayall
Percy Mayfield
Lyle Mays
Les McCann
Delbert McClinton
Robert Lee McCollum
Marilyn McCoo & Billy Davis Jr.
Van McCoy
Jimmy McCracklin
Jack McDuff
Reba McEntire
Gary McFarland
Barry McGuire
The McGuire Sisters
Duff McKagan
Maria McKee
McKendree Spring
Marian McPartland
Clyde McPhatter
Carmen McRae
Jack McVea
Meat Loaf
Memphis Slim
Sergio Mendes
Ethel Merman
Pat Metheny
Mighty Clouds of Joy
Roger Miller
Stephanie Mills
The Mills Brothers
Liza Minnelli
Charles Mingus
Joni Mitchell
Bill Monroe
Vaughn Monroe
Wes Montgomery
Buddy Montgomery
The Moody Blues
The Moonglows
Jane Morgan
Russ Morgan
Ennio Morricone
Mos Def
Martin Mull
Gerry Mulligan
Milton Nascimento
Johnny Nash
Nazareth
Nelson
Rick Nelson & the Stone Canyon Band
Ricky Nelson
Jimmy Nelson
Oliver Nelson
Aaron Neville
Art Neville
The Neville Brothers
New Edition
New Riders of the Purple Sage
Olivia Newton-John
Night Ranger
Leonard Nimoy
Nine Inch Nails
Nirvana
The Nitty Gritty Dirt Band
No Doubt
Ken Nordine
Red Norvo Sextet
Terri Nunn
The Oak Ridge Boys
Ric Ocasek
Phil Ochs
Hazel O’Connor
Chico O’Farrill
Oingo Boingo
The O’Jays
Spooner Oldham
One Flew South
Yoko Ono
Orleans
Jeffrey Osborne
The Outfield
Jackie Paris
Leo Parker
Junior Parker
Ray Parker Jr.
Dolly Parton
Les Paul
Freda Payne
Peaches & Herb
Ce Ce Peniston
The Peppermint Rainbow
Pepples
The Persuasions
Bernadette Peters
Tom Petty and the Heartbreakers
John Phillips
Webb Pierce
The Pinetoppers
Bill Plummer
Poco
The Pointer Sisters
The Police
Doc Pomus
Jimmy Ponder
Iggy Pop
Billy Preston
Lloyd Price
Louis Prima
Primus
Puddle Of Mudd
Red Prysock
Leroy Pullins
The Pussycat Dolls
Quarterflash
Queen Latifah
Sun Ra
The Radiants
Gerry Rafferty
Kenny Rankin
The Ray Charles Singers
The Ray-O-Vacs
The Rays
Dewey Redman
Della Reese
Martha Reeves
R.E.M.
Debbie Reynolds
Emitt Rhodes
Buddy Rich
Emil Richards
Dannie Richmond
Riders in the Sky
Stan Ridgway
Frazier River
Sam Rivers
Max Roach
Marty Roberts
Howard Roberts
The Roches
Chris Rock
Tommy Roe
Jimmy Rogers
Sonny Rollins
The Roots
Rose Royce
Jackie Ross
Doctor Ross
Rotary Connection
The Rover Boys
Roswell Rudd
Rufus and Chaka Khan
Otis Rush
Brenda Russell
Leon Russell
Pee Wee Russell
Russian Jazz Quartet
Mitch Ryder
Buffy Sainte-Marie
Joe Sample
Pharoah Sanders
The Sandpipers
Gary Saracho
Shirley Scott
Tom Scott
Dawn Sears
Neil Sedaka
Jeannie Seely
Semisonic
Charlie Sexton
Marlena Shaw
Tupac Shakur
Archie Shepp
Dinah Shore
Ben Sidran
Silver Apples
Shel Silverstein
The Simon Sisters
Ashlee Simpson
The Simpsons
Zoot Sims
P.F. Sloan
Smash Mouth
Kate Smith
Keely Smith
Tab Smith
Patti Smyth
Snoop Dogg
Valaida Snow
Jill Sobule
Soft Machine
Sonic Youth
Sonny and Cher
The Soul Stirrers
Soundgarden
Eddie South
Southern Culture on the Skids
Spinal Tap
Banana Splits
The Spokesmen
Squeeze
Jo Stafford
Chris Stamey
Joe Stampley
Michael Stanley
Kay Starr
Stealers Wheel
Steely Dan
Gwen Stefani
Steppenwolf
Cat Stevens
Billy Stewart
Sting
Sonny Stitt
Shane Stockton
George Strait
The Strawberry Alarm Clock
Strawbs
Styx
Sublime
Yma Sumac
Andy Summers
The Sundowners
Supertramp
The Surfaris
Sylvia Syms
Gábor Szabó
The Tams
Grady Tate
t.A.T.u.
Koko Taylor
Billy Taylor
Charlie Teagarden
Temple of the Dog
Clark Terry
Tesla
Sister Rosetta Tharpe
Robin Thicke
Toots Thielemans
B.J. Thomas
Irma Thomas
Rufus Thomas
Hank Thompson
Lucky Thompson
Big Mama Thornton
Three Dog Night
The Three Stooges
Tiffany
Mel Tillis
Tommy & the Tom Toms
Mel Tormé
The Tragically Hip
The Trapp Family Singers
Ralph Tresvant
Ernest Tubb
The Tubes
Tanya Tucker
Tommy Tucker
The Tune Weavers
Ike Turner
Stanley Turrentine
Conway Twitty
McCoy Tyner
Phil Upchurch
Michael Utley
Leroy Van Dyke
Gino Vannelli
Van Zant
Billy Vaughan
Suzanne Vega
Vega Brothers
Veruca Salt
The Vibrations
Bobby Vinton
Voïvod
Porter Wagoner
The Waikikis
Rufus Wainwright
Rick Wakeman
Jerry Jeff Walker
The Wallflowers
Joe Walsh
Wang Chung
Clara Ward
Warrior Soul
Washboard Sam
Was (Not Was)
War
Justine Washington
The Watchmen
Muddy Waters
Jody Watley
Johnny “Guitar” Watson
The Weavers
The Dream Weavers
Ben Webster
Weezer
We Five
George Wein
Lenny Welch
Lawrence Welk
Kitty Wells
Mae West
Barry White
Michael White
Slappy White
Whitesnake
White Zombie
The Who
Whycliffe
Kim Wilde
Don Williams
Jody Williams
John Williams
Larry Williams
Lenny Williams
Leona Williams
Paul Williams
Roger Williams
Sonny Boy Williamson
Walter Winchell
Kai Winding
Johnny Winter
Wishbone Ash
Jimmy Witherspoon
Howlin’ Wolf
Bobby Womack
Lee Ann Womack
Phil Woods
Wrecks-N-Effect
O.V. Wright
Bill Wyman
Rusty York
Faron Young
Neil Young
Young Black Teenagers
Y & T
Rob Zombie



jueves, 30 de mayo de 2019

Robert Plant comparte una foto conmovedora visitando la estatua de John Bonham

mayo 30, 2019 0
Photo: Takahiro Kyono

Robert Plant, la leyenda de Led Zeppelin, ha compartido una foto conmovedora de él mismo visitando la estatua de John Bonham en Redditch.

Tomada por Gil Richards, la imagen altamente conmovedora captura a Plant mirando a la estatua de su difunto miembro de la banda Led Zeppelin en la noche. Acompañan algunas velas en las piedras que rodean la escultura, que son un guiño al Giant's Causeway de la portada 'Houses of the Holy'.

Plant subtituló la imagen: "Otro cumpleaños a la vuelta de la esquina ... gran pérdida ..."


Creada por el escultor Mark Richards y situada en la plaza Mercian en el centro de la ciudad de Redditch, la escultura conmemorativa de John Bonham se inauguró el 31 de mayo del año pasado, lo que habría sido el cumpleaños número 70 de Bonzo.

Hecho de bronce y con un peso de 2,5 toneladas, representa a Bonham en acción en vivo detrás de la batería y presenta su símbolo 'Led Zeppelin IV' de tres anillos entrelazados junto con la fecha de su nacimiento y muerte.

Junto a las piedras antes mencionadas, la impresionante estatua también presenta aeronaves zepelín y las palabras: "El baterista más destacado y original de su época, la popularidad e influencia de John Bonham siguen resonando en el mundo de la música y más allá".

El consejo municipal de Redditch dio luz verde a la estatua que se construirá en una reunión de planificación en octubre de 2017.

Con el apoyo de la familia Bonham y de Warner Music Group, la hermana de John, Deborah, asistió a la reunión en la que les dijo a los concejales que se habían recaudado los fondos necesarios para el memorial y que el dinero restante se destinará a las enfermeras de Teenage Cancer Trust en Redditch.


miércoles, 10 de abril de 2019

Cuando Tom Waits ganó el juicio a los Doritos

abril 10, 2019 0

El 20 de enero de 1993, la Corte Suprema de los EEUU decidió que el artista Tom Waits podía quedarse con el dinero que se le otorgaba después de demandar a la compañía Frito-Lay (sí, los fabricantes de los Doritos, Fritos, etc).

En la década de 1980, el fabricante de chips Frito-Lay decidió que el portavoz perfecto para su nueva campaña publicitaria de Doritos sería el cantante y compositor de voz grave Tom Waits. El músico no estuvo de acuerdo con aquello y rechazó la oferta. Cuando Frito-Lay no pudo obtener el permiso para usar la pista de Waits "Step Right Up" para un su spot comercial, crearon una melodía similar interpretada por un artista que imitaba la voz grave del cantante.


Indignado, Waits presentó una demanda contra la compañía de snacks en 1988 argumentando que la suplantación deliberada constituía publicidad falsa. El resultado fue incierto: Los imitadores hicieron muchos anuncios en esa época. El Tribunal de Apelaciones le otorgó aproximadamente 2,4 millones de dólares. Frito-Lay apeló, alegando que no habían imitado deliberadamente la voz distintiva de Waits.


El caso llegó hasta la Corte Suprema, donde los jueces votaron a favor de Waits y le permitieron retener el dinero. Fue una victoria temprana, algo inesperada, para artistas independientes contra imitadores no autorizados. Solo Bette Midler había ganado una demanda similar, obteniendo 400.000 dólares por un spot de 1986 de Ford que usaba un imitador.


Fuente:
https://www.rollingstone.com/music/music-news/week-in-rock-history-ozzy-osbourne-bites-the-head-off-a-bleedin-bat-114854/
https://blankonblank.org/2015/11/hey-thats-my-song-you-are-using/

miércoles, 13 de febrero de 2019

Defender el muro de Trump bajo el símbolo con el que Pink Floyd los destruía

febrero 13, 2019 0
Resulta descabellado contemplar que simpatiza con las políticas anti-inmigración de Trump, cuando Joy Villa es descendiente de padre argentino y de madre de ascendencia africana


Esta anécdota estrambótica, ponzoñosa y aberrante fue protagonizada por la cantante norteamericana Joy Villa, en su llegada a la gala de los Premios Grammy 2019. Que no quede lugar a dudas, el propósito de la misma era la provocación y el escándalo.
La cantante acudió a los premios con una vestimenta de lo más llamativa, fiel al estilo del que se sirve y que suele lucir con frecuencia. Ataviada con harapos de un disfraz, Joy Villa encarnaba la estatua de la Libertad con una diadema de pinchos y hombreras de concertinas. El resto lo brindaba con el eslogan "Make America Great Again" de su bolso, y lo colmaba un vestido decorado como la legendaria portada del álbum estrella de Pink Floyd, con el mensaje "BUILD THE WALL".

La burla ha dado de pleno en la diana si con ello buscaba la crispación. La cantante es abiertamente defensora del presidente Trump y de sus políticas antinmigratorias. Resulta descabellado contemplar esto ya que, aunque posea legítima libertad de elegir sus ideas, Joy Villa es descendiente de padre argentino y de madre de ascendencia africana. No puedo calcular hasta qué punto ella estira la carencia de empatía por la entrada de inmigrantes en un país, cuya historia y cultura radica titánicamente en su riqueza racial e inmigratoria. Es cuanto menos llamativo ser descendiente de ancestros que emigraron al país donde ahora ella, con la madurez de sus 32 años, defiende el cierre de las fronteras. Este búnker ya está ocupado pensará, digo yo.

El atino con el que Joy Villa fue a escoger el temático The Wall, me hace pensar que algo escuece a la cantante sobre los miembros que forman la banda. Si The Wall fue en 1979 un álbum concepto, cuyos entresijos tuvieron que ver más con los muros como alegoría de un aislamiento traumático y personal que como una muralla levantada por estrategia bélica, la fuerza que arrastró este disco adquirió un nivel de simbolismo mundial. Con Roger Waters a la cabeza del ideario de The Wall, el músico brindó un concierto histórico en Berlín tras la caída del muro en 1990. Además de esto, el bajista no ha ocultado en toda su trayectoria sus posiciones ante conflictos en todo el mundo, ni sus convicciones políticas lejos de la equidistancia ("Trump is a pig", es el lema que luce su espectáculo de luces en su última gira).


Sin el esmero de querer adivinar el motivo real, puede que sea algo aproximado a esto, el hecho de que Joy Villa no haya elegido al azar escribir Build The Wall en su traje de ladrillos, sino para provocar a quienes atacan a su presidente.

El tweet con el que la cantante expresaba "No me importa lo que piense nadie. Apoyo 100% al muro y a nuestro Presidente", argumentaba el clásico mensaje xenófobo que busca la culpa y la causa de los males en el individuo ajeno. Tan pésimo como pobre, el mensaje se difunde como un mantra no solo en EEUU sino en el mundo entero.


No hay mucho más que comentar de esta anécdota, en la que no entraría a destripar a una artista con el pretexto de que fuera de ideologías opuestas a la mía. Pero sí veo cierta farsa en ver que, a estos artistas cuyas carreras lucen más por sus anécdotas de vestuario que por su trayectoria musical, no les queda más que eso ante el vacío con el que llenan de nada la vocación de la que dicen ser.




miércoles, 9 de enero de 2019

Dios se jubila

enero 09, 2019 0

Cierto es, que el titular es un alarde de idolatrismo, pero en ocasiones es placentero permitirse el deleite de encumbrar hasta el olimpo a personas cuya obra, que admiras con pasión platónica, te han llevado a lugares donde puedes palparle el pulso al universo. No me cabe duda de que Ennio Morricone, en mi pequeña ida de olla personal, es lo más parecido a Dios.

El compositor romano, que cuenta ya con 90 años, la mayor parte de su existencia entregado a la música, ha decidido dar fin a su trabajo. No todos los días encontramos a morricones cometiendo la salvajada de componer 500 bandas sonoras con el brillo de ser calificadas como excelentes cada una de ellas.


Dicen de él, que es alérgico a la fama. Y por tanto también a la prensa. Por ello no le fue nada agradable el bulo emitido por la revista Playboy, que puso en su boca palabras tergiversadas falsamente contra Quentin Tarantino, el último director con el que ha trabajado y por cuya película ha recibido su último Oscar. La revista tuvo que retractarse.

Portada de su autobiografía que se publicará en Mayo.
Admirado y reconocido por directores de peso como Sergio Leone, Giuseppe Tornatore, John Carpenter, Brian De Palma, Barry Levinson, Oliver Stone, Warren Beatty, Terrence Malick o Roland Joffé, el esplendor de su emblemática obra musical casa perfectamente con su manera introvertida y ensimismada de componer. “Cada vez que compongo siento una gran responsabilidad, porque quiero probar algo completamente original y que a la vez sea entendido”, explicaba en una entrevista a El País hace unos años. “Esa es mi firma, mi meta, mi principal deseo”, añadía.

Nunca se mudó a Hollywood, donde le negaron el Oscar hasta 2016 por ser comunista (fue un afiliado confeso al Partido Comunista Italiano), nunca tuvo un piano en su estudio. Siempre prefirió la tranquilidad de su individualidad, y disfrutar de la paz personal y familiar, de la que gozaba mucha más allá de las películas para las que componía. 




viernes, 21 de diciembre de 2018

Rosendo se despide:"Me duele tener que parar, pero nos hacemos viejos"

diciembre 21, 2018 0

Rosendo encumbró anoche su carrera en los escenarios con un concierto de despedida en Madrid. "He recibido mucho cariño y me duele tener que parar, pero nos hacemos viejos", confesó ante más de 15.000 personas, tras ofrecer en el WiZink Center 100 minutos de eso que él venía a definir (en parte desde la modestia) como variaciones de "tres acordes" lanzadas con "mala leche y punto", plenas de conciencia de clase.

Rosendo (Madrid, 1954) se va así "ni quemado ni desvanecido, en lo más alto", según el comunicado de su despedida, como referente del rock urbano y de la música española tras 45 años de profesión en los que militó en Ñu y Leño y, tras la disolución de esta banda en 1983, con una carrera en solitario que llega al reciente De escalde y trinchera (2017) y que arrancó con Loco por incordiar (1985).


Especialmente importante fue este álbum en el repertorio de la noche, unas dos docenas de canciones que intentaron recorrer lo mejor de su carrera, obviando de manera flagrante sus discos de los años 90, de La tortuga (1992) a A tientas y barrancas (1998). En total fueron 16 los discos de estudio firmados por Rosendo, que no concedió entrevistas tras el anuncio de su retirada, aunque previamente venía anticipándola. Entre otras cosas, decía que le había encontrado el sentido a "cortar el césped", que se veía "fuera de lugar" y que cada vez le resultaban más pesadas la vida pública y la carretera.

De hecho, se volvían más habituales sus retiros al pueblo burgalés del que es originaria su mujer, donde escribió su último álbum, en huida del Madrid del que tanto ha "contado y cantado" y que no hace mucho lo distinguió con la Medalla de Oro de la ciudad. Parecía lógico que la despedida definitiva hubiese sido aquí, pero en una decisión no compartida por parte de su público, al carabanchelero aún le quedan dos noches consecutivas de guitarrazos en Barcelona a partir de este sábado.

Maneras de vivir 

Con todo, los numerosos incondicionales que ya en verano disfrutaron de su directo en el festival Cultura Inquieta de Getafe (Madrid) volvieron a responder a su última llamada en la capital para agotar, hace dos meses y medio, todo el aforo del popularmente conocido como Palacio de Deportes de la Comunidad de Madrid, en el que no recalaba desde 2015.

Archivo de RTVE

Veinte minutos más tarde de lo estipulado, tras el previo de su hijo, Rodrigo Mercado, lo vivido esta noche fue una celebración, una eucaristía de esta parroquia de fieles que han reivindicado más que a su mesías, a su vecino, para regodearse todos juntos entre saltos de guitarra e himnos colectivos de resistencia, como la inicial Aguanta el tipo, a 100 por hora desde el primer minuto.

"¡Estamos con vosotros, colegas!", exclamó al público la melena plateada más famosa del rock español (con el permiso de Robe Iniesta), justo después de remachar los sonoros versos de Muela la muela: "¡Viva la revolución!".


En ese ritmo raudo se sucedieron las sacudidas de realidad hechas palabra, los El ganador, Deja que les diga que no o Cúrame de espanto, antes de frenar ligeramente hacia una pauta más densa con No son gigantes o sumergirse entre las cuerdas de su Fender en el desfiladero de Mala vida, una de las más coreadas ("Mala vida, mala gente, poco más / y si cruzas el puente la das").

La denuncia política de Vergüenza torera dio pase a la seminal El tren de Leño ("una canción que hice de chaval", señaló), poniendo al respetable a saltar y dejando todo listo para uno de los clímax de la velada, Flojos de pantalón, una canción "más" que, según cuenta, el público hizo importante.

Con la misma fuerza desde el escenario que de la pista resonó este catártico tema en las paredes del Palacio ("Son la musa que inspira la ambición, sueño de libertad / Noches al pie del cañón, fuerza de voluntad"), en el inicio de la traca final con Masculino singular, Pan de higo y Navegando.

"Madrid, han sido muchos años, pero todo se acaba. No me gusta hablar y no me gustan las despedidas, volveremos a vernos, aunque sea en la otra vida", prometió, antes de enfilar el final con los imprescindibles Agradecido, Loco por incordiar, Maneras de vivir y Qué desilusión.

Para la esperanza, o para el enfado, según cómo se plantee uno el propósito (comercial o no) de esta gira, el artista dejó una puerta abierta en su comunicado: "Rosendo se toma un respiro en un camino que no conoce el punto y aparte y queda en puntos suspensivos".

Fuente:
 https://www.20minutos.es/noticia/3522120/0/rosendo-concierto-despedida-madrid/#xtor=AD-15&xts=467263

jueves, 29 de noviembre de 2018

Spotify impulsa a Palestina en su plataforma

noviembre 29, 2018 0


Los músicos palestinos incrementaron rápidamente su presencia en Spotify, que lanzó el servicio de streaming en Oriente Medio y en el norte de África la semana pasada. "El centro árabe provee una plataforma única que reúne el espectro completo de cultura y creatividad árabe, pasado y presente", dijo Suhel Nafar, un músico de la ciudad israelí de Lod que trabaja como editor de música y cultura del servicio de streaming musical.

Spotify es la primera compañía importante de streaming en lanzar un programa específico para los territorios palestinos, lo que les permite a los artistas locales alcanzar nuevas audiencias globales pese a los desafíos que afrontan. "Como artistas palestinos, nos enfrentamos a muchas restricciones. Algunos no podemos viajar para tocar en otro país", dijo Bashar Murad, un cantante palestino que reside en Jerusalén Oriental, una zona tomada por Israel, junto con Cisjordania, en la guerra de 1967.



Murad contó que Spotify está ayudando a que su música sea escuchada. "Tras el lanzamiento, mis seguidores mensuales (en Spotify) se incrementaron de 30 a casi 6.500", dijo. 

Sin una red 3G 

Sin embargo, la falta de servicios de telefonía de alta velocidad en Cisjordania y la Franja de Gaza limitará el uso de la aplicación. "Tendré que estar en casa o en un café o en un lugar donde haya buena conexión a internet para poder subir mis canciones a Spotify", dijo Mohammed Al-Susi, un artista de rap de Gaza que se registró en la aplicación la semana pasada. 

Los territorios palestinos son el único mercado árabe incluido en el lanzamiento regional de Spotify que carece de infraestructura de banda ancha 4G, aunque algunos consumidores utilizan redes más rápidas en la vecina Israel. Cisjordania lanzó un servicio de 3G a finales de 2017, pero Gaza solo tiene 2G. 

Cuando Gaza tenga 3G "será algo maravilloso. Mejor que poner mis temas en Facebook y tener que ver los comentarios de la gente. Es un sitio exclusivamente para música", dijo Susi. Spotify ha estado disponible de forma no oficial en Cisjordania y Gaza durante varios años a través de cuentas registradas en Israel u otros mercados y a la que se accedía mediante una red privada virtual, o VPN. Spotify fue lanzado en marzo en Israel. 

Aún así, tener un servicio musical y social específico para los territorios palestinos es "algo significativo", dijo Murad. "A pesar de las restricciones, podemos unirnos en las redes sociales", agregó.


jueves, 15 de noviembre de 2018

Expedientan al Mad Cool por no dejar pasar bebida ni comida, pero...

noviembre 15, 2018 0

El Ayuntamiento de Madrid ha abierto dos expedientes sancionadores contra la promotora Live Nation por no dejar pasar comida ni bebida en dos festivales celebrados en la capital, el Mad Cool y el Download, aunque no sancionará a la empresa por no tener ésta su sede social en la capital.

Según han detallado a Efe fuentes del área de Salud, Seguridad y Emergencias, el Ayuntamiento "considera abusiva la prohibición de entrada con comida o bebidas adquiridas en el exterior a cualquier espectáculo en cuyo local o recinto el promotor venda comida o bebida y no constituye a dicha prestación el principal motivo de la actividad comercial de la empresa". 

Es decir, según este criterio, se puede entrar en un cine o en un concierto con comida o bebida pero no en un restaurante. 

Por este motivo y a raíz de una denuncia de Facua sobre el Mad Cool, el Ayuntamiento de Madrid ha expedientado a la promotora Live Nation, aunque al no poder sancionarla directamente por no tener sede social en la capital traslada el expediente de inspección a la Comunidad de Madrid y con una propuesta de sanción, en concreto de "ejercicio de potestad sancionadora". 

En un comunicado, Facua explica que ha denunciado a la promotora del Mad Cool en dos ocasiones, pues esta prohibición ya se dio en 2017, y el Instituto Municipal de Consumo incoó un expediente sancionador al corroborar que en esta edición se mantenía la prohibición, contraviniendo así la Ley de Protección a los Consumidores.

Contenido íntegro de 20minutos compartido bajo licencia CC:
Fuente: https://www.20minutos.es/noticia/3491444/0/madrid-expedienta-mad-cool/#xtor=AD-15&xts=467263

martes, 30 de octubre de 2018

Massive Attack celebran 20 años de 'Mezzanine' con una gira, y pisarán España

octubre 30, 2018 0

Se cumplen 20 años de la publicación del aclamado álbum de la banda británica de Massive Attack, y han decidido celebrarlo a lo grande y de la mejor manera que puede plantearse cualquier banda del mundo, con una gira, en este caso europea.

“Mezzanine XXI”, que es como se llamará el tour, servirá a los de Bristol para rendir tributo a piezas como ‘Angel’ o ‘Teardrop’ en un total de 16 pabellones europeos diferentes.

Sin embargo, la espina clavada en los miles de fans que en España se quedaron sin su actuación en la pasada edición del Mad Cool Festival, no parece que vaya a recibir consuelo. El dúo no pisará suelo español, algo que podían esperar todos los seguidores que aún tiene la esperanza de poderlos ver en vivo. 


MASSIVE ATTACK, sí visitará España en la gira (ACTUALIZACIÓN 31-10-2018)

Finalmente la banda británica han incluido Madrid y Barcelona como ciudades donde actuarán en la gira "Mezzanine XXI", según han informado varios medios, como MondoSonoro. Todo un goce saber que aquellos seguidores tendrán la oportunidad de verlos en directo en nuestro país.


Enlace al evento

viernes, 26 de octubre de 2018

Beastie Boys recogen sus memorias en un libro salvaje

octubre 26, 2018 0
Seis años después de perder a su mejor amigo y compañero de banda por el cáncer, Mike D y Ad-Rock están listos para contar la historia de su vida en la música


Beastie Boys Book son las memorias muy poco ortodoxas de la trayectoria del grupo, en que sus dos miembros, Adam Horovitz y Michael Diamond, han pasado los últimos cuatro años escribiendo juntos. Dentro de sus 571 páginas se encuentran docenas de episodios de sus vidas contadas en primera persona, con fotos antiguas, dibujos, recetas y testimonios de amigos como Amy Poehler, Colson Whitehead y Luc Sante. El libro evoca a los Beastie en su versión más surrealista e hilarante: vea la hora en que se encontraron con Bob Dylan en una fiesta de cumpleaños para Dolly Parton en el invierno del '88 (Horovitz afirma que Dylan intentó reclutarlos en un "concierto para no fumadores"). Al mismo tiempo, rinden un tributo a su mejor amigo y compañero de banda, Adam Yauch, quien murió de cáncer en 2012, llevando la historia del grupo a un final trágico y temprano.

El libro recoge datos de toda una década o más. La idea de hacer el libro surgió cuando Horovitz vio una copia de Got the Life, la autobiografía de 2009 del bajista de Korn Reginald "Fieldy" Arvizu, en una librería.

En 2014, dos años después de perder a Adam Yauch, ambos afligidos, se reunieron en el apartamento donde vivía Diamond, en ese momento en Carroll Gardens, Brooklyn, y pasaron un par de días recordando historias. Y fue ahí donde comenzaron a reunir con una larga lista de recuerdos, sobre los que repartieron y escribieron capítulos firmados individualmente.

La pérdida de Yauch está muy presente en Beastie Boys Book, podría decirse que fue el personaje más carismático de todos: el bromista del snowboard, el buscador espiritual y la figura de un hermano mayor que empujó a los demás a nuevas alturas una y otra vez. "La banda no se separó", escribe Horovitz en un capítulo desgarrador sobre la grabación de Hot Sauce Committee Part Two de 2011 . "No fuimos por caminos creativos individuales. Ningún proyecto en solitario jodió las cosas para no enemistarnos. Este fue nuestro último álbum porque Adam contrajo cáncer y murió. Si eso no hubiera sucedido, probablemente estaríamos haciendo un nuevo disco mientras lees esto. Lamentablemente, no resultó así... Demasiado triste para escribirlo".



lunes, 22 de octubre de 2018

25 años del 'Vs' de Pearl Jam y 10 cosas que nos sabías sobre el álbum

octubre 22, 2018 0

Cuando Vs. fue lanzado el 19 de octubre de 1993, estableció el récord al vender más de 950.000 copias en sus primeros cinco días, superando a todas las demás entradas en el Billboard Top 10 combinado de esa semana, no fue una gran sorpresa para nadie que haya estado siguiendo el rápido ascenso de Pearl Jam. Mucho más notable fue que la banda no implosionara completamente bajo presión durante la grabación del álbum.

Profundamente incómodos con las exigencias del estrellato, pero también acusados de ser unos "vendidos" por muchos fanáticos y críticos del mundo de la música alternativa (especialmente en la escena de Seattle que los engendró), Pearl Jam se vio atrapado en un clásico maldito seas lo hagas o no, antes de que incluso hubieran grabado una nota de su segundo LP.

Aunque las sesiones de grabación no fueron fáciles (abundaban los conflictos de personalidad y Vedder estaba particularmente descontento con el estudio que había sido elegido para el proyecto), Pearl Jam salió victorioso con Vs., un álbum que aún se mantiene como uno de los discos más fuertes de su larga y famosa carrera. Más flojo, más pesado y más enojado que su debut, Vs. encontró a la banda explorando nuevos sonidos y dinámicas, lo que dio como resultado aspectos destacados de carácter acústico como "Daughter" y "Elderly Woman Behind the Counter In A Small Town", y la sensación más extraña con canciones como "Rats" y "Animal". "

Se cumplen 25 años del álbum Vs. y aquí hay 10 cosas que quizás no sepas sobre el álbum.

1. La banda jugaba al beisbol todos los días antes de grabar.

Durante las sesiones de grabación de Vs. en el Site, un estudio residencial en el condado de Marin en el norte de California, O'Brien y la banda se relajaban cada día de grabación jugando al beisbol. "Nos animó a reunirnos todas las mañanas", dijo O'Brien a Cameron Crowe en una entrevista para el documental de Pearl Jam Twenty . "Fue como, 'OK, mañana, 9:30, charla en la cocina, y luego vamos a jugar al beisbol'. Lo hicimos durante bastante tiempo. Fue una manera de divertirnos".

2. La banda grabó cada canción del álbum a la vez.

Si bien era típico que los artistas de rock de los años noventa grabaran sus álbumes en fases, al finalizar las pistas de ritmo de todas las canciones antes de colgarse los instrumentos la banda mantuvo la intensidad intacta terminando cada canción antes de pasar a la siguiente.

"Mi trabajo consistía en intentar que todos se sintieran lo más creativos posible", recordó a Crowe. "La idea era asentarnos en el estudio, trabajar las canciones y grabar cada una al mismo tiempo para que, de esa manera, no nos adelantáramos demasiado".


3. Eddie Vedder a menudo se preparaba para grabar las voces del álbum durmiendo en su camión.

Con el fin de sumergirse en sus letras, Vedder salía a veces del estudio y conducía por las cercanías de San Francisco, donde pasaba varias noches en su camioneta antes de regresar a las sesiones renovado e inspirado. "No creo que nadie sospechara que Eddie no se encontraría muy bien en el Site", dijo O'Brien a Crowe. "No le gustaba que Gossard apareciera en bata y zapatillas para hacer rock. Entonces llegó un punto en que había canciones para las que no tenía letra, y me dijo que tenía que desaparecer, y desaparecer por un tiempo". El muchacho necesita escaparse.

4. "Go" surgió alrededor de una hoguera.

Si bien la permanencia de Abbruzzese en Pearl Jam duró poco tiempo (la banda lo despediría en agosto de 1994, debido a una variedad de conflictos musicales y personales), el baterista hizo algunas contribuciones cruciales, incluida la semilla del tema "Go".
Una noche, mientras los compañeros de la banda se encontraban alrededor de una fogata en que Abbruzzese había comenzado a tocar un riff en una guitarra acústica, y el resto del grupo inmediatamente se aferró a ella. "Se me ocurrió coger la guitarra en el momento adecuado", le dijo a Modern Drummer. "Stone me preguntó qué estaba tocando y comencé a tocar, luego Jeff lo miró y Eddie comenzó a cantar con él y se convirtió en una canción".

5. "Glorified G" se inspiró en las armas de Dave Abbruzzese.

Como alguien que disfrutaba mucho de los chanchullos del estrellato del rock, Abbruzzese siempre estaba en una página marcadamente diferente a Vedder. Pero el abismo entre el baterista y el cantante se amplió aún más durante las primeras grabaciones de Vs. cuando Ament mencionó a Vedder que Abbruzzese había adquirido recientemente un arma.



“¿Te compraste una pistola ?” gritó Vedder , obviamente consternado. "De hecho, compré dos", soltó el baterista, antes de dar marcha atrás ligeramente con la afirmación de que "era pistolas de perdigones glorificados". La explicación no logró tranquilizar a Vedder, quien rápidamente escribió las líneas burlonas que finalmente sería la letra de la canción.

6. "WMA" se inspiró en el acoso policial.

En las notas de Vs, la página de la letra de "WMA" incluía un recorte de una noticia sobre Malice Green, un hombre afroamericano que murió tras una lucha con la policía de Detroit en noviembre de 1992. Pero según Vedder, la canción fue inspirada por un incidente de acoso policial que presenció de primera mano.

"Creo que probablemente me quedé en el estudio de ensayo la noche anterior y habían pasado un par de días [...] Estoy sentado allí con este tipo que es de un color más oscuro que yo, y de lejos vienen estos policías, corren con sus bicicletas tratando de parecer guays. Así que aquí vienen, se dirigen directamente hacia nosotros. Y simplemente me ignoraron y comenzaron a acosarlo. [...] Les llamé la atención... y una cosa llevó a la otra... Tuve toda esta puta energía corriendo a través de mí. Estaba loco. Realmente jodido y enojado. Regresé al estudio, fui directo e hice las voces, y esa fue la canción".

7. "Better Man" fue descartada del álbum porque sonaba como un éxito.

La mayoría de las bandas nunca pensarían en rechazar una canción por tener demasiado potencial de éxito, pero Pearl Jam sí. Picados por las críticas de "venderse" con su primer disco, y ya sintiéndose atrapados en la burbuja de la fama, se mostraron extremadamente recelosos sobre la grabación de cualquier cosa que sonara obviamente comercial. Entonces, cuando O'Brien, al escucharlos tocar "Better Man" durante un ensayo elogió que sonaba como un éxito, su entusiasmo por la canción realmente se empañó.

Aunque O'Brien finalmente pudo convencer a la banda para que grabara la canción, nadie estuvo contento con el resultado. Vedder pensó incluso darle a Chrissie Hynde la canción para un álbum de caridad de Greenpeace, hasta que O'Brien y el resto de la banda protestaron. Una versión grabada de la canción finalmente aparecería en el Vitalogy de 1994.

8. Se suponía que el álbum se llamaría Five Against One .

"Uno, dos, tres, cuatro, cinco contra uno", cantó Vedder en "Animal", una Vs. canción que ha sido interpretada de diversas maneras como sobre todo, desde la persecución de los medios hasta la violación en grupo. Independientemente del significado de la canción, la idea de "cinco contra uno" surgió de Gossard, quien lo sugirió como un posible título para el nuevo álbum.


"Para mí, ese título representó una gran cantidad de dificultades por las que pasas al intentar hacer un disco", le dijo a Rolling Stone , justo cuando Pearl Jam estaba dando los toques finales al LP. “Tu propia independencia, tu propia alma, frente a la de todos los demás. En esta banda, y creo que en el rock en general, el arte del compromiso es casi tan importante como el arte de la expresión individual. Puede que tengas cinco grandes artistas en la banda, pero si no pueden comprometerse y trabajar juntos, no tienes una gran banda. Podría significar algo completamente diferente a Eddie. Pero cuando escuché esa letra, tenía mucho sentido para mí ".

Por razones que aún no están claras hasta el día de hoy, el título del álbum se cambió en el último momento a las Vs más oblicuas (aunque aún sonadas de controversia). El nuevo título se presentó tan tarde en el juego que los primeros grabados de casete se lanzaron con el título Cinco en contra de uno impreso en los recintos de la cinta.


9. Las ovejas en la portada simbolizaban cómo se sentía la banda en ese momento.

Después del retrato de la banda en la portada de Ten , Pearl Jam cambió de dirección con el diseño de Vs., que mostraba a una oveja tratando de asomar la cara a través de una cerca de alambre. A pesar de que algunos fanáticos de Pearl Jam han interpretado la combinación de la imagen y el título del álbum como una declaración sobre el rechazo de la banda a los seguidores, Ament siempre ha insistido en que la imagen era en realidad un reflejo del estado mental del grupo durante la creación del álbum.

“La foto de la oveja en la portada de Vs. era de un granjero de Hamilton, Montana", dijo Ament a Spin en 2001".


10. El álbum tuvo seis singles pero la banda se negó a hacer videoclips para cualquiera de ellos.

Al igual que Prince, Pearl Jam se sintió contrariada e incomprendida por su compañía discográfica. Epic Records, su sello, pidió que las voces de Vedder fueran más altas en la mezcla de Vs. - una petición que la banda rechazó rápidamente - y quería que hicieran un video para "Go". También se negarían a hacer videos para "Daughter", "Animal", "Elderly Woman Behind the Counter In A Small Town", "Disident" y "Glorified G", todos los cuales se publicarán como singles. De hecho, Pearl Jam no haría otro video hasta el 2006 con "Life Wasted".

Según Ament, la postura anti-video del grupo surgió de un encuentro con el líder del American Music Club, Mark Eitzel, quien le dijo que amaba a "Jeremy", pero que el video de la canción arruinó la visión que tenía del tema. "Dentro de diez años, no quiero que la gente recuerde nuestras canciones como videos", comentó Ament a Rolling Stone en 1993.

Si bien no todos en Pearl Jam estaban contentos con el edicto de “no videos”, la decisión de alejarse del mundo de MTV finalmente resultó ser saludable. "Cuando nos retiramos, yo estaba un poco decepcionado, quería seguir haciéndo videoclips, tuvimos esta oportunidad, vamos a aprovecharla, ¿ok? No lo echemos a perder. Por suerte, resultó que no lo arruinamos, porque todavía estamos por ahí. Y tal vez habíamos alejado a algunos seguidores a lo largo de los años, por lo que me siento mal. Pero nos hizo sobrevivir como banda ".


jueves, 18 de octubre de 2018

El rock del futuro está en las mujeres

octubre 18, 2018 0
Un estudio de Fender asegura que las mujeres son ya la mitad del mercado de guitarras en Estados Unidos y Reino Unido
La guitarrista Nita Strauss en plena descarga eléctrica
Un nuevo estudio publicado el martes pasado por el fabricante de guitarras Fender muestra que las mujeres representan el 50% de guitarristas principiantes y aspiracionales. Debido a esto la marca de instrumentos está ajustando su enfoque de marketing.

Fender trabajó con la consultora Egg Strategy para realizar una encuesta representativa de guitarristas en EE. UU y Reino Unido, agregando datos británicos a una encuesta similar que realizó en América del Norte hace tres años con resultados muy similares. Las mujeres crecieron constantemente como la mitad de los clientes, aunque la compañía no publicó un desglose de los datos de género por edad u otros datos demográficos. Esos hallazgos iniciales llevaron a la compañía a buscar relaciones con artistas femeninas, destacar a más mujeres en campañas de marketing y reconsiderar su estrategia de marketing en torno a una nueva audiencia masiva que previamente había estado ignorando . Promovió una nueva línea de guitarras centrada en el milenio en 2016 con las bandas lideradas por mujeres Warpaint y Bully, por ejemplo.


"El hecho de que el 50% de los nuevos compradores de guitarras en el Reino Unido fueran mujeres fue una sorpresa para el equipo del Reino Unido, pero es idéntico a lo que está sucediendo en los EE.UU.", dijo el CEO de Fender, Andy Mooney, a la revista Rolling Stone. "También se creía que las personas a las que se refiere como el 'factor de Taylor Swift' podrían hacer que el 50% sea a corto plazo y erróneo. De hecho, no lo es. Taylor se ha movido, creo que toca menos la guitarra en el escenario que en el pasado. Pero las mujeres jóvenes todavía están manejando el 50% de las ventas de nuevas guitarras. Así que el fenómeno parece que tuviera piernas y esté recorriendo en todo el mundo".

Samantha Fish rodando el mastil

El estudio de Fender también encontró que el 72% de los guitarristas cogen una guitarra por primera vez para desarrollar alguna habilidad o mejorar, el 61% también simplemente quiere aprender a tocar canciones por sí mismos o con amigos cercanos y familiares, en lugar de tratar de triunfar. Y el 42% dice que ven la guitarra como parte de su identidad.

Hay que tener en cuenta que todo esto es a pesar de que la música rock se desliza fuera de las listas principales, cediendo el trono a nuevos géneros como el hip-hop, lo que sugiere que la persistencia de la guitarra tiene tanto que ver con su valor para los individuos como una herramienta educativa y social como con su presencia escénica. Fender ahora está tratando de atraer a esos entusiastas tranquilos. "La llegada del punk abrió una apertura para tocar el instrumento", dice Mooney. “Se trataba de menos virtuosismo y más de divertirse y expresarse. Creo que eso se aplica tanto a bandas como a personas que solo querían recoger el instrumento y dominarlo hasta su propio nivel de comodidad".



martes, 16 de octubre de 2018

10 cosas que no sabías del 'Electric Ladyland' de Jimi Hendrix

octubre 16, 2018 0

En honor al 50 aniversario del álbum, aquí hay 10 cosas que quizás no sepas acerca de Electric Ladyland.

1. La madre de Whitney Houston hizo las voces de acompañamiento en "Burning of the Midnight Lamp".

Las sesiones del tema "Burning of the Midnight" marcaron la primera vez que Hendrix trabajó con el ingeniero Gary Kellgren. Cuando Hendrix y el productor Chas Chandler decidieron que la canción necesitaba voces femeninas de apoyo, la esposa de Kellgren, Marta, contrató a Sweet Inspirations, un cuarteto vocal muy solicitado dirigido por Emily "Cissy" Houston, cuya hija pequeña, Whitney (de solo tres años entonces), se convertiría en una cantante de enorme éxito por derecho propio. Aunque la música psicodélica de Hendrix parecía un poco inusual para Houston y sus compañeros, que ya habían hecho sesiones para gente como Aretha Franklin, Wilson Pickett, Solomon Burke y Van Morrison, estaban más que preparados para el desafío.

2. Hendrix toco con un kazoo casero en "Crosstown Traffic".

Aunque a Hendrix le encantaba experimentar con las posibilidades sonoras de los nuevos equipos como wah-wah, tampoco temía ir a la ruta de bricolaje cuando la ocasión lo requería. En "All Along the Watchtower,", usó un encendedor de cigarrillos como slide de guitarra, y para lograr el efecto de zumbido correcto en "Crosstown Traffic", dobló la línea de guitarra soplando a través de un kazoo construido con un peine y celofán.

"Estaba haciendo 'Crosstown Traffic', y parecía que no podía captar el sonido que intentaba expresar", explicó Velvert Turner, amigo y confidente de Hendrix. "Jimi dijo: '¿Tienes un peine, tio? Dame un peine. Que alguien me traiga celofán'. Si tomas un peine y pones celofán a través de él y lo soplas, da un sonido de kazoo.

3. Brian Jones intentó (y falló) tocar el piano en "All Along the Watchtower".

Hendrix a menudo alentaba a otros músicos a unirse a sus sesiones de grabación, y Electric Ladyland contó con varios colaboradores invitados. Pero cuando un determinado miembro de los Rolling Stones se presentó en Olympic Studios durante la grabación de "All Along the Watchtower", sus entusiastas intentos de agregar un piano a la pista fueron frustrados rápidamente por su nivel de embriaguez.

"Nada menos que Brian Jones de los Rolling Stones tropezó con la sesión, decidió ayudar y tocar el piano", recordó Eddie Kramer. "Creo que lo intentó con valentía por un par de tomas, pero fue abandonado, y volvieron a cortar la pista básica sin él". Sin querer herir los sentimientos de su amigo, Hendrix llevó a Jones a la percusión; el ruido que marca la introducción de la canción es el sonido de Jones golpeando un vibraslap.



4. Bob Dylan pensó que la versión de Hendrix de "Watchtower" era una mejor que su propia canción.

Si bien Hendrix realizó varias versiones de Dylan antes de su muerte en 1970, incluyendo "Like a Rolling Stone", "Can You Please Crawl Out Your Window?" y "Drifter's Escape", su revisión magistral de "All Along the Watchtower" fue su último tributo al cantautor. El mismo Dylan ha elogiado la versión de Electric Ladyland en varias ocasiones, incluso incorporando el arreglo de Hendrix de la canción en sus actuaciones en vivo. "Realmente me abrumó", dijo a Fort Lauderdale Sun Sentinel en 1995, cuando le preguntaron sobre la versión de Hendrix sobre la canción. “Tenía tal talento, podía encontrar cosas dentro de una canción y desarrollarlas vigorosamente. Encontró cosas que otras personas no pensarían encontrar allí. Probablemente lo mejoró por los espacios que estaba usando. Tomé licencia con la canción de su versión, en realidad, y sigo haciéndolo hasta el día de hoy".

5. La jam "Voodoo Chile" fue el intento de Hendrix de recrear la atmósfera de su club favorito en Nueva York.

"Me gustan las jams en un lugar pequeño como un club", dijo Hendrix al periodista John Burks en febrero de 1970. "Entonces tienes otra sensación. Te sales de otra manera con todas esas personas allí. Tienes otro sentimiento y lo mezclas con otra cosa que obtienes. No son los focos, solo la gente".

Durante la creación de Electric Ladyland, el lugar favorito de Jimi en la ciudad de Nueva York para las jams de madrugada fue Scene, un popular club nocturno ubicado en un sótano en West 46th Street. The Scene era un imán para los músicos de gira, y no era raro que Hendrix pasara unas horas atascando en Scene con quienquiera que estuviera allí, y luego regresara a Record Plant para alguna grabación nocturna. En la noche del 2 de mayo de 1968, después de encontrarse con Steve Winwood y Jack Casady en la escena (ambas bandas estaban en la ciudad para conciertos en el Fillmore East), los llevó de vuelta al estudio y le ordenó a Eddie Kramer que configurara los micrófonos para una sesión improvisada al estilo de Scene con Mitch Mitchell en la batería.

6. "Voodoo Child (Slight Return)" se grabó sin previo aviso mientras la banda era filmaba para un documental televisivo.

Un día después de que se grabara "Voodoo Chile", Hendrix regresó al estudio con Noel Redding y Mitch Mitchell para ser filmado para un posible documental de ABC-TV. Aunque se suponía que los músicos solo pretendían que estaban grabando, Hendrix aprovechó el momento para enseñar una nueva canción a sus compañeros de banda, y tres tomas más tarde, con las cintas rodando, nació "Voodoo Child (Slight Return)".

"Aprendimos esa canción en el estudio", dijo Redding al autor John McDermott. "Tenían las cámaras rodando mientras nosotros tocábamos". "Haz que parezca que estás grabando chicos. ", Dijo Hendrix a John Burks. “Una de esas escenas, ya sabes, así que 'OK, vamos a reproducir esto en E; ahora un uno y un dos y un tres, "y luego entramos en 'Voodoo Child'. "Aunque la grabación del estudio nunca fue utilizada por ABC, y desde entonces se ha perdido tristemente," Voodoo Child (Slight Return) "sigue siendo una de las pistas más pesadas y potentes jamás grabadas por Hendrix.

7. El perfeccionismo en el estudio de Hendrix hizo que su manager / productor renunciara durante la creación del álbum.

Si bien "Voodoo Chile" y "Voodoo Child (Devolución leve)" se registraron en tres tomas cada una, tal espontaneidad fue escasa durante la creación de Electric Ladyland, para gran disgusto de Chas Chandler, el gerente y productor de Hendrix. Chandler, que prefería el método de "hacer clic y dejarlo" para hacer registros, se sentía cada vez más frustrado con las tendencias perfeccionistas de Hendrix, como lo demuestran las cuatro docenas de tomas que necesitaba para el llamativo "Gypsy Eyes" y el ambiente festivo que dominó muchas de las sesiones de Record Plant.

"Iría allí [a la Planta de Grabación] y esperaría a Jimi", dijo Chandler al autor John McDermott, "y aparecería con ocho o nueve personas. Cuando finalmente comenzó a grabar, Jimi estaría tocando para el beneficio de sus invitados, no de las máquinas ... Estaríamos revisando un número una y otra vez y diría durante la respuesta: "Eso fue todo". Lo conseguimos.' Él decía: 'No, no, no' y grababa otro y otro y otro. Finalmente, simplemente levanté mis manos y me fui.


8. El sello de Hendrix en el Reino Unido no le informó que estaban poniendo mujeres desnudas en la portada del álbum.

Además de ser un perfeccionista musical, Hendrix tenía ideas visuales muy específicas para Electric Ladyland. La fotógrafa Linda Eastman, que se casaría con Paul McCartney el año siguiente, había tomado una foto de la Experiencia Jimi Hendrix con algunos niños en la escultura Alicia en el País de las Maravillas de José de Creeft, en el Central Park de Nueva York, y Hendrix pensó que sería perfecta para el portada del álbum. "Por favor, use la imagen en color con nosotros y los niños en la estatua para la portada o contraportada - CUBIERTA EXTERIOR", le ordenó a Reprise Records, su etiqueta de EE. Por el motivo que sea, Reprise optó por usar una foto solarizada de Karl Ferris de la actuación de Hendrix en 1967 en el Teatro Saville de Londres, mientras que Track Records, el sello del Reino Unido de Hendrix, adoptó una actitud más provocativa y controvertida al usar una foto de David Montgomery de 19 mujeres desnudas.


Según un artículo de noticias del 7 de diciembre de 1968 en Rolling Stone , el lanzamiento del álbum "encontró resistencia y censura en muchas tiendas de discos y en las provincias periféricas de las Islas Británicas", mientras que los mayoristas de Londres solo vendían el disco con desnudos. Oscureciendo la envoltura marrón. Hendrix, por su parte, afirmó que no se le había informado sobre los planes de Track Records para la portada del álbum.


"No sabía nada sobre la portada inglesa", le dijo a Melody Maker en noviembre de 1968. "Aún así, ya me conoces, lo hice de todos modos". Excepto que creo que es triste la forma en que el fotógrafo hizo que las chicas se vieran feas. Algunas de ellos son chicas bonitas, pero el fotógrafo distorsionó la fotografía con una lente de ojo de pez o algo así. Qué cruel. Hizo que las chicas se vieran mal. Pero no es mi culpa ”.

9. Hendrix no estaba contento con la forma en que sonaba el álbum terminado.

Mientras Hendrix pasaba largas horas en el estudio grabando Electric Ladyland, acumulando una factura de $ 60,000 en Record Plant y $ 10,000 en Olympic (o lo que sería más de medio millón de dólares en 2018) con su trabajo las 24 horas, desafortunadamente no tenía tal lujo a la hora de la mezcla final. Presionado por Reprise para obtener un producto terminado, se vio obligado a mezclar el disco mientras estaba de gira con la banda.

"Es muy difícil concentrarse en ambos", lamentó a la revista Hullabaloo , poco después del lanzamiento del álbum.“Así que parte de la mezcla salió fangosa, no exactamente fangosa pero con demasiado bajo. Lo mezclamos, lo producimos y todo ese desastre, pero cuando llegó el momento de que lo presionaran, naturalmente lo arruinaron, porque no sabían lo que queríamos. Se está utilizando un sonido 3D que ni siquiera puedes apreciar porque no sabían cómo cortarlo correctamente. Pensaron que estaba fuera de fase ".

10. Rolling Stone le dio al álbum una revisión mixta luego de su lanzamiento.

Electric Ladyland no se parecía a nada más cuando se lanzó en octubre de 1968, por lo que no es del todo sorprendente que muchos críticos contemporáneos no hayan podido captar sus cabezas y oídos en torno a sus 75 minutos de pura maravilla. Tony Glover - escribiendo sobre el álbum para el número del 9 de noviembre de 1968 de Rolling Stone - le dio a Electric Ladyland una crítica decididamente mixta, una que elogió las excursiones de blues más directas del álbum (así como "All Along the Watchtower"), pero "no estaba seguro de sus momentos más pesados, y lamentó específicamente la forma en que la guitarra de Hendrix trastornó" el hermoso estado de ánimo submarino "de" 1983. ""Mi primera reacción fue, ¿por qué tuvo que hacer eso? ", escribió Glover. "Entonces pensé que él creó una cosa hermosa, pero perdió la fe en ella, y así la destruyó antes de que alguien más pudiera, de varias maneras, un rollo".


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