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miércoles, 10 de abril de 2019

Cuando Tom Waits ganó el juicio a los Doritos

abril 10, 2019 0

El 20 de enero de 1993, la Corte Suprema de los EEUU decidió que el artista Tom Waits podía quedarse con el dinero que se le otorgaba después de demandar a la compañía Frito-Lay (sí, los fabricantes de los Doritos, Fritos, etc).

En la década de 1980, el fabricante de chips Frito-Lay decidió que el portavoz perfecto para su nueva campaña publicitaria de Doritos sería el cantante y compositor de voz grave Tom Waits. El músico no estuvo de acuerdo con aquello y rechazó la oferta. Cuando Frito-Lay no pudo obtener el permiso para usar la pista de Waits "Step Right Up" para un su spot comercial, crearon una melodía similar interpretada por un artista que imitaba la voz grave del cantante.


Indignado, Waits presentó una demanda contra la compañía de snacks en 1988 argumentando que la suplantación deliberada constituía publicidad falsa. El resultado fue incierto: Los imitadores hicieron muchos anuncios en esa época. El Tribunal de Apelaciones le otorgó aproximadamente 2,4 millones de dólares. Frito-Lay apeló, alegando que no habían imitado deliberadamente la voz distintiva de Waits.


El caso llegó hasta la Corte Suprema, donde los jueces votaron a favor de Waits y le permitieron retener el dinero. Fue una victoria temprana, algo inesperada, para artistas independientes contra imitadores no autorizados. Solo Bette Midler había ganado una demanda similar, obteniendo 400.000 dólares por un spot de 1986 de Ford que usaba un imitador.


Fuente:
https://www.rollingstone.com/music/music-news/week-in-rock-history-ozzy-osbourne-bites-the-head-off-a-bleedin-bat-114854/
https://blankonblank.org/2015/11/hey-thats-my-song-you-are-using/

miércoles, 13 de febrero de 2019

Defender el muro de Trump bajo el símbolo con el que Pink Floyd los destruía

febrero 13, 2019 0
Resulta descabellado contemplar que simpatiza con las políticas anti-inmigración de Trump, cuando Joy Villa es descendiente de padre argentino y de madre de ascendencia africana


Esta anécdota estrambótica, ponzoñosa y aberrante fue protagonizada por la cantante norteamericana Joy Villa, en su llegada a la gala de los Premios Grammy 2019. Que no quede lugar a dudas, el propósito de la misma era la provocación y el escándalo.
La cantante acudió a los premios con una vestimenta de lo más llamativa, fiel al estilo del que se sirve y que suele lucir con frecuencia. Ataviada con harapos de un disfraz, Joy Villa encarnaba la estatua de la Libertad con una diadema de pinchos y hombreras de concertinas. El resto lo brindaba con el eslogan "Make America Great Again" de su bolso, y lo colmaba un vestido decorado como la legendaria portada del álbum estrella de Pink Floyd, con el mensaje "BUILD THE WALL".

La burla ha dado de pleno en la diana si con ello buscaba la crispación. La cantante es abiertamente defensora del presidente Trump y de sus políticas antinmigratorias. Resulta descabellado contemplar esto ya que, aunque posea legítima libertad de elegir sus ideas, Joy Villa es descendiente de padre argentino y de madre de ascendencia africana. No puedo calcular hasta qué punto ella estira la carencia de empatía por la entrada de inmigrantes en un país, cuya historia y cultura radica titánicamente en su riqueza racial e inmigratoria. Es cuanto menos llamativo ser descendiente de ancestros que emigraron al país donde ahora ella, con la madurez de sus 32 años, defiende el cierre de las fronteras. Este búnker ya está ocupado pensará, digo yo.

El atino con el que Joy Villa fue a escoger el temático The Wall, me hace pensar que algo escuece a la cantante sobre los miembros que forman la banda. Si The Wall fue en 1979 un álbum concepto, cuyos entresijos tuvieron que ver más con los muros como alegoría de un aislamiento traumático y personal que como una muralla levantada por estrategia bélica, la fuerza que arrastró este disco adquirió un nivel de simbolismo mundial. Con Roger Waters a la cabeza del ideario de The Wall, el músico brindó un concierto histórico en Berlín tras la caída del muro en 1990. Además de esto, el bajista no ha ocultado en toda su trayectoria sus posiciones ante conflictos en todo el mundo, ni sus convicciones políticas lejos de la equidistancia ("Trump is a pig", es el lema que luce su espectáculo de luces en su última gira).


Sin el esmero de querer adivinar el motivo real, puede que sea algo aproximado a esto, el hecho de que Joy Villa no haya elegido al azar escribir Build The Wall en su traje de ladrillos, sino para provocar a quienes atacan a su presidente.

El tweet con el que la cantante expresaba "No me importa lo que piense nadie. Apoyo 100% al muro y a nuestro Presidente", argumentaba el clásico mensaje xenófobo que busca la culpa y la causa de los males en el individuo ajeno. Tan pésimo como pobre, el mensaje se difunde como un mantra no solo en EEUU sino en el mundo entero.


No hay mucho más que comentar de esta anécdota, en la que no entraría a destripar a una artista con el pretexto de que fuera de ideologías opuestas a la mía. Pero sí veo cierta farsa en ver que, a estos artistas cuyas carreras lucen más por sus anécdotas de vestuario que por su trayectoria musical, no les queda más que eso ante el vacío con el que llenan de nada la vocación de la que dicen ser.




miércoles, 9 de enero de 2019

Dios se jubila

enero 09, 2019 0

Cierto es, que el titular es un alarde de idolatrismo, pero en ocasiones es placentero permitirse el deleite de encumbrar hasta el olimpo a personas cuya obra, que admiras con pasión platónica, te han llevado a lugares donde puedes palparle el pulso al universo. No me cabe duda de que Ennio Morricone, en mi pequeña ida de olla personal, es lo más parecido a Dios.

El compositor romano, que cuenta ya con 90 años, la mayor parte de su existencia entregado a la música, ha decidido dar fin a su trabajo. No todos los días encontramos a morricones cometiendo la salvajada de componer 500 bandas sonoras con el brillo de ser calificadas como excelentes cada una de ellas.


Dicen de él, que es alérgico a la fama. Y por tanto también a la prensa. Por ello no le fue nada agradable el bulo emitido por la revista Playboy, que puso en su boca palabras tergiversadas falsamente contra Quentin Tarantino, el último director con el que ha trabajado y por cuya película ha recibido su último Oscar. La revista tuvo que retractarse.

Portada de su autobiografía que se publicará en Mayo.
Admirado y reconocido por directores de peso como Sergio Leone, Giuseppe Tornatore, John Carpenter, Brian De Palma, Barry Levinson, Oliver Stone, Warren Beatty, Terrence Malick o Roland Joffé, el esplendor de su emblemática obra musical casa perfectamente con su manera introvertida y ensimismada de componer. “Cada vez que compongo siento una gran responsabilidad, porque quiero probar algo completamente original y que a la vez sea entendido”, explicaba en una entrevista a El País hace unos años. “Esa es mi firma, mi meta, mi principal deseo”, añadía.

Nunca se mudó a Hollywood, nunca tuvo un piano en su estudio. Siempre prefirió la tranquilidad de su individualidad, y disfrutar de la paz personal y familiar, de la que gozaba mucha más allá de las películas para las que componía. 


viernes, 21 de diciembre de 2018

Rosendo se despide:"Me duele tener que parar, pero nos hacemos viejos"

diciembre 21, 2018 0

Rosendo encumbró anoche su carrera en los escenarios con un concierto de despedida en Madrid. "He recibido mucho cariño y me duele tener que parar, pero nos hacemos viejos", confesó ante más de 15.000 personas, tras ofrecer en el WiZink Center 100 minutos de eso que él venía a definir (en parte desde la modestia) como variaciones de "tres acordes" lanzadas con "mala leche y punto", plenas de conciencia de clase.

Rosendo (Madrid, 1954) se va así "ni quemado ni desvanecido, en lo más alto", según el comunicado de su despedida, como referente del rock urbano y de la música española tras 45 años de profesión en los que militó en Ñu y Leño y, tras la disolución de esta banda en 1983, con una carrera en solitario que llega al reciente De escalde y trinchera (2017) y que arrancó con Loco por incordiar (1985).


Especialmente importante fue este álbum en el repertorio de la noche, unas dos docenas de canciones que intentaron recorrer lo mejor de su carrera, obviando de manera flagrante sus discos de los años 90, de La tortuga (1992) a A tientas y barrancas (1998). En total fueron 16 los discos de estudio firmados por Rosendo, que no concedió entrevistas tras el anuncio de su retirada, aunque previamente venía anticipándola. Entre otras cosas, decía que le había encontrado el sentido a "cortar el césped", que se veía "fuera de lugar" y que cada vez le resultaban más pesadas la vida pública y la carretera.

De hecho, se volvían más habituales sus retiros al pueblo burgalés del que es originaria su mujer, donde escribió su último álbum, en huida del Madrid del que tanto ha "contado y cantado" y que no hace mucho lo distinguió con la Medalla de Oro de la ciudad. Parecía lógico que la despedida definitiva hubiese sido aquí, pero en una decisión no compartida por parte de su público, al carabanchelero aún le quedan dos noches consecutivas de guitarrazos en Barcelona a partir de este sábado.

Maneras de vivir 

Con todo, los numerosos incondicionales que ya en verano disfrutaron de su directo en el festival Cultura Inquieta de Getafe (Madrid) volvieron a responder a su última llamada en la capital para agotar, hace dos meses y medio, todo el aforo del popularmente conocido como Palacio de Deportes de la Comunidad de Madrid, en el que no recalaba desde 2015.

Archivo de RTVE

Veinte minutos más tarde de lo estipulado, tras el previo de su hijo, Rodrigo Mercado, lo vivido esta noche fue una celebración, una eucaristía de esta parroquia de fieles que han reivindicado más que a su mesías, a su vecino, para regodearse todos juntos entre saltos de guitarra e himnos colectivos de resistencia, como la inicial Aguanta el tipo, a 100 por hora desde el primer minuto.

"¡Estamos con vosotros, colegas!", exclamó al público la melena plateada más famosa del rock español (con el permiso de Robe Iniesta), justo después de remachar los sonoros versos de Muela la muela: "¡Viva la revolución!".


En ese ritmo raudo se sucedieron las sacudidas de realidad hechas palabra, los El ganador, Deja que les diga que no o Cúrame de espanto, antes de frenar ligeramente hacia una pauta más densa con No son gigantes o sumergirse entre las cuerdas de su Fender en el desfiladero de Mala vida, una de las más coreadas ("Mala vida, mala gente, poco más / y si cruzas el puente la das").

La denuncia política de Vergüenza torera dio pase a la seminal El tren de Leño ("una canción que hice de chaval", señaló), poniendo al respetable a saltar y dejando todo listo para uno de los clímax de la velada, Flojos de pantalón, una canción "más" que, según cuenta, el público hizo importante.

Con la misma fuerza desde el escenario que de la pista resonó este catártico tema en las paredes del Palacio ("Son la musa que inspira la ambición, sueño de libertad / Noches al pie del cañón, fuerza de voluntad"), en el inicio de la traca final con Masculino singular, Pan de higo y Navegando.

"Madrid, han sido muchos años, pero todo se acaba. No me gusta hablar y no me gustan las despedidas, volveremos a vernos, aunque sea en la otra vida", prometió, antes de enfilar el final con los imprescindibles Agradecido, Loco por incordiar, Maneras de vivir y Qué desilusión.

Para la esperanza, o para el enfado, según cómo se plantee uno el propósito (comercial o no) de esta gira, el artista dejó una puerta abierta en su comunicado: "Rosendo se toma un respiro en un camino que no conoce el punto y aparte y queda en puntos suspensivos".

Fuente:
 https://www.20minutos.es/noticia/3522120/0/rosendo-concierto-despedida-madrid/#xtor=AD-15&xts=467263

jueves, 29 de noviembre de 2018

Spotify impulsa a Palestina en su plataforma

noviembre 29, 2018 0


Los músicos palestinos incrementaron rápidamente su presencia en Spotify, que lanzó el servicio de streaming en Oriente Medio y en el norte de África la semana pasada. "El centro árabe provee una plataforma única que reúne el espectro completo de cultura y creatividad árabe, pasado y presente", dijo Suhel Nafar, un músico de la ciudad israelí de Lod que trabaja como editor de música y cultura del servicio de streaming musical.

Spotify es la primera compañía importante de streaming en lanzar un programa específico para los territorios palestinos, lo que les permite a los artistas locales alcanzar nuevas audiencias globales pese a los desafíos que afrontan. "Como artistas palestinos, nos enfrentamos a muchas restricciones. Algunos no podemos viajar para tocar en otro país", dijo Bashar Murad, un cantante palestino que reside en Jerusalén Oriental, una zona tomada por Israel, junto con Cisjordania, en la guerra de 1967.



Murad contó que Spotify está ayudando a que su música sea escuchada. "Tras el lanzamiento, mis seguidores mensuales (en Spotify) se incrementaron de 30 a casi 6.500", dijo. 

Sin una red 3G 

Sin embargo, la falta de servicios de telefonía de alta velocidad en Cisjordania y la Franja de Gaza limitará el uso de la aplicación. "Tendré que estar en casa o en un café o en un lugar donde haya buena conexión a internet para poder subir mis canciones a Spotify", dijo Mohammed Al-Susi, un artista de rap de Gaza que se registró en la aplicación la semana pasada. 

Los territorios palestinos son el único mercado árabe incluido en el lanzamiento regional de Spotify que carece de infraestructura de banda ancha 4G, aunque algunos consumidores utilizan redes más rápidas en la vecina Israel. Cisjordania lanzó un servicio de 3G a finales de 2017, pero Gaza solo tiene 2G. 

Cuando Gaza tenga 3G "será algo maravilloso. Mejor que poner mis temas en Facebook y tener que ver los comentarios de la gente. Es un sitio exclusivamente para música", dijo Susi. Spotify ha estado disponible de forma no oficial en Cisjordania y Gaza durante varios años a través de cuentas registradas en Israel u otros mercados y a la que se accedía mediante una red privada virtual, o VPN. Spotify fue lanzado en marzo en Israel. 

Aún así, tener un servicio musical y social específico para los territorios palestinos es "algo significativo", dijo Murad. "A pesar de las restricciones, podemos unirnos en las redes sociales", agregó.


jueves, 15 de noviembre de 2018

Expedientan al Mad Cool por no dejar pasar bebida ni comida, pero...

noviembre 15, 2018 0

El Ayuntamiento de Madrid ha abierto dos expedientes sancionadores contra la promotora Live Nation por no dejar pasar comida ni bebida en dos festivales celebrados en la capital, el Mad Cool y el Download, aunque no sancionará a la empresa por no tener ésta su sede social en la capital.

Según han detallado a Efe fuentes del área de Salud, Seguridad y Emergencias, el Ayuntamiento "considera abusiva la prohibición de entrada con comida o bebidas adquiridas en el exterior a cualquier espectáculo en cuyo local o recinto el promotor venda comida o bebida y no constituye a dicha prestación el principal motivo de la actividad comercial de la empresa". 

Es decir, según este criterio, se puede entrar en un cine o en un concierto con comida o bebida pero no en un restaurante. 

Por este motivo y a raíz de una denuncia de Facua sobre el Mad Cool, el Ayuntamiento de Madrid ha expedientado a la promotora Live Nation, aunque al no poder sancionarla directamente por no tener sede social en la capital traslada el expediente de inspección a la Comunidad de Madrid y con una propuesta de sanción, en concreto de "ejercicio de potestad sancionadora". 

En un comunicado, Facua explica que ha denunciado a la promotora del Mad Cool en dos ocasiones, pues esta prohibición ya se dio en 2017, y el Instituto Municipal de Consumo incoó un expediente sancionador al corroborar que en esta edición se mantenía la prohibición, contraviniendo así la Ley de Protección a los Consumidores.

Contenido íntegro de 20minutos compartido bajo licencia CC:
Fuente: https://www.20minutos.es/noticia/3491444/0/madrid-expedienta-mad-cool/#xtor=AD-15&xts=467263

martes, 30 de octubre de 2018

Massive Attack celebran 20 años de 'Mezzanine' con una gira, y pisarán España

octubre 30, 2018 0

Se cumplen 20 años de la publicación del aclamado álbum de la banda británica de Massive Attack, y han decidido celebrarlo a lo grande y de la mejor manera que puede plantearse cualquier banda del mundo, con una gira, en este caso europea.

“Mezzanine XXI”, que es como se llamará el tour, servirá a los de Bristol para rendir tributo a piezas como ‘Angel’ o ‘Teardrop’ en un total de 16 pabellones europeos diferentes.

Sin embargo, la espina clavada en los miles de fans que en España se quedaron sin su actuación en la pasada edición del Mad Cool Festival, no parece que vaya a recibir consuelo. El dúo no pisará suelo español, algo que podían esperar todos los seguidores que aún tiene la esperanza de poderlos ver en vivo. 


MASSIVE ATTACK, sí visitará España en la gira (ACTUALIZACIÓN 31-10-2018)

Finalmente la banda británica han incluido Madrid y Barcelona como ciudades donde actuarán en la gira "Mezzanine XXI", según han informado varios medios, como MondoSonoro. Todo un goce saber que aquellos seguidores tendrán la oportunidad de verlos en directo en nuestro país.


Enlace al evento

viernes, 26 de octubre de 2018

Beastie Boys recogen sus memorias en un libro salvaje

octubre 26, 2018 0
Seis años después de perder a su mejor amigo y compañero de banda por el cáncer, Mike D y Ad-Rock están listos para contar la historia de su vida en la música


Beastie Boys Book son las memorias muy poco ortodoxas de la trayectoria del grupo, en que sus dos miembros, Adam Horovitz y Michael Diamond, han pasado los últimos cuatro años escribiendo juntos. Dentro de sus 571 páginas se encuentran docenas de episodios de sus vidas contadas en primera persona, con fotos antiguas, dibujos, recetas y testimonios de amigos como Amy Poehler, Colson Whitehead y Luc Sante. El libro evoca a los Beastie en su versión más surrealista e hilarante: vea la hora en que se encontraron con Bob Dylan en una fiesta de cumpleaños para Dolly Parton en el invierno del '88 (Horovitz afirma que Dylan intentó reclutarlos en un "concierto para no fumadores"). Al mismo tiempo, rinden un tributo a su mejor amigo y compañero de banda, Adam Yauch, quien murió de cáncer en 2012, llevando la historia del grupo a un final trágico y temprano.

El libro recoge datos de toda una década o más. La idea de hacer el libro surgió cuando Horovitz vio una copia de Got the Life, la autobiografía de 2009 del bajista de Korn Reginald "Fieldy" Arvizu, en una librería.

En 2014, dos años después de perder a Adam Yauch, ambos afligidos, se reunieron en el apartamento donde vivía Diamond, en ese momento en Carroll Gardens, Brooklyn, y pasaron un par de días recordando historias. Y fue ahí donde comenzaron a reunir con una larga lista de recuerdos, sobre los que repartieron y escribieron capítulos firmados individualmente.

La pérdida de Yauch está muy presente en Beastie Boys Book, podría decirse que fue el personaje más carismático de todos: el bromista del snowboard, el buscador espiritual y la figura de un hermano mayor que empujó a los demás a nuevas alturas una y otra vez. "La banda no se separó", escribe Horovitz en un capítulo desgarrador sobre la grabación de Hot Sauce Committee Part Two de 2011 . "No fuimos por caminos creativos individuales. Ningún proyecto en solitario jodió las cosas para no enemistarnos. Este fue nuestro último álbum porque Adam contrajo cáncer y murió. Si eso no hubiera sucedido, probablemente estaríamos haciendo un nuevo disco mientras lees esto. Lamentablemente, no resultó así... Demasiado triste para escribirlo".



lunes, 22 de octubre de 2018

25 años del 'Vs' de Pearl Jam y 10 cosas que nos sabías sobre el álbum

octubre 22, 2018 0

Cuando Vs. fue lanzado el 19 de octubre de 1993, estableció el récord al vender más de 950.000 copias en sus primeros cinco días, superando a todas las demás entradas en el Billboard Top 10 combinado de esa semana, no fue una gran sorpresa para nadie que haya estado siguiendo el rápido ascenso de Pearl Jam. Mucho más notable fue que la banda no implosionara completamente bajo presión durante la grabación del álbum.

Profundamente incómodos con las exigencias del estrellato, pero también acusados de ser unos "vendidos" por muchos fanáticos y críticos del mundo de la música alternativa (especialmente en la escena de Seattle que los engendró), Pearl Jam se vio atrapado en un clásico maldito seas lo hagas o no, antes de que incluso hubieran grabado una nota de su segundo LP.

Aunque las sesiones de grabación no fueron fáciles (abundaban los conflictos de personalidad y Vedder estaba particularmente descontento con el estudio que había sido elegido para el proyecto), Pearl Jam salió victorioso con Vs., un álbum que aún se mantiene como uno de los discos más fuertes de su larga y famosa carrera. Más flojo, más pesado y más enojado que su debut, Vs. encontró a la banda explorando nuevos sonidos y dinámicas, lo que dio como resultado aspectos destacados de carácter acústico como "Daughter" y "Elderly Woman Behind the Counter In A Small Town", y la sensación más extraña con canciones como "Rats" y "Animal". "

Se cumplen 25 años del álbum Vs. y aquí hay 10 cosas que quizás no sepas sobre el álbum.

1. La banda jugaba al beisbol todos los días antes de grabar.

Durante las sesiones de grabación de Vs. en el Site, un estudio residencial en el condado de Marin en el norte de California, O'Brien y la banda se relajaban cada día de grabación jugando al beisbol. "Nos animó a reunirnos todas las mañanas", dijo O'Brien a Cameron Crowe en una entrevista para el documental de Pearl Jam Twenty . "Fue como, 'OK, mañana, 9:30, charla en la cocina, y luego vamos a jugar al beisbol'. Lo hicimos durante bastante tiempo. Fue una manera de divertirnos".

2. La banda grabó cada canción del álbum a la vez.

Si bien era típico que los artistas de rock de los años noventa grabaran sus álbumes en fases, al finalizar las pistas de ritmo de todas las canciones antes de colgarse los instrumentos la banda mantuvo la intensidad intacta terminando cada canción antes de pasar a la siguiente.

"Mi trabajo consistía en intentar que todos se sintieran lo más creativos posible", recordó a Crowe. "La idea era asentarnos en el estudio, trabajar las canciones y grabar cada una al mismo tiempo para que, de esa manera, no nos adelantáramos demasiado".


3. Eddie Vedder a menudo se preparaba para grabar las voces del álbum durmiendo en su camión.

Con el fin de sumergirse en sus letras, Vedder salía a veces del estudio y conducía por las cercanías de San Francisco, donde pasaba varias noches en su camioneta antes de regresar a las sesiones renovado e inspirado. "No creo que nadie sospechara que Eddie no se encontraría muy bien en el Site", dijo O'Brien a Crowe. "No le gustaba que Gossard apareciera en bata y zapatillas para hacer rock. Entonces llegó un punto en que había canciones para las que no tenía letra, y me dijo que tenía que desaparecer, y desaparecer por un tiempo". El muchacho necesita escaparse.

4. "Go" surgió alrededor de una hoguera.

Si bien la permanencia de Abbruzzese en Pearl Jam duró poco tiempo (la banda lo despediría en agosto de 1994, debido a una variedad de conflictos musicales y personales), el baterista hizo algunas contribuciones cruciales, incluida la semilla del tema "Go".
Una noche, mientras los compañeros de la banda se encontraban alrededor de una fogata en que Abbruzzese había comenzado a tocar un riff en una guitarra acústica, y el resto del grupo inmediatamente se aferró a ella. "Se me ocurrió coger la guitarra en el momento adecuado", le dijo a Modern Drummer. "Stone me preguntó qué estaba tocando y comencé a tocar, luego Jeff lo miró y Eddie comenzó a cantar con él y se convirtió en una canción".

5. "Glorified G" se inspiró en las armas de Dave Abbruzzese.

Como alguien que disfrutaba mucho de los chanchullos del estrellato del rock, Abbruzzese siempre estaba en una página marcadamente diferente a Vedder. Pero el abismo entre el baterista y el cantante se amplió aún más durante las primeras grabaciones de Vs. cuando Ament mencionó a Vedder que Abbruzzese había adquirido recientemente un arma.



“¿Te compraste una pistola ?” gritó Vedder , obviamente consternado. "De hecho, compré dos", soltó el baterista, antes de dar marcha atrás ligeramente con la afirmación de que "era pistolas de perdigones glorificados". La explicación no logró tranquilizar a Vedder, quien rápidamente escribió las líneas burlonas que finalmente sería la letra de la canción.

6. "WMA" se inspiró en el acoso policial.

En las notas de Vs, la página de la letra de "WMA" incluía un recorte de una noticia sobre Malice Green, un hombre afroamericano que murió tras una lucha con la policía de Detroit en noviembre de 1992. Pero según Vedder, la canción fue inspirada por un incidente de acoso policial que presenció de primera mano.

"Creo que probablemente me quedé en el estudio de ensayo la noche anterior y habían pasado un par de días [...] Estoy sentado allí con este tipo que es de un color más oscuro que yo, y de lejos vienen estos policías, corren con sus bicicletas tratando de parecer guays. Así que aquí vienen, se dirigen directamente hacia nosotros. Y simplemente me ignoraron y comenzaron a acosarlo. [...] Les llamé la atención... y una cosa llevó a la otra... Tuve toda esta puta energía corriendo a través de mí. Estaba loco. Realmente jodido y enojado. Regresé al estudio, fui directo e hice las voces, y esa fue la canción".

7. "Better Man" fue descartada del álbum porque sonaba como un éxito.

La mayoría de las bandas nunca pensarían en rechazar una canción por tener demasiado potencial de éxito, pero Pearl Jam sí. Picados por las críticas de "venderse" con su primer disco, y ya sintiéndose atrapados en la burbuja de la fama, se mostraron extremadamente recelosos sobre la grabación de cualquier cosa que sonara obviamente comercial. Entonces, cuando O'Brien, al escucharlos tocar "Better Man" durante un ensayo elogió que sonaba como un éxito, su entusiasmo por la canción realmente se empañó.

Aunque O'Brien finalmente pudo convencer a la banda para que grabara la canción, nadie estuvo contento con el resultado. Vedder pensó incluso darle a Chrissie Hynde la canción para un álbum de caridad de Greenpeace, hasta que O'Brien y el resto de la banda protestaron. Una versión grabada de la canción finalmente aparecería en el Vitalogy de 1994.

8. Se suponía que el álbum se llamaría Five Against One .

"Uno, dos, tres, cuatro, cinco contra uno", cantó Vedder en "Animal", una Vs. canción que ha sido interpretada de diversas maneras como sobre todo, desde la persecución de los medios hasta la violación en grupo. Independientemente del significado de la canción, la idea de "cinco contra uno" surgió de Gossard, quien lo sugirió como un posible título para el nuevo álbum.


"Para mí, ese título representó una gran cantidad de dificultades por las que pasas al intentar hacer un disco", le dijo a Rolling Stone , justo cuando Pearl Jam estaba dando los toques finales al LP. “Tu propia independencia, tu propia alma, frente a la de todos los demás. En esta banda, y creo que en el rock en general, el arte del compromiso es casi tan importante como el arte de la expresión individual. Puede que tengas cinco grandes artistas en la banda, pero si no pueden comprometerse y trabajar juntos, no tienes una gran banda. Podría significar algo completamente diferente a Eddie. Pero cuando escuché esa letra, tenía mucho sentido para mí ".

Por razones que aún no están claras hasta el día de hoy, el título del álbum se cambió en el último momento a las Vs más oblicuas (aunque aún sonadas de controversia). El nuevo título se presentó tan tarde en el juego que los primeros grabados de casete se lanzaron con el título Cinco en contra de uno impreso en los recintos de la cinta.


9. Las ovejas en la portada simbolizaban cómo se sentía la banda en ese momento.

Después del retrato de la banda en la portada de Ten , Pearl Jam cambió de dirección con el diseño de Vs., que mostraba a una oveja tratando de asomar la cara a través de una cerca de alambre. A pesar de que algunos fanáticos de Pearl Jam han interpretado la combinación de la imagen y el título del álbum como una declaración sobre el rechazo de la banda a los seguidores, Ament siempre ha insistido en que la imagen era en realidad un reflejo del estado mental del grupo durante la creación del álbum.

“La foto de la oveja en la portada de Vs. era de un granjero de Hamilton, Montana", dijo Ament a Spin en 2001".


10. El álbum tuvo seis singles pero la banda se negó a hacer videoclips para cualquiera de ellos.

Al igual que Prince, Pearl Jam se sintió contrariada e incomprendida por su compañía discográfica. Epic Records, su sello, pidió que las voces de Vedder fueran más altas en la mezcla de Vs. - una petición que la banda rechazó rápidamente - y quería que hicieran un video para "Go". También se negarían a hacer videos para "Daughter", "Animal", "Elderly Woman Behind the Counter In A Small Town", "Disident" y "Glorified G", todos los cuales se publicarán como singles. De hecho, Pearl Jam no haría otro video hasta el 2006 con "Life Wasted".

Según Ament, la postura anti-video del grupo surgió de un encuentro con el líder del American Music Club, Mark Eitzel, quien le dijo que amaba a "Jeremy", pero que el video de la canción arruinó la visión que tenía del tema. "Dentro de diez años, no quiero que la gente recuerde nuestras canciones como videos", comentó Ament a Rolling Stone en 1993.

Si bien no todos en Pearl Jam estaban contentos con el edicto de “no videos”, la decisión de alejarse del mundo de MTV finalmente resultó ser saludable. "Cuando nos retiramos, yo estaba un poco decepcionado, quería seguir haciéndo videoclips, tuvimos esta oportunidad, vamos a aprovecharla, ¿ok? No lo echemos a perder. Por suerte, resultó que no lo arruinamos, porque todavía estamos por ahí. Y tal vez habíamos alejado a algunos seguidores a lo largo de los años, por lo que me siento mal. Pero nos hizo sobrevivir como banda ".


jueves, 18 de octubre de 2018

El rock del futuro está en las mujeres

octubre 18, 2018 0
Un estudio de Fender asegura que las mujeres son ya la mitad del mercado de guitarras en Estados Unidos y Reino Unido
La guitarrista Nita Strauss en plena descarga eléctrica
Un nuevo estudio publicado el martes pasado por el fabricante de guitarras Fender muestra que las mujeres representan el 50% de guitarristas principiantes y aspiracionales. Debido a esto la marca de instrumentos está ajustando su enfoque de marketing.

Fender trabajó con la consultora Egg Strategy para realizar una encuesta representativa de guitarristas en EE. UU y Reino Unido, agregando datos británicos a una encuesta similar que realizó en América del Norte hace tres años con resultados muy similares. Las mujeres crecieron constantemente como la mitad de los clientes, aunque la compañía no publicó un desglose de los datos de género por edad u otros datos demográficos. Esos hallazgos iniciales llevaron a la compañía a buscar relaciones con artistas femeninas, destacar a más mujeres en campañas de marketing y reconsiderar su estrategia de marketing en torno a una nueva audiencia masiva que previamente había estado ignorando . Promovió una nueva línea de guitarras centrada en el milenio en 2016 con las bandas lideradas por mujeres Warpaint y Bully, por ejemplo.


"El hecho de que el 50% de los nuevos compradores de guitarras en el Reino Unido fueran mujeres fue una sorpresa para el equipo del Reino Unido, pero es idéntico a lo que está sucediendo en los EE.UU.", dijo el CEO de Fender, Andy Mooney, a la revista Rolling Stone. "También se creía que las personas a las que se refiere como el 'factor de Taylor Swift' podrían hacer que el 50% sea a corto plazo y erróneo. De hecho, no lo es. Taylor se ha movido, creo que toca menos la guitarra en el escenario que en el pasado. Pero las mujeres jóvenes todavía están manejando el 50% de las ventas de nuevas guitarras. Así que el fenómeno parece que tuviera piernas y esté recorriendo en todo el mundo".

Samantha Fish rodando el mastil

El estudio de Fender también encontró que el 72% de los guitarristas cogen una guitarra por primera vez para desarrollar alguna habilidad o mejorar, el 61% también simplemente quiere aprender a tocar canciones por sí mismos o con amigos cercanos y familiares, en lugar de tratar de triunfar. Y el 42% dice que ven la guitarra como parte de su identidad.

Hay que tener en cuenta que todo esto es a pesar de que la música rock se desliza fuera de las listas principales, cediendo el trono a nuevos géneros como el hip-hop, lo que sugiere que la persistencia de la guitarra tiene tanto que ver con su valor para los individuos como una herramienta educativa y social como con su presencia escénica. Fender ahora está tratando de atraer a esos entusiastas tranquilos. "La llegada del punk abrió una apertura para tocar el instrumento", dice Mooney. “Se trataba de menos virtuosismo y más de divertirse y expresarse. Creo que eso se aplica tanto a bandas como a personas que solo querían recoger el instrumento y dominarlo hasta su propio nivel de comodidad".



martes, 16 de octubre de 2018

10 cosas que no sabías del 'Electric Ladyland' de Jimi Hendrix

octubre 16, 2018 0

En honor al 50 aniversario del álbum, aquí hay 10 cosas que quizás no sepas acerca de Electric Ladyland.

1. La madre de Whitney Houston hizo las voces de acompañamiento en "Burning of the Midnight Lamp".

Las sesiones del tema "Burning of the Midnight" marcaron la primera vez que Hendrix trabajó con el ingeniero Gary Kellgren. Cuando Hendrix y el productor Chas Chandler decidieron que la canción necesitaba voces femeninas de apoyo, la esposa de Kellgren, Marta, contrató a Sweet Inspirations, un cuarteto vocal muy solicitado dirigido por Emily "Cissy" Houston, cuya hija pequeña, Whitney (de solo tres años entonces), se convertiría en una cantante de enorme éxito por derecho propio. Aunque la música psicodélica de Hendrix parecía un poco inusual para Houston y sus compañeros, que ya habían hecho sesiones para gente como Aretha Franklin, Wilson Pickett, Solomon Burke y Van Morrison, estaban más que preparados para el desafío.

2. Hendrix toco con un kazoo casero en "Crosstown Traffic".

Aunque a Hendrix le encantaba experimentar con las posibilidades sonoras de los nuevos equipos como wah-wah, tampoco temía ir a la ruta de bricolaje cuando la ocasión lo requería. En "All Along the Watchtower,", usó un encendedor de cigarrillos como slide de guitarra, y para lograr el efecto de zumbido correcto en "Crosstown Traffic", dobló la línea de guitarra soplando a través de un kazoo construido con un peine y celofán.

"Estaba haciendo 'Crosstown Traffic', y parecía que no podía captar el sonido que intentaba expresar", explicó Velvert Turner, amigo y confidente de Hendrix. "Jimi dijo: '¿Tienes un peine, tio? Dame un peine. Que alguien me traiga celofán'. Si tomas un peine y pones celofán a través de él y lo soplas, da un sonido de kazoo.

3. Brian Jones intentó (y falló) tocar el piano en "All Along the Watchtower".

Hendrix a menudo alentaba a otros músicos a unirse a sus sesiones de grabación, y Electric Ladyland contó con varios colaboradores invitados. Pero cuando un determinado miembro de los Rolling Stones se presentó en Olympic Studios durante la grabación de "All Along the Watchtower", sus entusiastas intentos de agregar un piano a la pista fueron frustrados rápidamente por su nivel de embriaguez.

"Nada menos que Brian Jones de los Rolling Stones tropezó con la sesión, decidió ayudar y tocar el piano", recordó Eddie Kramer. "Creo que lo intentó con valentía por un par de tomas, pero fue abandonado, y volvieron a cortar la pista básica sin él". Sin querer herir los sentimientos de su amigo, Hendrix llevó a Jones a la percusión; el ruido que marca la introducción de la canción es el sonido de Jones golpeando un vibraslap.



4. Bob Dylan pensó que la versión de Hendrix de "Watchtower" era una mejor que su propia canción.

Si bien Hendrix realizó varias versiones de Dylan antes de su muerte en 1970, incluyendo "Like a Rolling Stone", "Can You Please Crawl Out Your Window?" y "Drifter's Escape", su revisión magistral de "All Along the Watchtower" fue su último tributo al cantautor. El mismo Dylan ha elogiado la versión de Electric Ladyland en varias ocasiones, incluso incorporando el arreglo de Hendrix de la canción en sus actuaciones en vivo. "Realmente me abrumó", dijo a Fort Lauderdale Sun Sentinel en 1995, cuando le preguntaron sobre la versión de Hendrix sobre la canción. “Tenía tal talento, podía encontrar cosas dentro de una canción y desarrollarlas vigorosamente. Encontró cosas que otras personas no pensarían encontrar allí. Probablemente lo mejoró por los espacios que estaba usando. Tomé licencia con la canción de su versión, en realidad, y sigo haciéndolo hasta el día de hoy".

5. La jam "Voodoo Chile" fue el intento de Hendrix de recrear la atmósfera de su club favorito en Nueva York.

"Me gustan las jams en un lugar pequeño como un club", dijo Hendrix al periodista John Burks en febrero de 1970. "Entonces tienes otra sensación. Te sales de otra manera con todas esas personas allí. Tienes otro sentimiento y lo mezclas con otra cosa que obtienes. No son los focos, solo la gente".

Durante la creación de Electric Ladyland, el lugar favorito de Jimi en la ciudad de Nueva York para las jams de madrugada fue Scene, un popular club nocturno ubicado en un sótano en West 46th Street. The Scene era un imán para los músicos de gira, y no era raro que Hendrix pasara unas horas atascando en Scene con quienquiera que estuviera allí, y luego regresara a Record Plant para alguna grabación nocturna. En la noche del 2 de mayo de 1968, después de encontrarse con Steve Winwood y Jack Casady en la escena (ambas bandas estaban en la ciudad para conciertos en el Fillmore East), los llevó de vuelta al estudio y le ordenó a Eddie Kramer que configurara los micrófonos para una sesión improvisada al estilo de Scene con Mitch Mitchell en la batería.

6. "Voodoo Child (Slight Return)" se grabó sin previo aviso mientras la banda era filmaba para un documental televisivo.

Un día después de que se grabara "Voodoo Chile", Hendrix regresó al estudio con Noel Redding y Mitch Mitchell para ser filmado para un posible documental de ABC-TV. Aunque se suponía que los músicos solo pretendían que estaban grabando, Hendrix aprovechó el momento para enseñar una nueva canción a sus compañeros de banda, y tres tomas más tarde, con las cintas rodando, nació "Voodoo Child (Slight Return)".

"Aprendimos esa canción en el estudio", dijo Redding al autor John McDermott. "Tenían las cámaras rodando mientras nosotros tocábamos". "Haz que parezca que estás grabando chicos. ", Dijo Hendrix a John Burks. “Una de esas escenas, ya sabes, así que 'OK, vamos a reproducir esto en E; ahora un uno y un dos y un tres, "y luego entramos en 'Voodoo Child'. "Aunque la grabación del estudio nunca fue utilizada por ABC, y desde entonces se ha perdido tristemente," Voodoo Child (Slight Return) "sigue siendo una de las pistas más pesadas y potentes jamás grabadas por Hendrix.

7. El perfeccionismo en el estudio de Hendrix hizo que su manager / productor renunciara durante la creación del álbum.

Si bien "Voodoo Chile" y "Voodoo Child (Devolución leve)" se registraron en tres tomas cada una, tal espontaneidad fue escasa durante la creación de Electric Ladyland, para gran disgusto de Chas Chandler, el gerente y productor de Hendrix. Chandler, que prefería el método de "hacer clic y dejarlo" para hacer registros, se sentía cada vez más frustrado con las tendencias perfeccionistas de Hendrix, como lo demuestran las cuatro docenas de tomas que necesitaba para el llamativo "Gypsy Eyes" y el ambiente festivo que dominó muchas de las sesiones de Record Plant.

"Iría allí [a la Planta de Grabación] y esperaría a Jimi", dijo Chandler al autor John McDermott, "y aparecería con ocho o nueve personas. Cuando finalmente comenzó a grabar, Jimi estaría tocando para el beneficio de sus invitados, no de las máquinas ... Estaríamos revisando un número una y otra vez y diría durante la respuesta: "Eso fue todo". Lo conseguimos.' Él decía: 'No, no, no' y grababa otro y otro y otro. Finalmente, simplemente levanté mis manos y me fui.


8. El sello de Hendrix en el Reino Unido no le informó que estaban poniendo mujeres desnudas en la portada del álbum.

Además de ser un perfeccionista musical, Hendrix tenía ideas visuales muy específicas para Electric Ladyland. La fotógrafa Linda Eastman, que se casaría con Paul McCartney el año siguiente, había tomado una foto de la Experiencia Jimi Hendrix con algunos niños en la escultura Alicia en el País de las Maravillas de José de Creeft, en el Central Park de Nueva York, y Hendrix pensó que sería perfecta para el portada del álbum. "Por favor, use la imagen en color con nosotros y los niños en la estatua para la portada o contraportada - CUBIERTA EXTERIOR", le ordenó a Reprise Records, su etiqueta de EE. Por el motivo que sea, Reprise optó por usar una foto solarizada de Karl Ferris de la actuación de Hendrix en 1967 en el Teatro Saville de Londres, mientras que Track Records, el sello del Reino Unido de Hendrix, adoptó una actitud más provocativa y controvertida al usar una foto de David Montgomery de 19 mujeres desnudas.


Según un artículo de noticias del 7 de diciembre de 1968 en Rolling Stone , el lanzamiento del álbum "encontró resistencia y censura en muchas tiendas de discos y en las provincias periféricas de las Islas Británicas", mientras que los mayoristas de Londres solo vendían el disco con desnudos. Oscureciendo la envoltura marrón. Hendrix, por su parte, afirmó que no se le había informado sobre los planes de Track Records para la portada del álbum.


"No sabía nada sobre la portada inglesa", le dijo a Melody Maker en noviembre de 1968. "Aún así, ya me conoces, lo hice de todos modos". Excepto que creo que es triste la forma en que el fotógrafo hizo que las chicas se vieran feas. Algunas de ellos son chicas bonitas, pero el fotógrafo distorsionó la fotografía con una lente de ojo de pez o algo así. Qué cruel. Hizo que las chicas se vieran mal. Pero no es mi culpa ”.

9. Hendrix no estaba contento con la forma en que sonaba el álbum terminado.

Mientras Hendrix pasaba largas horas en el estudio grabando Electric Ladyland, acumulando una factura de $ 60,000 en Record Plant y $ 10,000 en Olympic (o lo que sería más de medio millón de dólares en 2018) con su trabajo las 24 horas, desafortunadamente no tenía tal lujo a la hora de la mezcla final. Presionado por Reprise para obtener un producto terminado, se vio obligado a mezclar el disco mientras estaba de gira con la banda.

"Es muy difícil concentrarse en ambos", lamentó a la revista Hullabaloo , poco después del lanzamiento del álbum.“Así que parte de la mezcla salió fangosa, no exactamente fangosa pero con demasiado bajo. Lo mezclamos, lo producimos y todo ese desastre, pero cuando llegó el momento de que lo presionaran, naturalmente lo arruinaron, porque no sabían lo que queríamos. Se está utilizando un sonido 3D que ni siquiera puedes apreciar porque no sabían cómo cortarlo correctamente. Pensaron que estaba fuera de fase ".

10. Rolling Stone le dio al álbum una revisión mixta luego de su lanzamiento.

Electric Ladyland no se parecía a nada más cuando se lanzó en octubre de 1968, por lo que no es del todo sorprendente que muchos críticos contemporáneos no hayan podido captar sus cabezas y oídos en torno a sus 75 minutos de pura maravilla. Tony Glover - escribiendo sobre el álbum para el número del 9 de noviembre de 1968 de Rolling Stone - le dio a Electric Ladyland una crítica decididamente mixta, una que elogió las excursiones de blues más directas del álbum (así como "All Along the Watchtower"), pero "no estaba seguro de sus momentos más pesados, y lamentó específicamente la forma en que la guitarra de Hendrix trastornó" el hermoso estado de ánimo submarino "de" 1983. ""Mi primera reacción fue, ¿por qué tuvo que hacer eso? ", escribió Glover. "Entonces pensé que él creó una cosa hermosa, pero perdió la fe en ella, y así la destruyó antes de que alguien más pudiera, de varias maneras, un rollo".


martes, 9 de octubre de 2018

Seattle inaugura un monumento a la figura de Chris Cornell

octubre 09, 2018 0


Una multitud se reunió en un brumoso domingo para honrar al fallecido pionero del grunge Chris Cornell. El Museo de Cultura Pop de Seattle descubrió una estatua de bronce a escala real del fallecido cantante de Soundgarden, que fue encargada por su viuda, Vicky Cornell. Junto sus hijos Lily, Toni y Christopher, asistieron antiguos compañeros de Cornell, Kim Thayil, Matt Cameron y Ben Shepherd.

"Es un reflejo de su luz, una luz que brilló a través de su música y tocó a millones", comentó Vicky Cornell durante la ceremonia. “Una luz que usó para iluminar nuestras vidas, y una luz que continuará inspirando a aquellos en el futuro. Esta estatua representa esa luz: una presencia hermosa, poderosa e incomparable en una ciudad natal digna de alguien tan especial como Chris ".


Los ex-miembros de la banda comentaron que "fue mucho para asimilar" ver a los fanáticos de Soundgarden reunidos allí un año y medio después de que Cornell fuera encontrado muerto en una habitación de un hotel horas después de un Soundgarden concierto.

"Hubo muchos momentos [con Chris] que impactaron en mi desarrollo como músico y más tarde, como amigos", dijo Cameron. "Recuerdo mucho cuando me uní a la banda en el '86. La banda aún estaba formando un sonido, pero no tardó mucho en llegar. Como un chico que ha tocado en bandas siempre, es muy difícil conseguir eso tan pronto en una banda, por lo que todavía es importante para mí ".


Shepherd, quien se unió a la banda en 1990 después de la salida de Jason Everman, agregó: "Una cosa sobre Chris, hablando específicamente sobre él, [era] que tenía el espíritu de" ir por ella "todo el tiempo. Solo házlo. Empuje, averigüe a dónde podemos ir. Y los tres de esos tíos para mí cuando me uní, me tiraron al fuego, ya estaban rodando. Y todos son tan aventureros y tan fuertes que hicieron que fuera algo totalmente natural ver a dónde podemos ir. ... Se trataba de seguir adelante. Qué viene. Adelante. Vamos a averiguarlo ".


La falta de ego de Cornell, añadieron, ayudó al grupo a permanecer juntos a través de numerosas giras, lo que no siempre fue así para sus compañeros. ("Ustedes fueron una de las primeras bandas fuera de esta ciudad que en realidad hicieron una gira, después regresaron y se permanecieron como una banda, y siguieron haciéndolo", le dijo Shepherd a Cameron. "Soundgarden estuvo concentrado desde el primer día. Eran estables y preparados para salir".

"Creo que Chris siempre nos alentó a traer material y contribuir de manera creativa", dijo Cameron.“No tenía el tipo de ego frágil que requería alimentarlo en todo momento. Quería ser alimentado como artista, no como una estrella ".



miércoles, 3 de octubre de 2018

Dave Grohl subasta los instrumentos de su álbum 'Play' en beneficio de jóvenes talentos

octubre 03, 2018 0
Las ganancias del equipo firmado y subastado por el frontman de Foo Fighters irán a programas de música para jóvenes

Dave Grohl está subastando los instrumentos que usó para hacer su nuevo proyecto en solitario, Play. La web Reverb será la sede de la subasta, que comienza el 9 de octubre y finaliza el 21 del mismo mes.
Los lotes incluirán nuevos instrumentos y equipos donados por Fender, Gibson, DW Drums, Gretsch, Ludwig, Masters of Maple y Zildjian. Grohl autografió cada pieza, mientras que las ganancias de la subasta beneficiarán a organizaciones que ayudan a las nuevas generaciones de músicos.

"Ver a mis propios hijos comenzar a tocar y tomar clases me lleva de vuelta a la época en que yo tenía su edad, aprendiendo de mis errores", dijo Grohl. “Incluso ahora, con 49 años, todavía estoy tratando de resolverlo. No es algo que alguna vez realmente domines. Siempre estás persiguiendo el próximo desafío, y siempre estás tratando de encontrar una manera de mejorar lo que has aprendido. Es una obsesión de por vida, pero al final del día, al igual que cualquier niño, la recompensa es simplemente tocar".


Grohl lanzó Play en agosto de este año. El proyecto comprende un documental en dos partes que culmina con una actuación, una nueva canción en solitario de 23 minutos con siete instrumentos diferentes. El proyecto se lanzó a los servicios de transmisión, mientras que el 28 de septiembre se lanzó una versión digital y en vinilo de Play.


Play marca el primer proyecto de Grohl como solista. El último álbum de los Foo Fighters , Concrete and Gold, llegó en 2017, mientras que también está listo para tocar el próximo disco de Tenacious D, Post Apocalypto.

lunes, 11 de junio de 2018

Roger Waters reivindica la causa palestina en la final de Roland Garrós

junio 11, 2018 0

Roger Waters lució ayer en la final de Roland Garros una bufanda palestina. Su solidaridad con la causa es inconmensurable. Sería bueno que vieran esta foto los artistas que pregonan los Derechos Humanos por estos lados, pero van corriendo a cantar a Israel privilegiando otros intereses.

El músico junto con la actriz Lea Seydoux, presentaron la Copa de los Mosqueteros que se lleva el ganador del grand slam parisino.






jueves, 7 de junio de 2018

Ghost, la novedad más interesante del Hard Rock en 'Prequelle'

junio 07, 2018 0

Fragmento de la portada de Prequelle
En las décadas transcurridas desde que Limp Bizkit, Papa Roach y sus secuaces se pudrieran en la radio del hard-rock, ha habido algunos grupos aventureros que han logrado abrirse paso campo a través.  El más reciente y sorprendente grupo de rock ha sido Ghost, un colectivo mórbidamente teatral de rockeros suecos que usan disfraces horripilantes y tocan sus instrumentos como si el nu-metal nunca hubiera sucedido.

El último álbum de Ghost, Prequelle, tiene más en común musicalmente con bandas de melenas como Mötley Crüe, rockeros ácidaos como Iron Butterfly e incluso Andrew Lloyd Webber que cualquier otra cosa. Y sin embargo, el primer sencillo del disco, "Rats", ha salido quijotescamente de la misma banda de Rock Airplay que esos grupos.

Ghost ganó un Grammy por su último álbum e incluso recientemente cerró conciertos en Nueva York y Los Ángeles, otra hazaña que parece imposible en su papel, considerando que el cantante y mentor del grupo, Tobias Forge, se viste de títere eclesiástico muerto (anteriormente un papa , esta vez usando el alias "Cardinal Copia") y sus compañeros de banda son anónimos "ghouls sin nombre" que usan máscaras.

Tobias Forge, el culpable de toda esta movida
Sería demasiado fácil suponer que el atractivo de la banda radica únicamente en su misterio, pero serían más como un destello en la sartén si se tratara solo de la imagen. Los fantasmas están llenando grandes conciertos porque han encontrado el centro del diagrama de Venn entre la dureza del metal, la autocomplacencia artística y la musicalidad pop. Cuando comenzaron con Opus Eponymous de 2010, surgieron como una versión más suave de los afamados Metallica y Mercyful Fate, pero a medida que adoptaron lentamente la psicodelia y el arte de la canción de los años sesenta en Infestissumam 2013 y Meliora 2015, se toparon con una firme sonido nostálgico, fresco y único. En Prequelle, están explorando qué pueden hacer con él.

Independientemente de sus ambiciones, Ghost tendrá que conformarse con ser la novedad más interesante del hard rock, al menos por el momento, una banda con un cierto grado de intelectualismo en una arena que no siempre es para ese tipo de cosas.

A pesar de ser elegido el tema "Rats" como primer sencillo, les recomiendo escuchar "See The Light" encarecidamente, donde reside la esencia de la banda en este álbum. 




“El rock andaluz surge de los artistas, mientras que la movida madrileña fue un invento del poder político”

junio 07, 2018 0

Así podría resumir el periodista Ignacio Díaz Pérez su último libro publicado, Historia del Rock Andaluz, a raíz de la entrevista que Raúl Solís le hizo recientemente para el diario La Voz del Sur.

El libro es una crónica sobre una etapa musical transformó a una generación. La música en España no volvió a ser la misma tras la irrupción de aquellos melenudos mal vistos por una dictadura que vivía su agonía en el fragor de una naciente democracia. 


Editado por la editorial Almuzara en colaboración con el Centro de Estudios Andaluces, relata cómo surgieron aquellos grupos, entonces inclasificables y que han pasado a la historia con la limitada etiqueta de rock andaluz pese a que se trataba de una verdadera amalgama de sonidos.

"Yo creo que el arte y el poder tienen caminos diferentes, pero a veces el poder usa el arte. Y es lo que pasó, el poder diseñó la movida. La movida es un producto de laboratorio."


En este ensayo el autor ha dado la palabra a los protagonistas de un tipo de música surgido en los primeros años 70, fruto de la fusión del rock progresivo que ya se hacía en Gran Bretaña y Estados Unidos, y que comenzaba entonces a oírse en España, con la cultura más tradicional de este país. Esa música, nacida sin etiquetas, se bautizó poco tiempo después con el nombre de «rock andaluz».

La entrevista puede leerse en este enlace.

lunes, 4 de junio de 2018

El día que RATM quemó una bandera tras ser acusados de anti-americanismo

junio 04, 2018 0

Woodstock '99 fue un desastre vergonzoso. Los promotores llevaron a 200.000 jóvenes fanáticos del rock a una antigua base de la Fuerza Aérea en Roma, Nueva York, pero no les proporcionaron suficientes baños y agua gratis. Se llevó a cabo en un fin de semana caluroso y abrasador a finales de julio con temperaturas superiores a 37 grados, y había poca sombra. El agua embotellada costaba 4 dólares. Algún tipo de erupción violenta fue prácticamente inevitable.


Este fue el apogeo del movimiento "nu metal", y Limp Bizkit, Kid Rock , Korn y Rage Against the Machine estuvieron en la lista junto con Insane Clown Posse, Creed, DMX y muchas otras estrellas del cartel ese día. Las únicas actuaciones que regresaron del festival original de 1969 fueron las del bajista John Entwistle y el baterista Grateful Dead Mickey Hart.


Rage Against the Machine actuó casi al final de la segunda noche, entre Limp Bizkit y Metallica. Fred Durst fue culpado de azotar a la multitud en un frenesí violento. "La gente se lastima", dijo. "No dejes que nadie salga lastimado. Pero no creo que deberías calmarte. Eso es lo que Alanis Morissette tuvo que haceros. Si alguien se cae, recógelos. Ya hemos dejado salir la energía negativa. Ahora queremos dejar salir la positiva".

No hubo una gran cantidad de actuaciones en Woodstock '99, pero Rage Against the Machine ofreció un set increíble. La banda había sido invitada al festival, tras haber recibido acusaciones de "anti-americanismo e ideología anticapitalista". La respuesta fue quemar una bandera estadounidense mientras tocaban "Killing in the Name". No fue el último incendio del fin de semana.

El guitarrista de Rage, Tom Morello, defendió el festival en la entrevista de 2000 con Addicted to Noise. "Creo que los ataques sexuales que ocurrieron fueron horribles e inexcusables", dijo. "Pero, en general, pensé que la cobertura de los medios era tremendamente injusta y que criticaba a los jóvenes e intentó vilipendiar a toda una generación por culpa de un par de idiotas que estaban allí".



Morello tiene una opinión muy diferente sobre el asunto en estos días. "Para mí, Woodstock '99 fue el punto bajo del nu metal", dice en la nueva historia oral heavy metal Louder Than Hell . "Las violaciones en el pozo, la destrucción de los sitios. Parecía que destilaba los peores elementos del metal, la sodomía misógina, y el mensaje no se anunció como 'Esto es algo horrible'. Era más como, 'Esta es nuestra nueva generación de Woodstock - [un] grupo de idiotas' ".


martes, 29 de mayo de 2018

El maravilloso regalo de Julio Anguita a una conocida banda inglesa

mayo 29, 2018 0

En 1985, Julio Anguita ejercía como alcalde de Córdoba, le llamaban el califa rojo, y estaba a punto de convertirse en Secretario General del Partido Comunista de España. Por otro lado, Vini Reilly, un muchacho de Mánchester (Reino Unido) que comandaba The Durruti Column ( líder de una banda que toma el nombre de la Columna Durruti, el cuerpo de milicias ácratas montado en la Guerra Civil española), un grupo que también proponía una forma de acercamiento a la música basada en la verdad de la emoción.

Por aquel entonces, los ayuntamientos de Córdoba y Manchester estaban hermanados, una práctica habitual de este y muchos más consistorios como gesto de fraternidad entre pueblos por algún tipo de afinidad histórico y política, lo que da lugar a un intercambio de culturas y expansión mercantil.




Un comitiva municipal cordobesa viajó a la ciudad inglesa para darse a conocer, entre los que se encontraban Anguita, el guitarrista José Antonio Rodríguez y el cantaor El Pele. La programación de actuaciones estaba a la orden del día, y el califa llevaba como regalo una guitarra fabricada con esmero por el prestigioso luthier Juan Montero.


En el documental Una guitarra para Durutti (Evaristo Vinuesa, 2008), se amplia esta curiosa historia. Al músico le encantó la guitarra y la utilizó en el disco The Guitar and Other Machines (1988). Cómo comenta Álvaro Tarik, miembro de la delegación que viajó a Manchester, "pensé en Vinie porque Durruti Column era un grupo inusual que se salía mucho de lo que entonces estábamos escuchando, que normalmente eran grupos de pop donde los músicos no hacían alarde de virtuosismo. Sin embargo ellos sí se entregaban a desarrollos musicales muy curiosos, prácticamente instrumentales, y Vini era un músico entregado casi de manera religiosa al sonido de la guitarra. Pensamos que era el músico más indicado y que mejor provecho podría sacar de una guitarra flamenca".


The Durruti Column llego a tocar en 1983 para La edad de oro, el programa de TVE, uno de los pocos referentes de la televisión en España donde se hacía una óptima apuesta por la música en vivo y con público retransmitida en pantalla. 





lunes, 28 de mayo de 2018

La portada de Iron Maiden de hace 38 años que hoy en España sería motivo de querella

mayo 28, 2018 0


En mayo de 1980, la tapa del single “Sanctuary” de la banda británica Iron Maiden (un temazo del primer disco, en la voz de Paul Di’Anno) mostraba a un Eddie callejero, victorioso por sobre el cuerpo de Thatcher. La imagen intenta demostrar que eso le pasaría a quienes arranquen los posters de la banda en la vía pública. Fue censurada en el Reino Unido por una sugestiva portada en la cual su mascota (el camaleón Eddie), apuñalaba a la, por entonces, premier británica.


Esto no fue bien visto por parte de “The Iron Lady” y por la industria de la música (hay versiones que indican que la Primera Ministro nada tuvo que ver) por lo que la portada fue censurada en Gran Bretaña, no en el resto de Europa. Muchos le atribuyen el nombre de la agrupación a la figura de la difunta mandataria, pero lo cierto es que Steve Harris (además de ser uno de los mejores bajistas del mundo es un gran cinéfilo) escogió Iron Maiden, en referencia a “La Doncella de Hierro”, un elemento de tortura medieval incluido en la película “The Man in the Iron Mask”, de 1939.


Una portada de este calibre hoy día en España no solo sería censurada, sino que sería motivo de querella por la fiscalía del Estado. Y no solo por la dureza de la imagen equivalente a la dureza que pudiera tener la letra de una canción, sino porque esa ley mordaza que impera en España parece tener un carácter retroactivo aunque la obra fuera publicada hace treinta años sin que haya habido problemas hasta hoy, como ha ocurrido recientemente con el excantante de La Polla Records, Evaristo.





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