Se cumplen 20 años de la publicación del aclamado álbum de la banda británica de Massive Attack, y han decidido celebrarlo a lo grande y de la mejor manera que puede plantearse cualquier banda del mundo, con una gira, en este caso europea.

“Mezzanine XXI”, que es como se llamará el tour, servirá a los de Bristol para rendir tributo a piezas como ‘Angel’ o ‘Teardrop’ en un total de 16 pabellones europeos diferentes.

Beastie Boys Book son las memorias muy poco ortodoxas de la trayectoria del grupo, en que sus dos miembros, Adam Horovitz y Michael Diamond, han pasado los últimos cuatro años escribiendo juntos. Dentro de sus 571 páginas se encuentran docenas de episodios de sus vidas contadas en primera persona, con fotos antiguas, dibujos, recetas y testimonios de amigos como Amy Poehler, Colson Whitehead y Luc Sante. El libro evoca a los Beastie en su versión más surrealista e hilarante: vea la hora en que se encontraron con Bob Dylan en una fiesta de cumpleaños para Dolly Parton en el invierno del '88 (Horovitz afirma que Dylan intentó reclutarlos en un "concierto para no fumadores"). Al mismo tiempo, rinden un tributo a su mejor amigo y compañero de banda, Adam Yauch, quien murió de cáncer en 2012, llevando la historia del grupo a un final trágico y temprano.

El libro recoge datos de toda una década o más. La idea de hacer el libro surgió cuando Horovitz vio una copia de Got the Life, la autobiografía de 2009 del bajista de Korn Reginald "Fieldy" Arvizu, en una librería.

En 2014, dos años después de perder a Adam Yauch, ambos afligidos, se reunieron en el apartamento donde vivía Diamond, en ese momento en Carroll Gardens, Brooklyn, y pasaron un par de días recordando historias. Y fue ahí donde comenzaron a reunir con una larga lista de recuerdos, sobre los que repartieron y escribieron capítulos firmados individualmente.

La pérdida de Yauch está muy presente en Beastie Boys Book, podría decirse que fue el personaje más carismático de todos: el bromista del snowboard, el buscador espiritual y la figura de un hermano mayor que empujó a los demás a nuevas alturas una y otra vez. "La banda no se separó", escribe Horovitz en un capítulo desgarrador sobre la grabación de Hot Sauce Committee Part Two de 2011 . "No fuimos por caminos creativos individuales. Ningún proyecto en solitario jodió las cosas para no enemistarnos. Este fue nuestro último álbum porque Adam contrajo cáncer y murió. Si eso no hubiera sucedido, probablemente estaríamos haciendo un nuevo disco mientras lees esto. Lamentablemente, no resultó así... Demasiado triste para escribirlo".

Cuando Vs. fue lanzado el 19 de octubre de 1993, estableció el récord al vender más de 950.000 copias en sus primeros cinco días, superando a todas las demás entradas en el Billboard Top 10 combinado de esa semana, no fue una gran sorpresa para nadie que haya estado siguiendo el rápido ascenso de Pearl Jam. Mucho más notable fue que la banda no implosionara completamente bajo presión durante la grabación del álbum.

Profundamente incómodos con las exigencias del estrellato, pero también acusados de ser unos "vendidos" por muchos fanáticos y críticos del mundo de la música alternativa (especialmente en la escena de Seattle que los engendró), Pearl Jam se vio atrapado en un clásico maldito seas lo hagas o no, antes de que incluso hubieran grabado una nota de su segundo LP.

Aunque las sesiones de grabación no fueron fáciles (abundaban los conflictos de personalidad y Vedder estaba particularmente descontento con el estudio que había sido elegido para el proyecto), Pearl Jam salió victorioso con Vs., un álbum que aún se mantiene como uno de los discos más fuertes de su larga y famosa carrera. Más flojo, más pesado y más enojado que su debut, Vs. encontró a la banda explorando nuevos sonidos y dinámicas, lo que dio como resultado aspectos destacados de carácter acústico como "Daughter" y "Elderly Woman Behind the Counter In A Small Town", y la sensación más extraña con canciones como "Rats" y "Animal". "

Se cumplen 25 años del álbum Vs. y aquí hay 10 cosas que quizás no sepas sobre el álbum.

1. La banda jugaba al beisbol todos los días antes de grabar.

Durante las sesiones de grabación de Vs. en el Site, un estudio residencial en el condado de Marin en el norte de California, O'Brien y la banda se relajaban cada día de grabación jugando al beisbol. "Nos animó a reunirnos todas las mañanas", dijo O'Brien a Cameron Crowe en una entrevista para el documental de Pearl Jam Twenty . "Fue como, 'OK, mañana, 9:30, charla en la cocina, y luego vamos a jugar al beisbol'. Lo hicimos durante bastante tiempo. Fue una manera de divertirnos".

2. La banda grabó cada canción del álbum a la vez.

Si bien era típico que los artistas de rock de los años noventa grabaran sus álbumes en fases, al finalizar las pistas de ritmo de todas las canciones antes de colgarse los instrumentos la banda mantuvo la intensidad intacta terminando cada canción antes de pasar a la siguiente.

"Mi trabajo consistía en intentar que todos se sintieran lo más creativos posible", recordó a Crowe. "La idea era asentarnos en el estudio, trabajar las canciones y grabar cada una al mismo tiempo para que, de esa manera, no nos adelantáramos demasiado".

Un estudio de Fender asegura que las mujeres son ya la mitad del mercado de guitarras en Estados Unidos y Reino Unido

La guitarrista Nita Strauss en plena descarga eléctrica

Un nuevo estudio publicado el martes pasado por el fabricante de guitarras Fender muestra que las mujeres representan el 50% de guitarristas principiantes y aspiracionales. Debido a esto la marca de instrumentos está ajustando su enfoque de marketing.

Fender trabajó con la consultora Egg Strategy para realizar una encuesta representativa de guitarristas en EE. UU y Reino Unido, agregando datos británicos a una encuesta similar que realizó en América del Norte hace tres años con resultados muy similares. Las mujeres crecieron constantemente como la mitad de los clientes, aunque la compañía no publicó un desglose de los datos de género por edad u otros datos demográficos. Esos hallazgos iniciales llevaron a la compañía a buscar relaciones con artistas femeninas, destacar a más mujeres en campañas de marketing y reconsiderar su estrategia de marketing en torno a una nueva audiencia masiva que previamente había estado ignorando . Promovió una nueva línea de guitarras centrada en el milenio en 2016 con las bandas lideradas por mujeres Warpaint y Bully, por ejemplo.


"El hecho de que el 50% de los nuevos compradores de guitarras en el Reino Unido fueran mujeres fue una sorpresa para el equipo del Reino Unido, pero es idéntico a lo que está sucediendo en los EE.UU.", dijo el CEO de Fender, Andy Mooney, a la revista Rolling Stone. "También se creía que las personas a las que se refiere como el 'factor de Taylor Swift' podrían hacer que el 50% sea a corto plazo y erróneo. De hecho, no lo es. Taylor se ha movido, creo que toca menos la guitarra en el escenario que en el pasado. Pero las mujeres jóvenes todavía están manejando el 50% de las ventas de nuevas guitarras. Así que el fenómeno parece que tuviera piernas y esté recorriendo en todo el mundo".

Samantha Fish rodando el mastil

El estudio de Fender también encontró que el 72% de los guitarristas cogen una guitarra por primera vez para desarrollar alguna habilidad o mejorar, el 61% también simplemente quiere aprender a tocar canciones por sí mismos o con amigos cercanos y familiares, en lugar de tratar de triunfar. Y el 42% dice que ven la guitarra como parte de su identidad.

Hay que tener en cuenta que todo esto es a pesar de que la música rock se desliza fuera de las listas principales, cediendo el trono a nuevos géneros como el hip-hop, lo que sugiere que la persistencia de la guitarra tiene tanto que ver con su valor para los individuos como una herramienta educativa y social como con su presencia escénica. Fender ahora está tratando de atraer a esos entusiastas tranquilos. "La llegada del punk abrió una apertura para tocar el instrumento", dice Mooney. “Se trataba de menos virtuosismo y más de divertirse y expresarse. Creo que eso se aplica tanto a bandas como a personas que solo querían recoger el instrumento y dominarlo hasta su propio nivel de comodidad".

En honor al 50 aniversario del álbum, aquí hay 10 cosas que quizás no sepas acerca de Electric Ladyland.

1. La madre de Whitney Houston hizo las voces de acompañamiento en "Burning of the Midnight Lamp".

Las sesiones del tema "Burning of the Midnight" marcaron la primera vez que Hendrix trabajó con el ingeniero Gary Kellgren. Cuando Hendrix y el productor Chas Chandler decidieron que la canción necesitaba voces femeninas de apoyo, la esposa de Kellgren, Marta, contrató a Sweet Inspirations, un cuarteto vocal muy solicitado dirigido por Emily "Cissy" Houston, cuya hija pequeña, Whitney (de solo tres años entonces), se convertiría en una cantante de enorme éxito por derecho propio. Aunque la música psicodélica de Hendrix parecía un poco inusual para Houston y sus compañeros, que ya habían hecho sesiones para gente como Aretha Franklin, Wilson Pickett, Solomon Burke y Van Morrison, estaban más que preparados para el desafío.

2. Hendrix toco con un kazoo casero en "Crosstown Traffic".

Aunque a Hendrix le encantaba experimentar con las posibilidades sonoras de los nuevos equipos como wah-wah, tampoco temía ir a la ruta de bricolaje cuando la ocasión lo requería. En "All Along the Watchtower,", usó un encendedor de cigarrillos como slide de guitarra, y para lograr el efecto de zumbido correcto en "Crosstown Traffic", dobló la línea de guitarra soplando a través de un kazoo construido con un peine y celofán.

"Estaba haciendo 'Crosstown Traffic', y parecía que no podía captar el sonido que intentaba expresar", explicó Velvert Turner, amigo y confidente de Hendrix. "Jimi dijo: '¿Tienes un peine, tio? Dame un peine. Que alguien me traiga celofán'. Si tomas un peine y pones celofán a través de él y lo soplas, da un sonido de kazoo.

3. Brian Jones intentó (y falló) tocar el piano en "All Along the Watchtower".

Hendrix a menudo alentaba a otros músicos a unirse a sus sesiones de grabación, y Electric Ladyland contó con varios colaboradores invitados. Pero cuando un determinado miembro de los Rolling Stones se presentó en Olympic Studios durante la grabación de "All Along the Watchtower", sus entusiastas intentos de agregar un piano a la pista fueron frustrados rápidamente por su nivel de embriaguez.

"Nada menos que Brian Jones de los Rolling Stones tropezó con la sesión, decidió ayudar y tocar el piano", recordó Eddie Kramer. "Creo que lo intentó con valentía por un par de tomas, pero fue abandonado, y volvieron a cortar la pista básica sin él". Sin querer herir los sentimientos de su amigo, Hendrix llevó a Jones a la percusión; el ruido que marca la introducción de la canción es el sonido de Jones golpeando un vibraslap.

4. Bob Dylan pensó que la versión de Hendrix de "Watchtower" era una mejor que su propia canción.

Si bien Hendrix realizó varias versiones de Dylan antes de su muerte en 1970, incluyendo "Like a Rolling Stone", "Can You Please Crawl Out Your Window?" y "Drifter's Escape", su revisión magistral de "All Along the Watchtower" fue su último tributo al cantautor. El mismo Dylan ha elogiado la versión de Electric Ladyland en varias ocasiones, incluso incorporando el arreglo de Hendrix de la canción en sus actuaciones en vivo. "Realmente me abrumó", dijo a Fort Lauderdale Sun Sentinel en 1995, cuando le preguntaron sobre la versión de Hendrix sobre la canción. “Tenía tal talento, podía encontrar cosas dentro de una canción y desarrollarlas vigorosamente. Encontró cosas que otras personas no pensarían encontrar allí. Probablemente lo mejoró por los espacios que estaba usando. Tomé licencia con la canción de su versión, en realidad, y sigo haciéndolo hasta el día de hoy".

5. La jam "Voodoo Chile" fue el intento de Hendrix de recrear la atmósfera de su club favorito en Nueva York.

"Me gustan las jams en un lugar pequeño como un club", dijo Hendrix al periodista John Burks en febrero de 1970. "Entonces tienes otra sensación. Te sales de otra manera con todas esas personas allí. Tienes otro sentimiento y lo mezclas con otra cosa que obtienes. No son los focos, solo la gente".

Durante la creación de Electric Ladyland, el lugar favorito de Jimi en la ciudad de Nueva York para las jams de madrugada fue Scene, un popular club nocturno ubicado en un sótano en West 46th Street. The Scene era un imán para los músicos de gira, y no era raro que Hendrix pasara unas horas atascando en Scene con quienquiera que estuviera allí, y luego regresara a Record Plant para alguna grabación nocturna. En la noche del 2 de mayo de 1968, después de encontrarse con Steve Winwood y Jack Casady en la escena (ambas bandas estaban en la ciudad para conciertos en el Fillmore East), los llevó de vuelta al estudio y le ordenó a Eddie Kramer que configurara los micrófonos para una sesión improvisada al estilo de Scene con Mitch Mitchell en la batería.

6. "Voodoo Child (Slight Return)" se grabó sin previo aviso mientras la banda era filmaba para un documental televisivo.

Un día después de que se grabara "Voodoo Chile", Hendrix regresó al estudio con Noel Redding y Mitch Mitchell para ser filmado para un posible documental de ABC-TV. Aunque se suponía que los músicos solo pretendían que estaban grabando, Hendrix aprovechó el momento para enseñar una nueva canción a sus compañeros de banda, y tres tomas más tarde, con las cintas rodando, nació "Voodoo Child (Slight Return)".

"Aprendimos esa canción en el estudio", dijo Redding al autor John McDermott. "Tenían las cámaras rodando mientras nosotros tocábamos". "Haz que parezca que estás grabando chicos. ", Dijo Hendrix a John Burks. “Una de esas escenas, ya sabes, así que 'OK, vamos a reproducir esto en E; ahora un uno y un dos y un tres, "y luego entramos en 'Voodoo Child'. "Aunque la grabación del estudio nunca fue utilizada por ABC, y desde entonces se ha perdido tristemente," Voodoo Child (Slight Return) "sigue siendo una de las pistas más pesadas y potentes jamás grabadas por Hendrix.

7. El perfeccionismo en el estudio de Hendrix hizo que su manager / productor renunciara durante la creación del álbum.

Si bien "Voodoo Chile" y "Voodoo Child (Devolución leve)" se registraron en tres tomas cada una, tal espontaneidad fue escasa durante la creación de Electric Ladyland, para gran disgusto de Chas Chandler, el gerente y productor de Hendrix. Chandler, que prefería el método de "hacer clic y dejarlo" para hacer registros, se sentía cada vez más frustrado con las tendencias perfeccionistas de Hendrix, como lo demuestran las cuatro docenas de tomas que necesitaba para el llamativo "Gypsy Eyes" y el ambiente festivo que dominó muchas de las sesiones de Record Plant.

"Iría allí [a la Planta de Grabación] y esperaría a Jimi", dijo Chandler al autor John McDermott, "y aparecería con ocho o nueve personas. Cuando finalmente comenzó a grabar, Jimi estaría tocando para el beneficio de sus invitados, no de las máquinas ... Estaríamos revisando un número una y otra vez y diría durante la respuesta: "Eso fue todo". Lo conseguimos.' Él decía: 'No, no, no' y grababa otro y otro y otro. Finalmente, simplemente levanté mis manos y me fui.

8. El sello de Hendrix en el Reino Unido no le informó que estaban poniendo mujeres desnudas en la portada del álbum.

Además de ser un perfeccionista musical, Hendrix tenía ideas visuales muy específicas para Electric Ladyland. La fotógrafa Linda Eastman, que se casaría con Paul McCartney el año siguiente, había tomado una foto de la Experiencia Jimi Hendrix con algunos niños en la escultura Alicia en el País de las Maravillas de José de Creeft, en el Central Park de Nueva York, y Hendrix pensó que sería perfecta para el portada del álbum. "Por favor, use la imagen en color con nosotros y los niños en la estatua para la portada o contraportada - CUBIERTA EXTERIOR", le ordenó a Reprise Records, su etiqueta de EE. Por el motivo que sea, Reprise optó por usar una foto solarizada de Karl Ferris de la actuación de Hendrix en 1967 en el Teatro Saville de Londres, mientras que Track Records, el sello del Reino Unido de Hendrix, adoptó una actitud más provocativa y controvertida al usar una foto de David Montgomery de 19 mujeres desnudas.


Según un artículo de noticias del 7 de diciembre de 1968 en Rolling Stone , el lanzamiento del álbum "encontró resistencia y censura en muchas tiendas de discos y en las provincias periféricas de las Islas Británicas", mientras que los mayoristas de Londres solo vendían el disco con desnudos. Oscureciendo la envoltura marrón. Hendrix, por su parte, afirmó que no se le había informado sobre los planes de Track Records para la portada del álbum.


"No sabía nada sobre la portada inglesa", le dijo a Melody Maker en noviembre de 1968. "Aún así, ya me conoces, lo hice de todos modos". Excepto que creo que es triste la forma en que el fotógrafo hizo que las chicas se vieran feas. Algunas de ellos son chicas bonitas, pero el fotógrafo distorsionó la fotografía con una lente de ojo de pez o algo así. Qué cruel. Hizo que las chicas se vieran mal. Pero no es mi culpa ”.

9. Hendrix no estaba contento con la forma en que sonaba el álbum terminado.

Mientras Hendrix pasaba largas horas en el estudio grabando Electric Ladyland, acumulando una factura de $ 60,000 en Record Plant y $ 10,000 en Olympic (o lo que sería más de medio millón de dólares en 2018) con su trabajo las 24 horas, desafortunadamente no tenía tal lujo a la hora de la mezcla final. Presionado por Reprise para obtener un producto terminado, se vio obligado a mezclar el disco mientras estaba de gira con la banda.

"Es muy difícil concentrarse en ambos", lamentó a la revista Hullabaloo , poco después del lanzamiento del álbum.“Así que parte de la mezcla salió fangosa, no exactamente fangosa pero con demasiado bajo. Lo mezclamos, lo producimos y todo ese desastre, pero cuando llegó el momento de que lo presionaran, naturalmente lo arruinaron, porque no sabían lo que queríamos. Se está utilizando un sonido 3D que ni siquiera puedes apreciar porque no sabían cómo cortarlo correctamente. Pensaron que estaba fuera de fase ".

10. Rolling Stone le dio al álbum una revisión mixta luego de su lanzamiento.

Electric Ladyland no se parecía a nada más cuando se lanzó en octubre de 1968, por lo que no es del todo sorprendente que muchos críticos contemporáneos no hayan podido captar sus cabezas y oídos en torno a sus 75 minutos de pura maravilla. Tony Glover - escribiendo sobre el álbum para el número del 9 de noviembre de 1968 de Rolling Stone - le dio a Electric Ladyland una crítica decididamente mixta, una que elogió las excursiones de blues más directas del álbum (así como "All Along the Watchtower"), pero "no estaba seguro de sus momentos más pesados, y lamentó específicamente la forma en que la guitarra de Hendrix trastornó" el hermoso estado de ánimo submarino "de" 1983. ""Mi primera reacción fue, ¿por qué tuvo que hacer eso? ", escribió Glover. "Entonces pensé que él creó una cosa hermosa, pero perdió la fe en ella, y así la destruyó antes de que alguien más pudiera, de varias maneras, un rollo".

Collier con la guitarra Gibson de Dave Grohl en su casa

El último concierto de Foo Fighters en Kansas acogió una peculiar escena: un niño de 10 años llamado Collier subió al escenario, tomó una guitarra y junto a Dave Grohl, tocó una versión de la canción Enter Sandman de Metallica.

Una multitud se reunió en un brumoso domingo para honrar al fallecido pionero del grunge Chris Cornell. El Museo de Cultura Pop de Seattle descubrió una estatua de bronce a escala real del fallecido cantante de Soundgarden, que fue encargada por su viuda, Vicky Cornell. Junto sus hijos Lily, Toni y Christopher, asistieron antiguos compañeros de Cornell, Kim Thayil, Matt Cameron y Ben Shepherd.

"Es un reflejo de su luz, una luz que brilló a través de su música y tocó a millones", comentó Vicky Cornell durante la ceremonia. “Una luz que usó para iluminar nuestras vidas, y una luz que continuará inspirando a aquellos en el futuro. Esta estatua representa esa luz: una presencia hermosa, poderosa e incomparable en una ciudad natal digna de alguien tan especial como Chris ".


Los ex-miembros de la banda comentaron que "fue mucho para asimilar" ver a los fanáticos de Soundgarden reunidos allí un año y medio después de que Cornell fuera encontrado muerto en una habitación de un hotel horas después de un Soundgarden concierto.

"Hubo muchos momentos [con Chris] que impactaron en mi desarrollo como músico y más tarde, como amigos", dijo Cameron. "Recuerdo mucho cuando me uní a la banda en el '86. La banda aún estaba formando un sonido, pero no tardó mucho en llegar. Como un chico que ha tocado en bandas siempre, es muy difícil conseguir eso tan pronto en una banda, por lo que todavía es importante para mí ".


Shepherd, quien se unió a la banda en 1990 después de la salida de Jason Everman, agregó: "Una cosa sobre Chris, hablando específicamente sobre él, [era] que tenía el espíritu de" ir por ella "todo el tiempo. Solo házlo. Empuje, averigüe a dónde podemos ir. Y los tres de esos tíos para mí cuando me uní, me tiraron al fuego, ya estaban rodando. Y todos son tan aventureros y tan fuertes que hicieron que fuera algo totalmente natural ver a dónde podemos ir. ... Se trataba de seguir adelante. Qué viene. Adelante. Vamos a averiguarlo ".

La falta de ego de Cornell, añadieron, ayudó al grupo a permanecer juntos a través de numerosas giras, lo que no siempre fue así para sus compañeros. ("Ustedes fueron una de las primeras bandas fuera de esta ciudad que en realidad hicieron una gira, después regresaron y se permanecieron como una banda, y siguieron haciéndolo", le dijo Shepherd a Cameron. "Soundgarden estuvo concentrado desde el primer día. Eran estables y preparados para salir".

"Creo que Chris siempre nos alentó a traer material y contribuir de manera creativa", dijo Cameron.“No tenía el tipo de ego frágil que requería alimentarlo en todo momento. Quería ser alimentado como artista, no como una estrella ".

Dave Grohl está subastando los instrumentos que usó para hacer su nuevo proyecto en solitario, Play. La web Reverb será la sede de la subasta, que comienza el 9 de octubre y finaliza el 21 del mismo mes.

La banda de Seattle, Mudhoney, escenifica una obra de miedosa pasión acompañada con un mesías crucificado en el video de "Kill Yourself Live", su nueva canción sardónica sobre el suicidio en la era de las redes sociales. El video presenta un desorden de romanos paganos bailando detrás de Jesucristo, mientras este llora sangre al ritmo de un órgano Farfisa y guitarras deslizantes. Aparece también la escena de La Última Cena al estilo Da Vinci, en la que Cristo y sus discípulos abren sus portátiles al son del estribillo “When I killed myself live, I got so many ‘likes" ("Cuando me suicidé en vivo, recibí tantos 'me gusta'").

Netflix presenta ReMastered, una nueva serie de historia musical que presentará algunos de los eventos determinantes en carreras de artistas legendarios de la música. Contada en  ocho episodios, llegará al servicio de transmisión el 12 de octubre con "¿Quién disparó al Sheriff?", una mirada sobre papel que jugaron los políticos jamaicanos y la CIA en el intento de asesinato de Marley, quien sufrió heridas de bala en el brazo y el pecho en el incidente.

El próximo mes, la documentalista del condado de Harlan, Barbara Kopple, codirige un examen sobre la tumultuosa reunión en la Casa Blanca, entre Johnny Cash y Richard Nixon en "Tricky Dick y el hombre de negro".



Netflix transmitirá un nuevo episodio de ReMastered todos los meses hasta mayo de 2019, con el episodio de diciembre de 2018 centrado en "Who Killed Jam Master Jay?", El DJ Run-DMC que murió en un estudio de Queens, Nueva York en 2002; a pesar de seis testigos, el asesinato sigue sin resolverse.

Los meses posteriores traen una investigación sobre el asesinato de tres miembros del grupo irlandés The Miami Showband durante "The Troubles" en Irlanda en 1975, la muerte del cantante chileno Víctor Jara a manos del régimen de Pinochet y, en febrero, una mirada a la misteriosa muerte a tiros de Sam Cooke.

La primera temporada de ReMastered concluye con "Devil at the Crossroads", sobre la leyenda del blues Robert Johnson y su apócrifo apretón de manos con The Devil, y "Lion's Share", sobre el viaje de un hombre a Sudáfrica para encontrar a los verdaderos escritores detrás del éxito " El león duerme esta noche."


ReMastered fue creado por los ganadores del premio Emmy Jeff Zimbalist y Michael Zimbalist y enumera a Irving Azoff y Stu Schreiberg entre sus productores ejecutivos.

El tema se incluirá en la próxima retrospectiva homónima de la vida del cantante en Soundgarden, Temple of the Dog, Audioslave y como solista
Se ha presentado la canción inédita "When Bad Does Good", como parte de un nuevo conjunto de cuatro discos póstumos que abarca toda la carrera deL guitarra y vocalista Chris Cornell , que presentan 11 canciones inéditas. Algunos de las canciones inéditas, incluida "When Bad Does Good", aparecerán en una versión reducida de un solo disco del lanzamiento. Ambas versiones saldrán el 16 de noviembre.

Cornell grabó, produjo y mezcló la canción él mismo. La canción se abre con tonos de órgano, dando una calidad de himnario a la línea de apertura de Cornell. A veces lo malo puede hacer algo bueno.



La colección ofrece una mirada de 360 ​​grados sobre Cornell, dibujando temas de su época en Soundgarden, Temple of the Dog y Audioslave, así como sus grabaciones propias y colaboraciones solistas con músicos como Slash y Santana. La viuda de Cornell, Vicky, trabajó con los miembros de la banda para ayudar a terminar las pistas. Josh Brolin, por ejemplo, fue quien le recordó a Vicky la canción "When Bad Does Good" y la animó a que la publicara. El productor Brendan O'Brien, que trabajó con Cornell a lo largo de los años, dirigió el proyecto y el bajista de Pearl Jam, Jeff Ament, trabajó en su embalaje.

"Desde el repentino fallecimiento de Chris, he puesto todo mi esfuerzo y energía para compartir su música y legado con sus admiradores de todo el mundo", dijo Vicky en un comunicado. "Sentí que teníamos que crear una colección especial para representarlo a todos: el amigo, el esposo y el padre, el tomador de riesgos e innovador, el poeta y el artista. Sus voces altísimas encontraron su camino en los corazones y las almas de tantos. Su voz era su visión y sus palabras eran su paz. Este álbum es para sus fanáticos ".

Además de los lanzamientos de los CD, la colección estará disponible como un LP doble. También habrá una edición limitada súper deluxe. Cada lanzamiento vendrá con posters de sus compañeros de banda, Kim Thayil, Matt Cameron, Tom Morello y Mike McCready, así como Brendan O'Brien.

Además de "When Bad Does Good", el material inédito incluye un dueto que Cornell grabó con Yusuf / Cat Stevens del "Wild World" de este último, y un dúo con su hija, Toni, en las grabaciones de Bob Marley "Redemption Song", grabaciones de la gira con Temple of the Dog en 2016 y la actuación en solitario de Cornell de "One", una canción que interpola tanto las canciones de U2 como las de Metallica del mismo título.
La colección también incluye una grabación de la actuación de Audioslave en Cuba en 2005 ("Show Me How to Live") y una actuación individual en el Royal Albert Hall de Londres, donde interpretó "A Day in the Life" de los Beatles. Se completa con la actuación en vivo. , actuaciones acústicas grabadas en Suecia en 2006, cuando tuvo la idea de lo que se convertirían en sus giras en solitario "Songbook".

Pasamos más tiempo en la docena y media de plataformas y apps subiendo quinientas fotografías con pose de estrellas y aparentando que haces música, que horas pegados al instrumento con el que realmente la haces

Jesús Cifuentes, vocalista de Celtas Cortos

La era digital trajo consigo el acceso universal a la música como pocos avances semejantes ha tenido la cultura en la historia del mundo. Fue una veda que dio paso a medio planeta, no solo a localizar de manera directa e inmediata todo el tesoro musical que quedaba por descubrir, sino a la producción autónoma de nuestras propias canciones mostradas al resto del mundo, nuestro propio talento, así de potente, desde nuestros modestos hogares.
No todo fueron ventajas, sobre todo para los acólitos de la maquinaria industrial, que han visto como con el paso de los años han dejado de "enriquecerse" a mansalva, con más o menos razón por los millones de copias piratas, pero que sobre todo han tenido que verse obligados a reconocer que el mundo de su negocio ha cambiado y no hay billete de vuelta.

Promoción, promoción, promoción

Desde cierta mirada crítica, vemos que el rumbo de un amplio espectro de la música deriva siempre en lo que determinan los pilares del mercado. Fue en un lugar indeterminado en el tiempo, en que el embalaje se impuso al artefacto, la imagen por encima del producto. Esta simbiosis antológica funcionaba cuando a pesar de la extravagancia de las portadas, fotos, videos, y toda la pólvora que el marketing quiso inventarse y volcar sobre la imagen que debía dar un músico o una banda, nunca dejó de ser un complemento de atracción (sí, y con mucho éxito), pero los discos se compraban por la calidad nuclear de las canciones compuestas que salieron del horno de los estudios de grabación tras un templado tiempo de ensayos y nuevas creaciones. Porque en definitiva la música es una disciplina del arte irrefutablemente independiente de todo aquello a lo que traten de hacerte consumir por más sentidos que por los únicos oídos.

Pero eso cambió porque así lo quisieron, la música fue supeditada al negocio de la música. Traducido a la actualidad, veo un reflejo de ello en la entrevista que recientemente ha concedido la banda Celtas Cortos al diario 20minutos con motivo de su nuevo album de lanzamiento. No puedo dejar de sentir desazón cuando contemplo el panorama musical de hoy día, cuyo rumbo viene determinado por el peso de la multitarea de venderse (en el buen y legítimo sentido) para ofrecerse al mundo, más que por la intrínseca inquietud de hacer eso, música.

Sobre ello, Alberto García, dice esto: "Es el doble filo de la tecnología. Por un lado te lo facilita porque desde tu casa puedes abrirte y dispararte al mundo, pero esa facilidad también la tiene el vecino de al lado. Tienes que pelear con la valía de los demás, hay que asomar mucho la cabeza. También, la parte más cortante de ese doble filo, es que nosotros no estamos acostumbrados a dedicarle casi más tiempo a venderte que a ser músico. Ahora para que algo despunte un poquito tienes que estar más tiempo haciéndote fotos. Para nosotros se nos queda un poco grande ese traje".

En las últimas décadas, la música y su industria se ha visto envuelta inevitablemente en este tren bala de la era digital, y toda la vorágine de salidas innovadoras son ni más ni menos que el nuevo mapa del mundo donde te adaptas y sobrevives o te arrugas y mueres. Me refiero al inmenso abanico de satélites para amasar seguidores que existen en la red donde, si no tienes presencia, simplemente no existes.

Prima que hoy día seas un músico influencer, donde por mandamientos de la biblia del comunnity manager has de subir rigurosamente imágenes a tu cuenta instagram, con sus medidos hashtags, y que sean fotos de bien guiadas por consejos de expertos que te dicen cómo debes hacerla para que tengan más éxito. Prima que hoy día seas el músico que sube stories tres o cuatro veces al día, mostrando cada pequeño acto de mierda que haces en el tránsito de las tres de la tarde hasta las diez de la noche. Prima que mantengas vivas y activas tus redes sociales, que las trates como si fueran el pulso de tu sangre, porque si las abandonas dejas de conseguir seguidores. Ocúpate de facebook también, y de twitter, de la docena y media de plataformas donde tienes abierta una cuenta con tu perfil, y donde debes emplear sagradamente un tiempo exquisito que acaban siendo una mordida de horas importante dedicadas al mundo like en vez de al repaso de una tablatura, porque así lo ha querido el mundo de la música. Las apps son literalmente una prótesis que cualquier persona con vocación musical debe instalarse en sus quehaceres diarios.

Casi 30 años después, Eddie Vedder todavía recuerda al mendigo que un día le detuvo en seco en una calle de Seattle. "Simplemente se era interesante", dijo Vedder a la multitud congregada en el Safeco Field de Seattle el miércoles por la noche para el primero de los dos conciertos de la banda para recaudar fondo para los sin techo. El concierto ha recaudado 11.5 millones de dólares. "Su nombre era Eddie, y él era un gran hombre afroamericano. Un veterano de Vietnam", continuó Vedder. "Pasamos un tiempo hablando y tuvimos algunos buenos momentos. Otros días, él no estaba allí, y pude verlo luchar".

Cuando la banda regresó de su gira europea por su álbum de debut, Ten , Vedder le buscó y finalmente encontró al hombre en el Viaducto de Alaska Way. "Y fue entonces cuando realmente lo perdí", dijo Vedder. "Y nunca llegó a escuchar esta canción o saber que era parte de ella". Lo importante es elevar la comprensión y la empatía hacia las personas sin hogar".

Pearl Jam lead singer Eddie Vedder performs Wednesday night at Safeco Field in the first of the legendary Seattle grunge band’s two hometown concerts. Dubbed The Home Shows, the stadium gigs are the centerpiece of a week aimed at raising money to combat homelessness. The dates mark Pearl Jam’s first Seattle dates in five years. (📷 by Dean Rutz / The Seattle Times) View more photos at st.news/2vOpYwp or by following the link in our profile. #PearlJam #HomeShows #Seattle

Una publicación compartida de Seattle Times (@seattletimes) el 8 Ago, 2018 a las 9:58 PDT

Entonces, Pearl Jam rompió con "Even Flow", una canción familiar que se sentía como una herida fresca con la historia de Vedder contada, más incluso cuando siguió con un par de coros de “Help!” de los Beatles (“Help me if you can / I’m feeling down …”).

Un sentir común atravesó al público, era la primera vez que Pearl Jam la tocaba en Seattle desde hace cinco años. Para quienes volaron desde todo el país y el mundo, 'Home Shows' parecían una peregrinación al lugar donde se ganaron sus corazones musicales. Su primera parada fue en el puesto de merchandising de Pearl Jam, ubicado al lado del Safeco Field, donde los fanáticos de toda la semana han estado en cola largo tiempo directamente desde el aeropuerto, con sus maletas rodadas a su lado. Otros se aventuraron en la ciudad en busca del mojo que inspiró el sonido y la letra de Pearl Jam. Centro de Seattle. Magnuson Park.

Pero en este lugar lleno de dinero tecnológico y grúas de construcción, esa vieja magia es cada vez más difícil de encontrar. The Black Dog Forge - la primera parada de Vedder en la ciudad en 1990, cuando Stone Gossard y Jeff Ament lo invitaron a conocer y ensayar - se vio obligado a mudarse al sur del centro el año pasado después de que los constructores compraran el edificio. Y el mismo día del primer Home Show, una multitud llenó el Seattle City Hall, peleando para ver el Showbox Market, un lugar histórico donde Pearl Jam tocaron y donde Mike McCready realiza su recaudación de fondos anual Flight to Mars para la Fundación Crohn y Colitis .


Incluso Vedder, que creció en Evanston, Illinois y San Diego antes de mudarse a Seattle, parecía querer excavar un poco más su bandera en este lugar. Después de que la banda abriera con "Long Road" y cuatro canciones más, Vedder saludó a la multitud: "Somos Pearl Jam. Somos de Seattle, Washington. Supongo que eso debe significar que estamos en casa ".



Home sigue siendo el tema de la noche, no solo en la misión de la banda para acabar con la fmendicidad, sino en la forma en que Vedder habló sobre los 10 hijos de los miembros de la banda, sus ocho perros y sus maestros. Pidió a la multitud que levantara la mano mientras afirma "si tuvieras un maestro que te cambió la vida", y luego comenzó una versión de "We're Going to Be Friends" de White Stripes. Algunos momentos después, sus dos hijas salieron de un escenario lateral con dos mujeres, sus profesores, que llevan camisetas de Mariners con "VEDDER" en la espalda, e hicieron un pequeño baile.

Dos canciones más tarde, Vedder se unió a la cantante y compositora de Seattle Brandi Carlile para una versión optimista de su canción "Again Today", una canción que Pearl Jam tocó para el álbum Cover Stories de Carlile 2017.

Otros momentos del espectáculo fueron simplemente tranquilizadores, como cuando la banda tocó el sencillo navideño "Let Me Sleep (It's Christmastime)"; y cuando la multitud se convirtió en una manta de luces diminutas para "Negro".

Fue una noche de canciones sólidas y queridas de Pearl Jam, desde "Corduroy" y "Release" hasta "Alive" y "Yellow Ledbetter", entregadas con la intención de acabar con la falta de vivienda en una ciudad que ha estado inundada de prosperidad y dolor. "Tomó un poco de esfuerzo concentrado, y se hizo tanto en muy poco tiempo", dijo Vedder. "Podemos resolver este problema juntos. Esta ciudad puede demostrar al resto de la nación que si puede suceder aquí, puede suceder en cualquier lugar ".

Amy Winehouse recibió tanta aclamación por su voz que todos olvidaron que ella también era una guitarrista bastante decente. Winehouse fue una devota de la Fender Stratocaster y aparece en varias actuaciones con ella si os paseáis por YouTube, como en el video "Stronger Than Me" (Ver). Su talento para tocar la guitarra es un hecho que hay que sacar a relucir ahora que se cumplen siete años de su triste fallecimiento.

En 2004, Amy participó en un video promocional de la marca Fender en la que explica su amor por la Stratocaster y por qué la eligió como su principal instrumento. La ocasión para esta promoción fue un concierto en el Wembley Arena el 24 de septiembre de 2004, para celebrar el 50 aniversario de la legendaria guitarra de Fender.

Winehouse actuó allí entre algunos de los gigantes que han tocado toda su vida con esta guitarra, como David Gilmour, Joe Walsh y Gary Moore. El concierto fue publicado como The Strat Pack: Live in Concert, en 2005 (Ver).

"Es mi guitarra favorita", declaró en 2004. "Es clásica, se ve bien y suena hermosa. Realmente se presta para cualquier cosa. Es un sonido tan cálido, algo que no se obtiene con un instrumento frío como el piano o teclados ".

Después de  tocar con la guitarra de su hermano, Winehouse tuvo su primera guitarra a los 13 años y comenzó a escribir música un año después. Como ella declaró en una entrevista con MusicOhm hace varios años, "mi hermano aprendió solo, así que tomé inspiración para aprender por mí sola y él me enseño algunas de cosas".


El estilo innovador de Winehouse, que incluye elementos de jazz, R & B y hip-hop, se fundó en su exposición a una variedad de artistas en sus primeros años. Su familia compartió su amor por artistas populares como Carole King y James Taylor, artistas de jazz como Sarah Vaughan y Dinah Washington, y viejos ojos azules: Frank Sinatra.

A continuación se puede ver la entrevista promocional que Fender le hizo en 2004 que comentábamos al principio, con subtítulos en portugués, bastante fácil de seguir para los que no dominan el inglés.

LAS COLAS

Desde primera hora de la tarde el acceso al recinto fue muy complicado. Todo el público que asistía al evento y que viajó en metro, se topó con colas que duraron dos horas. No fue el mismo caso para las personas que viajamos en tren de cercanías hasta Valdebebas, hubo retenciones pero no fue el mismo caso ni de lejos, corrimos mejor suerte. Todos los que decidieron tomar el coche para asistir a una hora prudente con la que poder encontrar aparcamiento con comodidad, encontraron un atasco que les impidió ser puntuales con las bandas que actuaban en los primeros conciertos.

Cola para entrar al Mad Cool Festival, Madrid.#MadCoolFestival pic.twitter.com/86sePmgnM5

— Olmo Calvo (@OlmoCalvo) 13 de julio de 2018

Cola para entrar al Mad Cool Festival#MadCool2018 pic.twitter.com/EksICRtGx4

— Olmo Calvo (@OlmoCalvo) 12 de julio de 2018

LAS PULSERAS

Un buen puñado de personas que habían comprado entradas para un solo día, dos o el abono para los tres días, no obtuvieron la pulsera que la organización enviaba a domicilio a tiempo. Debido a ello, la organización dispuso ya en el interior del recinto unas casetas para que pudieran recogerla presentando las entradas. Las colas para recoger estas pulseras eran largas en un terreno del recinto donde hacía un sol de justicia, sin ninguna infraestructura que hiciera sombra para rebajar el calor y protegerse del sol. También estas colas supuso para muchos no poder estar en las actuaciones de las primeras bandas.
El precio de los abonos adquiridos por internet incluía el coste del envío que Mad Cool hacía de la pulsera a domicilio. Es decir, pagaron por algo que no obtuvieron, y además de ello, tuvieron que hacer cola para obtenerla. 

Y así todo el día: colas para canjear pulsera, colas para entrar, colas de 30 minutos para pedir una cerveza. @madcoolfestival #MadCool #MadCoolFestival #incidenciasmadcool pic.twitter.com/9M8Ey5fjmU

— Antonio López (@antonio_merida) 13 de julio de 2018

PUNTOS DE AGUA

En el interior del recinto se dispuso un lugar con fuentes de agua de manera gratuita para que todo el mundo tuviera agua potable, algo que ya anunciaron días antes de que empezase el evento. Pero el abastecimiento se quedó corto si contamos con la alta cifra de asistentes cada día de conciertos: 80.000 personas. Las colas se alargaban, las esperas y las trifulcas quizás se habrían remediado de haber habilitado puntos de agua en repartidas en otras zonas y no solo en un único punto del mapa.


LAS BARRAS

Todo el mundo que asistió a Mad Cool pudo comprobar un tanto desesperado las largas colas y esperas para poder adquirir bebidas en las barras. Cierto es que eran numerosas y bastante repartidas por todo el recinto, sin embargo algo fallaba para que hubiera que esperar tanto. A pesar de su extensión, daba la sensación de que la cantidad de personal contratado para atender a la demanda se quedó corta. Quizás la organización se excedió en ahorrar presupuesto destinado a ello y lo pagamos.

En las barras del @madcool trabaja 1 y miran 50. Éxito!! pic.twitter.com/eGRnva49Aw

— davidrock (@davidrock86) 6 de julio de 2017

A pesar de haber comprobado en conversaciones con otros asistentes y en comentarios en la redes, que las quejas se derivan un tanto en el personal no estaba cualificado, hay que ser conscientes de que las personas que trabajaban sirviendo bebidas no son responsables de la calidad del servicio ni del desbordamiento de la demanda en última instancia. Cuando todos estamos en pleno ocio musical y con una cantidad de alcohol ingerido en nuestros gaznates, la desesperación se acentúa viendo como pasan 20 o incluso 30 minutos hasta que consigues hacer que te atiendan para pedir un mini. Pero no podemos peder de vista que las personas detrás de la barras estaban visiblemente estresadas.

En un evento donde se espera a 80.000 asistentes por día, y viendo un claro problema en la demanda de bebidas, quizás un detalle tan simple como que hubiera personal únicamente dedicado a poner las bebidas en los vasos mientras que otros se dedicaran a servir en la barra, hubiera optimizado mucho mejor el servicio. Pero no funcionaba así: la misma persona del staff te cobraba y se encargaba de todo.

La peor organización que he visto en ningún festival la tiene #madcool en las barras y la comida. Media hora de espera mínimo en escenarios vacíos. Menos conciertos y menos gente y todo funciona mejor

— Cibermaruja (@cibermaruja) 12 de julio de 2018

LOS VASOS

El segundo día de conciertos, comprobé como en una ocasión en que me acerqué a una barra para recargar bebida, me cambiaron el vaso. Los vasos de Mad Cool eran de PVC, un plástico más resistente que el los vasos de plástico comunes, pensado para reutilizarlos recargándolos (bien visto, se desperdicia mucho menos plástico), de ahí que cobrasen 1€ en la retirada de ellos. Estaban diseñados con una serigrafía especial del festival, pero como os contaba, me cambiaron el vaso por otro sin serigrafía alguna. Para mí no era un problema, sinceramente, así que no puse pegas.
El problema llegaría después, cuando al acercarme a una de las personas que trabajaba sirviendo cerveza con un depósito en la espalda, me advirtió que ese vaso no podía recargarlo (sí, el vaso sin serigrafía). El motivo era que lo tenía prohibido, el volumen cúbico de los vasos sin serigrafía no era el mismo que los vasos diseñados del resto del festival, y para no perder ni dinero en ventas (una diferencia de gotitas de cerveza minúscula) solo tenían permitido cargar los serigrafiados. Por algún motivo, deduzco que al festival se le acabaron los vasos y tuvieron que comprar más, pero diferentes: no con el mismo volumen cúbico. Ahora me encontraba con que el festival me había dado un vaso que no me recargaban, ni me lo cambiaban y solo me quedaba recurrir a la espera de las colas para las barras para pedir que me lo volviesen a cambiar.


LOS BAÑOS

Bastantes baños repartidos por el festival, sin demasiadas colas, solían ir bastante rápidas, apenas había que esperar. El punto negativo era que los días de mayor afluencia, viernes y sábado, a determinada hora de la noche ya se desbordaban y muchas personas (hablo de los urinarios masculinos) optaba por no usarlos, meaban directamente en las mamparas habilitadas para delimitar los baños. La consecuencia: aquello era un charco de meados pisaras por donde pisaras. Si no caminabas con lentitud, dar un paso sobre el césped artificial era garantía de salpicarte a ti mismo una dosis de aquella inundación. El civismo no es presumible precisamente por parte de los asistentes.





LOS PRECIOS

Precios de oro, lo de siempre. Minis a 9 y 10 eurazos. Cierto es que no es nuevo, y que los beneficios de las consumiciones son en defintiva las arcas con las que después se paga a los trabajadores del festival. Pero cuando piensas en el desembolso que has hecho por el abono, sientes bastante abusivo tener que ir al festival con otro fajo de billetes además del que ya soltaste. La conclusión: esto se convierte en eventos para gente que exclusivamente tiene el privilegio de pagárselo a un alto precio. Me niego a esto. Y por no hablar de vete a saber cuánto pagaban por hora a los camareros/as, que probablemente sea muy bajo.





MASSIVE ATTACK

Todos conocemos ya el chasco de Massive Attack. La banda canceló su actuación debido a una disconformidad con el acondicionamiento que la organización le había dispuesto. El sonido procedente del escenario donde actuaba Franz Ferdinand les molestaba. No es la primera vez que la banda cancela o amaga con hacerlo por el mismo motivo, ya ocurrió en el Low Festival cuando obligaron a la banda Corizonas a bajar el volumen de su actuación. El enfado hacia ellos se hizo muy extendido.
Por un lado, el enfado hacia la banda era evidente, la expectación era máxima. El publico estuvo esperándoles más de una hora, yo incluido allí metido, fue desesperante. La decepción aún mayor. Por otro, a pesar de los esfuerzos de la organización por negociar con ellos una solución que fue imposible, como cuenta El País, cabe pensar por qué el festival no tuvo en cuenta las pulcras exigencias (criticable o no) que la banda suele poner para sus actuaciones, sabiendo que estaban en un macrofestival con una hecatombe de watios por todas partes. Los asistentes al escenario The Loop estuvimos más de una hora sin noticias de nada. Si bien Mad Cool se defiende afirmando que hicieron lo que pudieron para hacerles salir hasta el final, también hay que señalar que nadie ni ningún mensaje apareció por ningún lado hasta al menos una hora y media después.

Así de nefasta y desastrosa la organización de @madcoolfestival. Después de más de una hora y 20 min de retraso de Massive Attack ponen esta pantalla: pic.twitter.com/uOb5TEeOT7

— Kari (@karikari_) 14 de julio de 2018

UBER

¿Que deciros de UBER? Anunciaban que todos los que acudieran con uno de sus VTC tendrían ventajas frente al resto de asistentes. Pero todo se redujo a una mentira. Decenas de usuarios mostraron su descontento con la compañía norteamericana y con el festival después de que la promesa del acceso exclusivo y sin aglomeraciones al recinto desaparecieran. Muchos de los usuarios que acudieron con uno de estos coches aseguran que tuvieron las mismas colas que el resto. A la salida del recinto, el precio que UBER cobraba por transportarte desde IFEMA al centro de la ciudad llegaba a 90€.

Gracias @Uber_ES por la “entrada sin colas” del madcool. Una hora y media esperando... y aún sin entrar.

— Jordi Bretos (@JordiBretos) 12 de julio de 2018

@Uber_ES y sus puñaladas cool en @madcoolfestival coste estimado al subir, 30€. Final en tarjeta 82,94€ de #madcool a Atocha. De vergüenza más caro que la entrada! @facua como se puede reclamar? pic.twitter.com/qe5rhOZ7l8

— Manu Moreno (@manumoreno83) 14 de julio de 2018

Factura de @uber por ir ayer al @madcoolfestival desde Plaza de España ¿que hacemos ahora con esto????!!!!!! Comernoslo con patatas no? Es una estafa en toda regla!!!! #estafa #madcool #uber #ladrones #madcoolincidencias

Una publicación compartida de SoN MoMeNtOs... (@pal_montero) el 13 Jul, 2018 a las 5:16 PDT

LANZADERA BUSES

La organización reforzó el número de autobuses que transportaba público hasta el recinto desde Plaza de Castilla, un lugar nada céntrico y poco cómodo para gente que ya viajaba en metro (¿para qué bajarse e ir a coger un bus con este calor?).
El transporte de vuelta a casa también se prestó un poco escaso. La Comunidad de Madrid habilitó la línea 8 de metro durante toda la noche, muy acertados. Pero la lanzadera de buses nocturnos desde el exterior se quedaba corta. Demasiada gente, y lo normal, largas colas. Buses que tan solo llegaban a tener paradas de nuevo en Plaza de Castilla y solo hasta Colón. Algo poco próximo para personas que tuvieran que volver a una parte más alejada de la ciudad. Era necesario coger taxis, es decir, más gasto.




ZONAS VIP

Josh Homme animó al público a que saltara las vallas que delimitaban el área reservada delante del escenario durante su actuación la actuación de Queens of Stone Age. Cabe decir, que a pesar de ser un acto de rebeldía bastante apetitoso, quizás fuera algo imprudente invitar a la invasión de la zona a determinada hora de la tardenoche, ya que la seguridad pudo haber visto en un verdadero apuro.

Queens of the Stone Age VIP Invasion #qotsa #MadCool2018 pic.twitter.com/S6aIEGb7HN

— bury420_ (@bury420_) 15 de julio de 2018