En honor al 50 aniversario del álbum, aquí hay 10 cosas que quizás no sepas acerca de Electric Ladyland.

1. La madre de Whitney Houston hizo las voces de acompañamiento en "Burning of the Midnight Lamp".

Las sesiones del tema "Burning of the Midnight" marcaron la primera vez que Hendrix trabajó con el ingeniero Gary Kellgren. Cuando Hendrix y el productor Chas Chandler decidieron que la canción necesitaba voces femeninas de apoyo, la esposa de Kellgren, Marta, contrató a Sweet Inspirations, un cuarteto vocal muy solicitado dirigido por Emily "Cissy" Houston, cuya hija pequeña, Whitney (de solo tres años entonces), se convertiría en una cantante de enorme éxito por derecho propio. Aunque la música psicodélica de Hendrix parecía un poco inusual para Houston y sus compañeros, que ya habían hecho sesiones para gente como Aretha Franklin, Wilson Pickett, Solomon Burke y Van Morrison, estaban más que preparados para el desafío.

2. Hendrix toco con un kazoo casero en "Crosstown Traffic".

Aunque a Hendrix le encantaba experimentar con las posibilidades sonoras de los nuevos equipos como wah-wah, tampoco temía ir a la ruta de bricolaje cuando la ocasión lo requería. En "All Along the Watchtower,", usó un encendedor de cigarrillos como slide de guitarra, y para lograr el efecto de zumbido correcto en "Crosstown Traffic", dobló la línea de guitarra soplando a través de un kazoo construido con un peine y celofán.

"Estaba haciendo 'Crosstown Traffic', y parecía que no podía captar el sonido que intentaba expresar", explicó Velvert Turner, amigo y confidente de Hendrix. "Jimi dijo: '¿Tienes un peine, tio? Dame un peine. Que alguien me traiga celofán'. Si tomas un peine y pones celofán a través de él y lo soplas, da un sonido de kazoo.

3. Brian Jones intentó (y falló) tocar el piano en "All Along the Watchtower".

Hendrix a menudo alentaba a otros músicos a unirse a sus sesiones de grabación, y Electric Ladyland contó con varios colaboradores invitados. Pero cuando un determinado miembro de los Rolling Stones se presentó en Olympic Studios durante la grabación de "All Along the Watchtower", sus entusiastas intentos de agregar un piano a la pista fueron frustrados rápidamente por su nivel de embriaguez.

"Nada menos que Brian Jones de los Rolling Stones tropezó con la sesión, decidió ayudar y tocar el piano", recordó Eddie Kramer. "Creo que lo intentó con valentía por un par de tomas, pero fue abandonado, y volvieron a cortar la pista básica sin él". Sin querer herir los sentimientos de su amigo, Hendrix llevó a Jones a la percusión; el ruido que marca la introducción de la canción es el sonido de Jones golpeando un vibraslap.

4. Bob Dylan pensó que la versión de Hendrix de "Watchtower" era una mejor que su propia canción.

Si bien Hendrix realizó varias versiones de Dylan antes de su muerte en 1970, incluyendo "Like a Rolling Stone", "Can You Please Crawl Out Your Window?" y "Drifter's Escape", su revisión magistral de "All Along the Watchtower" fue su último tributo al cantautor. El mismo Dylan ha elogiado la versión de Electric Ladyland en varias ocasiones, incluso incorporando el arreglo de Hendrix de la canción en sus actuaciones en vivo. "Realmente me abrumó", dijo a Fort Lauderdale Sun Sentinel en 1995, cuando le preguntaron sobre la versión de Hendrix sobre la canción. “Tenía tal talento, podía encontrar cosas dentro de una canción y desarrollarlas vigorosamente. Encontró cosas que otras personas no pensarían encontrar allí. Probablemente lo mejoró por los espacios que estaba usando. Tomé licencia con la canción de su versión, en realidad, y sigo haciéndolo hasta el día de hoy".

5. La jam "Voodoo Chile" fue el intento de Hendrix de recrear la atmósfera de su club favorito en Nueva York.

"Me gustan las jams en un lugar pequeño como un club", dijo Hendrix al periodista John Burks en febrero de 1970. "Entonces tienes otra sensación. Te sales de otra manera con todas esas personas allí. Tienes otro sentimiento y lo mezclas con otra cosa que obtienes. No son los focos, solo la gente".

Durante la creación de Electric Ladyland, el lugar favorito de Jimi en la ciudad de Nueva York para las jams de madrugada fue Scene, un popular club nocturno ubicado en un sótano en West 46th Street. The Scene era un imán para los músicos de gira, y no era raro que Hendrix pasara unas horas atascando en Scene con quienquiera que estuviera allí, y luego regresara a Record Plant para alguna grabación nocturna. En la noche del 2 de mayo de 1968, después de encontrarse con Steve Winwood y Jack Casady en la escena (ambas bandas estaban en la ciudad para conciertos en el Fillmore East), los llevó de vuelta al estudio y le ordenó a Eddie Kramer que configurara los micrófonos para una sesión improvisada al estilo de Scene con Mitch Mitchell en la batería.

6. "Voodoo Child (Slight Return)" se grabó sin previo aviso mientras la banda era filmaba para un documental televisivo.

Un día después de que se grabara "Voodoo Chile", Hendrix regresó al estudio con Noel Redding y Mitch Mitchell para ser filmado para un posible documental de ABC-TV. Aunque se suponía que los músicos solo pretendían que estaban grabando, Hendrix aprovechó el momento para enseñar una nueva canción a sus compañeros de banda, y tres tomas más tarde, con las cintas rodando, nació "Voodoo Child (Slight Return)".

"Aprendimos esa canción en el estudio", dijo Redding al autor John McDermott. "Tenían las cámaras rodando mientras nosotros tocábamos". "Haz que parezca que estás grabando chicos. ", Dijo Hendrix a John Burks. “Una de esas escenas, ya sabes, así que 'OK, vamos a reproducir esto en E; ahora un uno y un dos y un tres, "y luego entramos en 'Voodoo Child'. "Aunque la grabación del estudio nunca fue utilizada por ABC, y desde entonces se ha perdido tristemente," Voodoo Child (Slight Return) "sigue siendo una de las pistas más pesadas y potentes jamás grabadas por Hendrix.

7. El perfeccionismo en el estudio de Hendrix hizo que su manager / productor renunciara durante la creación del álbum.

Si bien "Voodoo Chile" y "Voodoo Child (Devolución leve)" se registraron en tres tomas cada una, tal espontaneidad fue escasa durante la creación de Electric Ladyland, para gran disgusto de Chas Chandler, el gerente y productor de Hendrix. Chandler, que prefería el método de "hacer clic y dejarlo" para hacer registros, se sentía cada vez más frustrado con las tendencias perfeccionistas de Hendrix, como lo demuestran las cuatro docenas de tomas que necesitaba para el llamativo "Gypsy Eyes" y el ambiente festivo que dominó muchas de las sesiones de Record Plant.

"Iría allí [a la Planta de Grabación] y esperaría a Jimi", dijo Chandler al autor John McDermott, "y aparecería con ocho o nueve personas. Cuando finalmente comenzó a grabar, Jimi estaría tocando para el beneficio de sus invitados, no de las máquinas ... Estaríamos revisando un número una y otra vez y diría durante la respuesta: "Eso fue todo". Lo conseguimos.' Él decía: 'No, no, no' y grababa otro y otro y otro. Finalmente, simplemente levanté mis manos y me fui.

8. El sello de Hendrix en el Reino Unido no le informó que estaban poniendo mujeres desnudas en la portada del álbum.

Además de ser un perfeccionista musical, Hendrix tenía ideas visuales muy específicas para Electric Ladyland. La fotógrafa Linda Eastman, que se casaría con Paul McCartney el año siguiente, había tomado una foto de la Experiencia Jimi Hendrix con algunos niños en la escultura Alicia en el País de las Maravillas de José de Creeft, en el Central Park de Nueva York, y Hendrix pensó que sería perfecta para el portada del álbum. "Por favor, use la imagen en color con nosotros y los niños en la estatua para la portada o contraportada - CUBIERTA EXTERIOR", le ordenó a Reprise Records, su etiqueta de EE. Por el motivo que sea, Reprise optó por usar una foto solarizada de Karl Ferris de la actuación de Hendrix en 1967 en el Teatro Saville de Londres, mientras que Track Records, el sello del Reino Unido de Hendrix, adoptó una actitud más provocativa y controvertida al usar una foto de David Montgomery de 19 mujeres desnudas.


Según un artículo de noticias del 7 de diciembre de 1968 en Rolling Stone , el lanzamiento del álbum "encontró resistencia y censura en muchas tiendas de discos y en las provincias periféricas de las Islas Británicas", mientras que los mayoristas de Londres solo vendían el disco con desnudos. Oscureciendo la envoltura marrón. Hendrix, por su parte, afirmó que no se le había informado sobre los planes de Track Records para la portada del álbum.


"No sabía nada sobre la portada inglesa", le dijo a Melody Maker en noviembre de 1968. "Aún así, ya me conoces, lo hice de todos modos". Excepto que creo que es triste la forma en que el fotógrafo hizo que las chicas se vieran feas. Algunas de ellos son chicas bonitas, pero el fotógrafo distorsionó la fotografía con una lente de ojo de pez o algo así. Qué cruel. Hizo que las chicas se vieran mal. Pero no es mi culpa ”.

9. Hendrix no estaba contento con la forma en que sonaba el álbum terminado.

Mientras Hendrix pasaba largas horas en el estudio grabando Electric Ladyland, acumulando una factura de $ 60,000 en Record Plant y $ 10,000 en Olympic (o lo que sería más de medio millón de dólares en 2018) con su trabajo las 24 horas, desafortunadamente no tenía tal lujo a la hora de la mezcla final. Presionado por Reprise para obtener un producto terminado, se vio obligado a mezclar el disco mientras estaba de gira con la banda.

"Es muy difícil concentrarse en ambos", lamentó a la revista Hullabaloo , poco después del lanzamiento del álbum.“Así que parte de la mezcla salió fangosa, no exactamente fangosa pero con demasiado bajo. Lo mezclamos, lo producimos y todo ese desastre, pero cuando llegó el momento de que lo presionaran, naturalmente lo arruinaron, porque no sabían lo que queríamos. Se está utilizando un sonido 3D que ni siquiera puedes apreciar porque no sabían cómo cortarlo correctamente. Pensaron que estaba fuera de fase ".

10. Rolling Stone le dio al álbum una revisión mixta luego de su lanzamiento.

Electric Ladyland no se parecía a nada más cuando se lanzó en octubre de 1968, por lo que no es del todo sorprendente que muchos críticos contemporáneos no hayan podido captar sus cabezas y oídos en torno a sus 75 minutos de pura maravilla. Tony Glover - escribiendo sobre el álbum para el número del 9 de noviembre de 1968 de Rolling Stone - le dio a Electric Ladyland una crítica decididamente mixta, una que elogió las excursiones de blues más directas del álbum (así como "All Along the Watchtower"), pero "no estaba seguro de sus momentos más pesados, y lamentó específicamente la forma en que la guitarra de Hendrix trastornó" el hermoso estado de ánimo submarino "de" 1983. ""Mi primera reacción fue, ¿por qué tuvo que hacer eso? ", escribió Glover. "Entonces pensé que él creó una cosa hermosa, pero perdió la fe en ella, y así la destruyó antes de que alguien más pudiera, de varias maneras, un rollo".

Collier con la guitarra Gibson de Dave Grohl en su casa

El último concierto de Foo Fighters en Kansas acogió una peculiar escena: un niño de 10 años llamado Collier subió al escenario, tomó una guitarra y junto a Dave Grohl, tocó una versión de la canción Enter Sandman de Metallica.

Una multitud se reunió en un brumoso domingo para honrar al fallecido pionero del grunge Chris Cornell. El Museo de Cultura Pop de Seattle descubrió una estatua de bronce a escala real del fallecido cantante de Soundgarden, que fue encargada por su viuda, Vicky Cornell. Junto sus hijos Lily, Toni y Christopher, asistieron antiguos compañeros de Cornell, Kim Thayil, Matt Cameron y Ben Shepherd.

"Es un reflejo de su luz, una luz que brilló a través de su música y tocó a millones", comentó Vicky Cornell durante la ceremonia. “Una luz que usó para iluminar nuestras vidas, y una luz que continuará inspirando a aquellos en el futuro. Esta estatua representa esa luz: una presencia hermosa, poderosa e incomparable en una ciudad natal digna de alguien tan especial como Chris ".


Los ex-miembros de la banda comentaron que "fue mucho para asimilar" ver a los fanáticos de Soundgarden reunidos allí un año y medio después de que Cornell fuera encontrado muerto en una habitación de un hotel horas después de un Soundgarden concierto.

"Hubo muchos momentos [con Chris] que impactaron en mi desarrollo como músico y más tarde, como amigos", dijo Cameron. "Recuerdo mucho cuando me uní a la banda en el '86. La banda aún estaba formando un sonido, pero no tardó mucho en llegar. Como un chico que ha tocado en bandas siempre, es muy difícil conseguir eso tan pronto en una banda, por lo que todavía es importante para mí ".


Shepherd, quien se unió a la banda en 1990 después de la salida de Jason Everman, agregó: "Una cosa sobre Chris, hablando específicamente sobre él, [era] que tenía el espíritu de" ir por ella "todo el tiempo. Solo házlo. Empuje, averigüe a dónde podemos ir. Y los tres de esos tíos para mí cuando me uní, me tiraron al fuego, ya estaban rodando. Y todos son tan aventureros y tan fuertes que hicieron que fuera algo totalmente natural ver a dónde podemos ir. ... Se trataba de seguir adelante. Qué viene. Adelante. Vamos a averiguarlo ".

La falta de ego de Cornell, añadieron, ayudó al grupo a permanecer juntos a través de numerosas giras, lo que no siempre fue así para sus compañeros. ("Ustedes fueron una de las primeras bandas fuera de esta ciudad que en realidad hicieron una gira, después regresaron y se permanecieron como una banda, y siguieron haciéndolo", le dijo Shepherd a Cameron. "Soundgarden estuvo concentrado desde el primer día. Eran estables y preparados para salir".

"Creo que Chris siempre nos alentó a traer material y contribuir de manera creativa", dijo Cameron.“No tenía el tipo de ego frágil que requería alimentarlo en todo momento. Quería ser alimentado como artista, no como una estrella ".

Dave Grohl está subastando los instrumentos que usó para hacer su nuevo proyecto en solitario, Play. La web Reverb será la sede de la subasta, que comienza el 9 de octubre y finaliza el 21 del mismo mes.

La banda de Seattle, Mudhoney, escenifica una obra de miedosa pasión acompañada con un mesías crucificado en el video de "Kill Yourself Live", su nueva canción sardónica sobre el suicidio en la era de las redes sociales. El video presenta un desorden de romanos paganos bailando detrás de Jesucristo, mientras este llora sangre al ritmo de un órgano Farfisa y guitarras deslizantes. Aparece también la escena de La Última Cena al estilo Da Vinci, en la que Cristo y sus discípulos abren sus portátiles al son del estribillo “When I killed myself live, I got so many ‘likes" ("Cuando me suicidé en vivo, recibí tantos 'me gusta'").

Netflix presenta ReMastered, una nueva serie de historia musical que presentará algunos de los eventos determinantes en carreras de artistas legendarios de la música. Contada en  ocho episodios, llegará al servicio de transmisión el 12 de octubre con "¿Quién disparó al Sheriff?", una mirada sobre papel que jugaron los políticos jamaicanos y la CIA en el intento de asesinato de Marley, quien sufrió heridas de bala en el brazo y el pecho en el incidente.

El próximo mes, la documentalista del condado de Harlan, Barbara Kopple, codirige un examen sobre la tumultuosa reunión en la Casa Blanca, entre Johnny Cash y Richard Nixon en "Tricky Dick y el hombre de negro".



Netflix transmitirá un nuevo episodio de ReMastered todos los meses hasta mayo de 2019, con el episodio de diciembre de 2018 centrado en "Who Killed Jam Master Jay?", El DJ Run-DMC que murió en un estudio de Queens, Nueva York en 2002; a pesar de seis testigos, el asesinato sigue sin resolverse.

Los meses posteriores traen una investigación sobre el asesinato de tres miembros del grupo irlandés The Miami Showband durante "The Troubles" en Irlanda en 1975, la muerte del cantante chileno Víctor Jara a manos del régimen de Pinochet y, en febrero, una mirada a la misteriosa muerte a tiros de Sam Cooke.

La primera temporada de ReMastered concluye con "Devil at the Crossroads", sobre la leyenda del blues Robert Johnson y su apócrifo apretón de manos con The Devil, y "Lion's Share", sobre el viaje de un hombre a Sudáfrica para encontrar a los verdaderos escritores detrás del éxito " El león duerme esta noche."


ReMastered fue creado por los ganadores del premio Emmy Jeff Zimbalist y Michael Zimbalist y enumera a Irving Azoff y Stu Schreiberg entre sus productores ejecutivos.

El tema se incluirá en la próxima retrospectiva homónima de la vida del cantante en Soundgarden, Temple of the Dog, Audioslave y como solista
Se ha presentado la canción inédita "When Bad Does Good", como parte de un nuevo conjunto de cuatro discos póstumos que abarca toda la carrera deL guitarra y vocalista Chris Cornell , que presentan 11 canciones inéditas. Algunos de las canciones inéditas, incluida "When Bad Does Good", aparecerán en una versión reducida de un solo disco del lanzamiento. Ambas versiones saldrán el 16 de noviembre.

Cornell grabó, produjo y mezcló la canción él mismo. La canción se abre con tonos de órgano, dando una calidad de himnario a la línea de apertura de Cornell. A veces lo malo puede hacer algo bueno.



La colección ofrece una mirada de 360 ​​grados sobre Cornell, dibujando temas de su época en Soundgarden, Temple of the Dog y Audioslave, así como sus grabaciones propias y colaboraciones solistas con músicos como Slash y Santana. La viuda de Cornell, Vicky, trabajó con los miembros de la banda para ayudar a terminar las pistas. Josh Brolin, por ejemplo, fue quien le recordó a Vicky la canción "When Bad Does Good" y la animó a que la publicara. El productor Brendan O'Brien, que trabajó con Cornell a lo largo de los años, dirigió el proyecto y el bajista de Pearl Jam, Jeff Ament, trabajó en su embalaje.

"Desde el repentino fallecimiento de Chris, he puesto todo mi esfuerzo y energía para compartir su música y legado con sus admiradores de todo el mundo", dijo Vicky en un comunicado. "Sentí que teníamos que crear una colección especial para representarlo a todos: el amigo, el esposo y el padre, el tomador de riesgos e innovador, el poeta y el artista. Sus voces altísimas encontraron su camino en los corazones y las almas de tantos. Su voz era su visión y sus palabras eran su paz. Este álbum es para sus fanáticos ".

Además de los lanzamientos de los CD, la colección estará disponible como un LP doble. También habrá una edición limitada súper deluxe. Cada lanzamiento vendrá con posters de sus compañeros de banda, Kim Thayil, Matt Cameron, Tom Morello y Mike McCready, así como Brendan O'Brien.

Además de "When Bad Does Good", el material inédito incluye un dueto que Cornell grabó con Yusuf / Cat Stevens del "Wild World" de este último, y un dúo con su hija, Toni, en las grabaciones de Bob Marley "Redemption Song", grabaciones de la gira con Temple of the Dog en 2016 y la actuación en solitario de Cornell de "One", una canción que interpola tanto las canciones de U2 como las de Metallica del mismo título.
La colección también incluye una grabación de la actuación de Audioslave en Cuba en 2005 ("Show Me How to Live") y una actuación individual en el Royal Albert Hall de Londres, donde interpretó "A Day in the Life" de los Beatles. Se completa con la actuación en vivo. , actuaciones acústicas grabadas en Suecia en 2006, cuando tuvo la idea de lo que se convertirían en sus giras en solitario "Songbook".