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lunes, 1 de marzo de 2021

¿Por qué los animadores japoneses se ven obligados a vivir en la pobreza?

marzo 01, 2021 0
Miles de ilustradores de nivel inferior realizan un trabajo agotador a destajo por tan solo $200 al mes

En este artículo revelador en The New York Times, hacían recientemente esta pregunta: si la industria del anime japonesa está en auge, ¿por qué tantos de sus animadores solo ganan tan solo $200 al mes?

Miles de ilustradores de nivel inferior realizan un trabajo agotador a destajo por tan solo $200 al mes. En lugar de recompensarlos, el crecimiento explosivo de la industria solo ha ampliado la brecha entre las ganancias que ayudan a generar y sus miserables salarios, lo que hace que muchos se pregunten si pueden permitirse seguir viviendo de su oficio.

"Quiero trabajar en la industria del anime por el resto de mi vida", dijo Akutsu, de 29 años, durante una entrevista telefónica. Pero mientras se prepara para formar una familia, siente una intensa presión financiera para irse. "Sé que es imposible casarse y criar un hijo".

Los bajos salarios y las pésimas condiciones de trabajo (la hospitalización por exceso de trabajo puede ser una insignia de honor en Japón) han confundido las leyes habituales del mundo empresarial. Normalmente, el aumento de la demanda, al menos en teoría, estimularía la competencia por el talento, elevando el salario de los trabajadores existentes y atrayendo a nuevos.

El negocio va tan bien que casi todos los estudios de animación en Japón están reservados con años de anticipación. Netflix dijo que la cantidad de hogares que vieron anime en su plataforma en 2020 aumentó a la mitad con respecto al año anterior.

Pero muchos estudios han sido excluidos de la bonanza por un sistema de producción anticuado que dirige casi todas las ganancias de la industria a los llamados comités de producción.

Estos comités son coaliciones ad hoc de fabricantes de juguetes, editoriales de cómics y otras empresas que se crean para financiar cada proyecto. Por lo general, pagan a los estudios de animación una tarifa fija y se reservan regalías para ellos mismos.

Si bien el sistema protege a los estudios del riesgo de un fracaso, también los excluye de las ganancias inesperadas creadas por los éxitos.


Lea el resto aquí.
Fuente: Boingboing
Photo: Pixabay | El distrito de Akihabara de Tokio, un centro de la cultura del anime |  


martes, 24 de noviembre de 2020

Disney deja de pagar al autor de novelizaciones de sus mayores éxitos

noviembre 24, 2020 0


Cuando Disney adquirió LucasFilm en 2012 y 20th Century Fox en 2019, también adquirió una tonelada de contenidos. Ese contenido tuvo que haber sido creado en algún momento, un proceso que generalmente involucra a personas y contratos.

Pero aparentemente Disney se ha olvidado de cumplir esos contratos, al menos en el caso de Alan Dean Foster . Foster es el autor de novelizaciones de películas tan exitosas como Star Wars y su secuela, Splinter of the Mind's Eye, así como Alien, Aliens y Alien 3. Y Disney no le ha pagado ninguna de las regalías obtenidas por esos libros. regalías que se le adeudan contractualmente, desde que adquirieron LucasFilm y Fox, respectivamente.

Como escribió Foster en una carta, publicada por la Asociación de Escritores de Ciencia Ficción la semana pasada:

Todos estos libros están todavía impresos. Todavía ganan dinero. Para ti. Cuando una empresa compra a otra, adquiere tanto sus pasivos como sus activos. Ciertamente está cosechando los beneficios de los activos. Me gustaría mucho compartir mi minúscula (aunque no es pequeña para mí).


La presidenta de SFWA, Mary Robinette Kowal, resumió en defensa de Disney, que ellos (en sus palabras) insisten en que compraron los derechos de todo ese contenido, pero no las obligaciones del contrato.

Esto es, para decirlo a la ligera, una mierda.

Foster ha intentado conciliar este problema de falta de pago en privado. Incluso antes de que le diagnosticaran cáncer a su esposa, y él se sentó a horcajadas sobre las facturas médicas con las que debería poder pagar con el dinero que se le debe. En cierto momento, Disney accedió a reunirse con él y sus abogados, pero solo si aceptaban firmar un acuerdo de no divulgación antes incluso de tener la reunión inicial sobre el hecho de que Disney posee el contrato que legalmente los obliga a pagar dinero a Foster. Ésta es una táctica de negociación bastante salvaje y beligerante. Si bien no es raro vincular las cosas con un NDA cuando se finaliza una negociación, evitando que la parte contraria siquiera hable sobre una negociación que aún no ha comenzado es realmente innecesario (y prácticamente inaudito) armado fuerte.

Desde que Foster se negó a firmar la NDA, Disney ha dejado de responder a sus abogados. Es por eso que Foster lo escaló a SFWA. Como explicó Cory Doctorow en su propio boletín:


Foster llevó su caso al comité de quejas de SFWA, un grupo que ha
trabajado en mi nombre en el pasado, obteniendo una tarifa de una
editorial multinacional que encargó y aceptó una historia mía, pero luego
ofreció un contrato odioso e inaceptable que se negaron a enmendar. 

Por lo general, el trabajo de griefcom ocurre en segundo plano: un miembro de SFWA va a griefcom, griefcom va al editor, el editor decide. Esta es la primera vez en más de una década que SFWA ha hecho pública una queja. 


Si Disney se sale con la suya, sentará un precedente bastante aterrador: cualquier editor podrá firmar un contrato con un creador de contenido, luego vender ese contrato a otra compañía (que incluso puede ser parte de la misma propiedad del conglomerado más grande), y luego, ambas compañías quedan libres de la obligación de respetar ese contrato, incluso si continúan beneficiándose del contenido. 



Fuente: BoingBoing.net

miércoles, 18 de noviembre de 2020

La magnífica edad temprana de las portadas de libros

noviembre 18, 2020 0


Cuando los libros comenzaron a venderse realmente de forma masiva en el siglo XIX, las portadas de asumieron repentinamente una nueva función: vender el libro diferenciándolo de otros que abarrotan este extraño nuevo mercado.

Los editores contaron con la ayuda de las nuevas tecnologías de creación de libros de la época que permitió imprimir las portadas, lo que produjo una oleada de innovación en los procesos de color y textura.


El resultado: los diseñadores gráficos se pusieron manos a la obra, produciendo algunas de las portadas de libros más hermosas que jamás hayamos visto. La Public Domain Review eligió 32 de sus favoritas del período entre 1820 a 1914, y son impresionantes.

Así describen:

Inspirado por las crecientes tasas de alfabetización y el avance de las tecnologías, el siglo XIX vio de un objeto mayormente hecho a mano transformarse en un producto producido en masa. En este nuevo entorno, la portada del libro adquirió una importancia adicional: ya no era simplemente una protección funcional para las páginas, sino que se convirtió en una plataforma clave a través de la cual comunicar y vender el libro. Antes de esto, las cubiertas tenían, salvo algunas creaciones únicas altamente personalizadas (por ejemplo, cubiertas bordadas para bibliotecas personales), en su mayoría asuntos encuadernados simplemente en cuero. A partir de la década de 1820, con el auge de la encuadernación mecánica, estas antiguas cubiertas de cuero dieron paso a nuevas cubiertas de tela que, además de ser económicas, también se podían imprimir. Se empleó una amplia variedad de técnicas de impresión de cubiertas a lo largo de las décadas: desde el relieve hasta el dorado y la litografía multicolor. Se abrió un espacio artístico totalmente nuevo. Como puede ver en nuestros aspectos más destacados a continuación, fue uno en el que florecieron ilustradores y diseñadores, produciendo una gama de portadas tan eclécticas en enfoque estético como la miríada de contenidos que presentaban.


Puede verlos todos en el sitio web de Public Domain Review, pero aquí están algunos de mis favoritos, aunque fue difícil elegir entre este ramo de belleza...









Fuente: 
https://boingboing.net/2020/11/17/the-magnificent-early-age-of-book-covers.html

viernes, 13 de noviembre de 2020

El niño invisible

noviembre 13, 2020 0


Con la mirada cerrada, su figura se perdía en la abstracción del paisaje urbano. Una suerte de trampantojo que hacía a aquel niño ser invisible para el resto de las almas del asfalto, en mitad del bullicio de los zapatos y los neumáticos. Sus harapos destrozados eran su uniforme de trabajo, especialmente pintado para camuflarse casi de forma innecesaria. Es una hipérbole, una forma de evidenciar la indiferencia, el ninguneo hacia la miseria. La pobreza normalizada es extendida hasta el grado en que, de hacer invisibles a sus sujetos no ofrece apenas ningún cambio. 


La imagen de aquel niño oriental mimetizado sobre unas escaleras se volvió viral hace cerca de una década. Una imagen pixelada viaja en redes de muro en muro, acompañada de una mención a una obra de arte realizada por algún "artista callejero". 



Se trata realmente de una fotografía recortada que ha ido quedándose con solo la parte más artística de las escena, y que en su ir y venir también fue mutando la verdad de esa fotografía, aunque no su mensaje. 
En 2008, la agencia Ogilivy & Mather Advertising Shangai recibió el encargo de Unicef para realizar una campaña que visibilizara a los niños desfavorecidos en China. Para ello, la agencia contó con la colaboración del artista chino Liu Bolin, cuya obra se desarrolla principalmente en la mimetización humana en el paisaje público.  

La fotografía completa del niño que se mimetiza en unas escaleras de la vía pública, contempla una escena más amplia, en la que un cartel acompaña al menor con el mensaje "No me ignores. En China hay más de 1,5 millones de niños desfavorecidos"

La campaña constaba de algunas escenas más además de la principal de este artículo. Otro chico con su rostro tapado con una gorra se apoya sentado contra una valla, mientras que otra niña se volvía invisible en una parada de autobuses.




A pesar del mensaje que acompaña a la imagen difundida en redes, lo cierto es que no se trata de una obra hecha por un artista callejero, como afirma la imagen compartida en redes. La obra del artista Liu Bolin, que cuenta ya con una extensa trayectoria internacional, no se desarrolla en acciones pictóricas sobre muros, edificios, vallas, etc., es decir, sus obras no son intervenciones sobre soporte público y/o urbano, no son pegatinas, ni graffitis, ni pinturas murales. Que no quepan dudas por si acaso, no se trata en ningún caso de la pintura de un niño sobre el suelo de unas escaleras. Es un niño real en su papel de actor, sentado en unas escaleras y al que han maquillado con pintura plasmando un efecto óptico en su cuerpo. 


La obra de Bolin se basa en la disciplina artística de la fotografía. El trabajo pictórico previo a sus fotografías, consiste en pintar sus ropas y la totalidad de su cuerpo de tal manera que el trampantojo ante la lente, haga que se mimetice con el fondo cuando la fotografía sea disparada. A menudo, el artista elige paisaje urbanos, aunque también lugares cerrados en otras ocasiones. Además, no es solo que la disciplina artística de Bolin se enmarque en la fotografía, sino que en un momento dado tendría más relación con el body art (su propio cuerpo es el lienzo) que con el street art



Fuentes:

http://tonguti.blogspot.com/2010_11_29_archive.html

https://glypho.it/2011/04/gli-invisibili-dellunicef/

https://es.wikipedia.org/wiki/Liu_Bolin

http://www.adeevee.com/2007/10/unicef-childrens-charity-appeal-invisible-child-outdoor/

https://www.adeevee.com/2008/07/unicef-charity-invisible-child-promo/

https://www.adeevee.com/aimages/200807/03/unicef-charity-invisible-child-promo-25286-adeevee.jpg


jueves, 24 de septiembre de 2020

Fallece Ron Cobb, diseñador de un mítico universo de ciencia ficción en la gran pantalla

septiembre 24, 2020 0

Ha muerto Ron Cobb (83 años), el diseñador de producción de un buen puñado de la iconografía del cine de ciencia ficción, a causa del síndrome degenerativo conocido como demencia con cuerpos de Lewy.
Creador encomiable de joyas del universo del celuloide como la nave Nostromo de Alien o el DeLorean de Regreso al futuro, Cobb creó elementos e ideas clave en la historia de películas legendarias. 

La nave nodriza de Encuentros en la tercera fase, el logo de Omega Sector y las bombas "h" de Mentiras arriesgadas, también los cascos y los tanques de oxígeno de Abyss, así como las naves de El último guerrero estelar.




Raúl Rubio, fundador del estudio de desarrollo Tequila Works, recopilaba algunos de los grandes logros de Cobb en este completo hilo de Twitter que os recomendamos que leáis para saber más.



No podemos mostrar mucho más aquí, ya que su trabajo se encuentra celosamente protegido por derechos, pero basta con que pasen por su  propia página personal, donde contaba cómo los equipos con los que trabajaba cogían sus ideas y las convertían en realidad. Pueden repasar su trayectoria y conocer mejor cómo se crearon algunos de los entornos más memorables de la historia del cine.


Diseñó también el escenario para la película Conan El Bárbaro y fue el director de arte del video para la canción "Rough Boy" de los ZZ Top. 



viernes, 15 de mayo de 2020

Los carteles de cultura pop CONSUME de Hal Hefner

mayo 15, 2020 0

Incluso si no has visto la película, las distintivas imágenes de propaganda que aparecen en "They Live" de John Carpenter se encuentran entre las más reconocibles en el horror. La serie CONSUME toma a los seres queridos más merecedores de la Cultura Pop y los transforma en su verdadero ser, señores extraterrestres que desencadenan diversas formas de propaganda diseñadas para mantener a la raza humana tonta, distraída e incuestionable. CONSUME es una versión satírica de la sociedad moderna con una parodia inspiradora de la icónica película de terror.


La serie es una creación del artista Hal Hefner. Hal es un artista y narrador de historias que utiliza arte, diseño, escritura y estrategia galardonados para crear experiencias. Actualmente trabaja para la compañía de Ridley Scott, 3AM, creando contenido para películas como "The Martian" como estratega creativo. Mientras que con Fourth Wall Studios, Hal ayudó a crear una plataforma de series web impulsada por la tecnología llamada Rides.tv que produjo la serie ganadora del premio Emmy Dirty Work. Mientras estaba con Ignition, Hal participó en la creación de experiencias digitales para muchos estudios, incluidos Fox, Paramount, Netflix y el canal SyFy, así como marcas como Nike, NFL y Playstation.

Echa un vistazo a algunas de nuestras versiones favoritas sobre el tema CONSUME de Hal a continuación, o descubre más en el sitio web oficial de CONSUME.




























lunes, 8 de julio de 2019

Los brillantes posters de la gira europea de Eddie Vedder

julio 08, 2019 0

2019 brindó a Europa la oportunidad de ver la gira que el talentoso Eddie Vedder iba a ofrecernos, anunciada a través de una cartelería maravillosa, llevada a cabo por encargo a un grupo de artistas e ilustradores que hemos recopilado. Procedentes de diversas partes del planeta, y repitiendo encargo algunos respecto al giras anteriores, los artistas nos han ofrecido un deleite de originalidad, color y estilo onírico a través de sus trabajos, que Vedder ha dispuesto como merchandising en aquellas ciudades donde ha actuado.

Varios de estos artistas, son ilustradores con una brillante trayectoria, en cuyos portafolios pueden verse otros trabajos y carteles para bandas importantes como Pixies, Metallica, Iron Maiden, etc; así como referencias de grandes obras del mundo del celuloide y el universo literario.
   

Dan Mumford


https://www.dan-mumford.com/
https://www.instagram.com/danmumforddraws/


Travis Price


https://www.travisprice.com.au/
https://www.instagram.com/travispriceillustration/


Justin Erickson


http://www.justin-erickson.com/
https://www.instagram.com/justinericksonart/


Ian William


https://www.ianwilliamsdesign.com/
https://www.instagram.com/ianwilliamsart/


Paiheme Studio


https://www.behance.net/paiheme_
https://www.instagram.com/paiheme/


Jim Mazza


http://www.mazzaart.com/
https://www.instagram.com/mazza_art/


Luke Martin


https://www.suburbanavengerart.com/
https://www.instagram.com/suburban_avenger/


Krzysztof Domaradzki


https://studiokxx.com/
https://www.instagram.com/krzysztof_domaradzki/


Van Orton


https://www.vanortondesign.com/
https://www.instagram.com/vanortondesign/


Paul Jackson


https://pauljacksonlives.com/
https://www.instagram.com/pauljacksonlives/


Steve Thomas
https://www.stevethomasart.com/
https://www.instagram.com/stevethomasart/


Brad Klausen

https://artillerydesign.com/main.php
https://www.instagram.com/bradklausen/


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