El pasado 12 de Noviembre murió el gran Stanley Martin Lieber, más conocido como Stan Lee, escritor y editor de cómics estadounidense y uno de los fundadores de Marvel Comics. El legado del escritor a la cultura pop de finales del siglo XX fue encomiable.

El Método Marvel es cuando a un escritor se le ocurre una historia, se la da al artista sin instrucciones claras y permite que este se vuelva loco, y luego escriba el diálogo en el tiempo provisto.

A pesar de lo que Stan Lee y todas sus películas de Marvel te harán creer, no es necesariamente la figura más importante para Marvel Comics. El artista prolífico Jack Kirby tiene un reclamo igualmente sólido sobre esa marca. A menudo junto con Lee y, a veces, solo, Kirby creó a los héroes y villanos que protagonizaron títulos como The Fantastic 4, The X-Men, The Incredible Hulk, Captain America, Thor y The Avengers.
Lee se mostró reacio a dar a escritores y artistas el crédito adecuado. Por todos los elogios (y dinero) que Lee recibió en su época en el negocio del cómic, rara vez distribuyó algo de eso. Mientras que Lee estuvo definitivamente presente en la creación de muchos personajes, él no fue el único creador de nada.
Fue curiosamente reticente a dar crédito a cualquiera de los creativos con los que trabajó en propiedades como Spider-Man, Fantastic 4, Thor, y así sucesivamente. De acuerdo con el veterano escritor de cómics Gerry Conway en una entrevista de 2016 con Vulture, "Stan ha recibido demasiado crédito".

La luz de la fama y el estrellato tiene un precio muy alto, perder de vista una libertad a la que nunca debe renunciar cualquier persona entregada a su vocación musical. El suculento plato del éxito no recibe apenas resistencia de quienes se prestan a ver cumplido su sueño de triunfar en el mundo de la música, pero bajo la apariencia de un futuro brillante servido en bandeja como una oportunidad única e irrepetible, y ofrecido a cambio de una firma en un documento, se esconde la amputación del bien más preciado de los artistas, su independencia.

Como cuenta un artículo publicado por Peio H. Riaño en El Español, esto está ocurriendo tras los focos de los programas lanzaderas como OT, cuyos concursantes, jóvenes y hambrientos de éxito, les convierte en presas idóneas para las discográficas. Los concursantes firmaron un contrato antes de salir en pantalla, con el que otorgaban el futuro de sus carreras musicales a sus contratantes.

Conocidos como contratos 360º, también se incluyen acuerdos editoriales, de imagen y de managament, es decir, absolutamente todo lo que hagan los participantes del concurso, está en manos de Universal Music, como por ejemplo escribir canciones propias. Han firmado unas condiciones que limitarán la totalidad de sus carreras.

No puede ser más evidente la intencionalidad de este tipo de producciones, la búsqueda insaciable del negocio y el mercadeo por encima del legítimo fomento de la música como fuente de cultura, aunque desde las cadenas de televisión pretendan dar esa imagen de colaboración para catapultar a 'jóvenes artistas'. Nada nuevo. Son proyectos muy bien diseñados para sacar un rendimiento económico y obtener beneficios titánicos con la perversión tóxica de amarrar de por vida a los triunfitos.

Se cumplen 20 años de la publicación del aclamado álbum de la banda británica de Massive Attack, y han decidido celebrarlo a lo grande y de la mejor manera que puede plantearse cualquier banda del mundo, con una gira, en este caso europea.

“Mezzanine XXI”, que es como se llamará el tour, servirá a los de Bristol para rendir tributo a piezas como ‘Angel’ o ‘Teardrop’ en un total de 16 pabellones europeos diferentes.

Beastie Boys Book son las memorias muy poco ortodoxas de la trayectoria del grupo, en que sus dos miembros, Adam Horovitz y Michael Diamond, han pasado los últimos cuatro años escribiendo juntos. Dentro de sus 571 páginas se encuentran docenas de episodios de sus vidas contadas en primera persona, con fotos antiguas, dibujos, recetas y testimonios de amigos como Amy Poehler, Colson Whitehead y Luc Sante. El libro evoca a los Beastie en su versión más surrealista e hilarante: vea la hora en que se encontraron con Bob Dylan en una fiesta de cumpleaños para Dolly Parton en el invierno del '88 (Horovitz afirma que Dylan intentó reclutarlos en un "concierto para no fumadores"). Al mismo tiempo, rinden un tributo a su mejor amigo y compañero de banda, Adam Yauch, quien murió de cáncer en 2012, llevando la historia del grupo a un final trágico y temprano.

El libro recoge datos de toda una década o más. La idea de hacer el libro surgió cuando Horovitz vio una copia de Got the Life, la autobiografía de 2009 del bajista de Korn Reginald "Fieldy" Arvizu, en una librería.

En 2014, dos años después de perder a Adam Yauch, ambos afligidos, se reunieron en el apartamento donde vivía Diamond, en ese momento en Carroll Gardens, Brooklyn, y pasaron un par de días recordando historias. Y fue ahí donde comenzaron a reunir con una larga lista de recuerdos, sobre los que repartieron y escribieron capítulos firmados individualmente.

La pérdida de Yauch está muy presente en Beastie Boys Book, podría decirse que fue el personaje más carismático de todos: el bromista del snowboard, el buscador espiritual y la figura de un hermano mayor que empujó a los demás a nuevas alturas una y otra vez. "La banda no se separó", escribe Horovitz en un capítulo desgarrador sobre la grabación de Hot Sauce Committee Part Two de 2011 . "No fuimos por caminos creativos individuales. Ningún proyecto en solitario jodió las cosas para no enemistarnos. Este fue nuestro último álbum porque Adam contrajo cáncer y murió. Si eso no hubiera sucedido, probablemente estaríamos haciendo un nuevo disco mientras lees esto. Lamentablemente, no resultó así... Demasiado triste para escribirlo".

Cuando Vs. fue lanzado el 19 de octubre de 1993, estableció el récord al vender más de 950.000 copias en sus primeros cinco días, superando a todas las demás entradas en el Billboard Top 10 combinado de esa semana, no fue una gran sorpresa para nadie que haya estado siguiendo el rápido ascenso de Pearl Jam. Mucho más notable fue que la banda no implosionara completamente bajo presión durante la grabación del álbum.

Profundamente incómodos con las exigencias del estrellato, pero también acusados de ser unos "vendidos" por muchos fanáticos y críticos del mundo de la música alternativa (especialmente en la escena de Seattle que los engendró), Pearl Jam se vio atrapado en un clásico maldito seas lo hagas o no, antes de que incluso hubieran grabado una nota de su segundo LP.

Aunque las sesiones de grabación no fueron fáciles (abundaban los conflictos de personalidad y Vedder estaba particularmente descontento con el estudio que había sido elegido para el proyecto), Pearl Jam salió victorioso con Vs., un álbum que aún se mantiene como uno de los discos más fuertes de su larga y famosa carrera. Más flojo, más pesado y más enojado que su debut, Vs. encontró a la banda explorando nuevos sonidos y dinámicas, lo que dio como resultado aspectos destacados de carácter acústico como "Daughter" y "Elderly Woman Behind the Counter In A Small Town", y la sensación más extraña con canciones como "Rats" y "Animal". "

Se cumplen 25 años del álbum Vs. y aquí hay 10 cosas que quizás no sepas sobre el álbum.

1. La banda jugaba al beisbol todos los días antes de grabar.

Durante las sesiones de grabación de Vs. en el Site, un estudio residencial en el condado de Marin en el norte de California, O'Brien y la banda se relajaban cada día de grabación jugando al beisbol. "Nos animó a reunirnos todas las mañanas", dijo O'Brien a Cameron Crowe en una entrevista para el documental de Pearl Jam Twenty . "Fue como, 'OK, mañana, 9:30, charla en la cocina, y luego vamos a jugar al beisbol'. Lo hicimos durante bastante tiempo. Fue una manera de divertirnos".

2. La banda grabó cada canción del álbum a la vez.

Si bien era típico que los artistas de rock de los años noventa grabaran sus álbumes en fases, al finalizar las pistas de ritmo de todas las canciones antes de colgarse los instrumentos la banda mantuvo la intensidad intacta terminando cada canción antes de pasar a la siguiente.

"Mi trabajo consistía en intentar que todos se sintieran lo más creativos posible", recordó a Crowe. "La idea era asentarnos en el estudio, trabajar las canciones y grabar cada una al mismo tiempo para que, de esa manera, no nos adelantáramos demasiado".

Un estudio de Fender asegura que las mujeres son ya la mitad del mercado de guitarras en Estados Unidos y Reino Unido

La guitarrista Nita Strauss en plena descarga eléctrica

Un nuevo estudio publicado el martes pasado por el fabricante de guitarras Fender muestra que las mujeres representan el 50% de guitarristas principiantes y aspiracionales. Debido a esto la marca de instrumentos está ajustando su enfoque de marketing.

Fender trabajó con la consultora Egg Strategy para realizar una encuesta representativa de guitarristas en EE. UU y Reino Unido, agregando datos británicos a una encuesta similar que realizó en América del Norte hace tres años con resultados muy similares. Las mujeres crecieron constantemente como la mitad de los clientes, aunque la compañía no publicó un desglose de los datos de género por edad u otros datos demográficos. Esos hallazgos iniciales llevaron a la compañía a buscar relaciones con artistas femeninas, destacar a más mujeres en campañas de marketing y reconsiderar su estrategia de marketing en torno a una nueva audiencia masiva que previamente había estado ignorando . Promovió una nueva línea de guitarras centrada en el milenio en 2016 con las bandas lideradas por mujeres Warpaint y Bully, por ejemplo.


"El hecho de que el 50% de los nuevos compradores de guitarras en el Reino Unido fueran mujeres fue una sorpresa para el equipo del Reino Unido, pero es idéntico a lo que está sucediendo en los EE.UU.", dijo el CEO de Fender, Andy Mooney, a la revista Rolling Stone. "También se creía que las personas a las que se refiere como el 'factor de Taylor Swift' podrían hacer que el 50% sea a corto plazo y erróneo. De hecho, no lo es. Taylor se ha movido, creo que toca menos la guitarra en el escenario que en el pasado. Pero las mujeres jóvenes todavía están manejando el 50% de las ventas de nuevas guitarras. Así que el fenómeno parece que tuviera piernas y esté recorriendo en todo el mundo".

Samantha Fish rodando el mastil

El estudio de Fender también encontró que el 72% de los guitarristas cogen una guitarra por primera vez para desarrollar alguna habilidad o mejorar, el 61% también simplemente quiere aprender a tocar canciones por sí mismos o con amigos cercanos y familiares, en lugar de tratar de triunfar. Y el 42% dice que ven la guitarra como parte de su identidad.

Hay que tener en cuenta que todo esto es a pesar de que la música rock se desliza fuera de las listas principales, cediendo el trono a nuevos géneros como el hip-hop, lo que sugiere que la persistencia de la guitarra tiene tanto que ver con su valor para los individuos como una herramienta educativa y social como con su presencia escénica. Fender ahora está tratando de atraer a esos entusiastas tranquilos. "La llegada del punk abrió una apertura para tocar el instrumento", dice Mooney. “Se trataba de menos virtuosismo y más de divertirse y expresarse. Creo que eso se aplica tanto a bandas como a personas que solo querían recoger el instrumento y dominarlo hasta su propio nivel de comodidad".

En honor al 50 aniversario del álbum, aquí hay 10 cosas que quizás no sepas acerca de Electric Ladyland.

1. La madre de Whitney Houston hizo las voces de acompañamiento en "Burning of the Midnight Lamp".

Las sesiones del tema "Burning of the Midnight" marcaron la primera vez que Hendrix trabajó con el ingeniero Gary Kellgren. Cuando Hendrix y el productor Chas Chandler decidieron que la canción necesitaba voces femeninas de apoyo, la esposa de Kellgren, Marta, contrató a Sweet Inspirations, un cuarteto vocal muy solicitado dirigido por Emily "Cissy" Houston, cuya hija pequeña, Whitney (de solo tres años entonces), se convertiría en una cantante de enorme éxito por derecho propio. Aunque la música psicodélica de Hendrix parecía un poco inusual para Houston y sus compañeros, que ya habían hecho sesiones para gente como Aretha Franklin, Wilson Pickett, Solomon Burke y Van Morrison, estaban más que preparados para el desafío.

2. Hendrix toco con un kazoo casero en "Crosstown Traffic".

Aunque a Hendrix le encantaba experimentar con las posibilidades sonoras de los nuevos equipos como wah-wah, tampoco temía ir a la ruta de bricolaje cuando la ocasión lo requería. En "All Along the Watchtower,", usó un encendedor de cigarrillos como slide de guitarra, y para lograr el efecto de zumbido correcto en "Crosstown Traffic", dobló la línea de guitarra soplando a través de un kazoo construido con un peine y celofán.

"Estaba haciendo 'Crosstown Traffic', y parecía que no podía captar el sonido que intentaba expresar", explicó Velvert Turner, amigo y confidente de Hendrix. "Jimi dijo: '¿Tienes un peine, tio? Dame un peine. Que alguien me traiga celofán'. Si tomas un peine y pones celofán a través de él y lo soplas, da un sonido de kazoo.

3. Brian Jones intentó (y falló) tocar el piano en "All Along the Watchtower".

Hendrix a menudo alentaba a otros músicos a unirse a sus sesiones de grabación, y Electric Ladyland contó con varios colaboradores invitados. Pero cuando un determinado miembro de los Rolling Stones se presentó en Olympic Studios durante la grabación de "All Along the Watchtower", sus entusiastas intentos de agregar un piano a la pista fueron frustrados rápidamente por su nivel de embriaguez.

"Nada menos que Brian Jones de los Rolling Stones tropezó con la sesión, decidió ayudar y tocar el piano", recordó Eddie Kramer. "Creo que lo intentó con valentía por un par de tomas, pero fue abandonado, y volvieron a cortar la pista básica sin él". Sin querer herir los sentimientos de su amigo, Hendrix llevó a Jones a la percusión; el ruido que marca la introducción de la canción es el sonido de Jones golpeando un vibraslap.

4. Bob Dylan pensó que la versión de Hendrix de "Watchtower" era una mejor que su propia canción.

Si bien Hendrix realizó varias versiones de Dylan antes de su muerte en 1970, incluyendo "Like a Rolling Stone", "Can You Please Crawl Out Your Window?" y "Drifter's Escape", su revisión magistral de "All Along the Watchtower" fue su último tributo al cantautor. El mismo Dylan ha elogiado la versión de Electric Ladyland en varias ocasiones, incluso incorporando el arreglo de Hendrix de la canción en sus actuaciones en vivo. "Realmente me abrumó", dijo a Fort Lauderdale Sun Sentinel en 1995, cuando le preguntaron sobre la versión de Hendrix sobre la canción. “Tenía tal talento, podía encontrar cosas dentro de una canción y desarrollarlas vigorosamente. Encontró cosas que otras personas no pensarían encontrar allí. Probablemente lo mejoró por los espacios que estaba usando. Tomé licencia con la canción de su versión, en realidad, y sigo haciéndolo hasta el día de hoy".

5. La jam "Voodoo Chile" fue el intento de Hendrix de recrear la atmósfera de su club favorito en Nueva York.

"Me gustan las jams en un lugar pequeño como un club", dijo Hendrix al periodista John Burks en febrero de 1970. "Entonces tienes otra sensación. Te sales de otra manera con todas esas personas allí. Tienes otro sentimiento y lo mezclas con otra cosa que obtienes. No son los focos, solo la gente".

Durante la creación de Electric Ladyland, el lugar favorito de Jimi en la ciudad de Nueva York para las jams de madrugada fue Scene, un popular club nocturno ubicado en un sótano en West 46th Street. The Scene era un imán para los músicos de gira, y no era raro que Hendrix pasara unas horas atascando en Scene con quienquiera que estuviera allí, y luego regresara a Record Plant para alguna grabación nocturna. En la noche del 2 de mayo de 1968, después de encontrarse con Steve Winwood y Jack Casady en la escena (ambas bandas estaban en la ciudad para conciertos en el Fillmore East), los llevó de vuelta al estudio y le ordenó a Eddie Kramer que configurara los micrófonos para una sesión improvisada al estilo de Scene con Mitch Mitchell en la batería.

6. "Voodoo Child (Slight Return)" se grabó sin previo aviso mientras la banda era filmaba para un documental televisivo.

Un día después de que se grabara "Voodoo Chile", Hendrix regresó al estudio con Noel Redding y Mitch Mitchell para ser filmado para un posible documental de ABC-TV. Aunque se suponía que los músicos solo pretendían que estaban grabando, Hendrix aprovechó el momento para enseñar una nueva canción a sus compañeros de banda, y tres tomas más tarde, con las cintas rodando, nació "Voodoo Child (Slight Return)".

"Aprendimos esa canción en el estudio", dijo Redding al autor John McDermott. "Tenían las cámaras rodando mientras nosotros tocábamos". "Haz que parezca que estás grabando chicos. ", Dijo Hendrix a John Burks. “Una de esas escenas, ya sabes, así que 'OK, vamos a reproducir esto en E; ahora un uno y un dos y un tres, "y luego entramos en 'Voodoo Child'. "Aunque la grabación del estudio nunca fue utilizada por ABC, y desde entonces se ha perdido tristemente," Voodoo Child (Slight Return) "sigue siendo una de las pistas más pesadas y potentes jamás grabadas por Hendrix.

7. El perfeccionismo en el estudio de Hendrix hizo que su manager / productor renunciara durante la creación del álbum.

Si bien "Voodoo Chile" y "Voodoo Child (Devolución leve)" se registraron en tres tomas cada una, tal espontaneidad fue escasa durante la creación de Electric Ladyland, para gran disgusto de Chas Chandler, el gerente y productor de Hendrix. Chandler, que prefería el método de "hacer clic y dejarlo" para hacer registros, se sentía cada vez más frustrado con las tendencias perfeccionistas de Hendrix, como lo demuestran las cuatro docenas de tomas que necesitaba para el llamativo "Gypsy Eyes" y el ambiente festivo que dominó muchas de las sesiones de Record Plant.

"Iría allí [a la Planta de Grabación] y esperaría a Jimi", dijo Chandler al autor John McDermott, "y aparecería con ocho o nueve personas. Cuando finalmente comenzó a grabar, Jimi estaría tocando para el beneficio de sus invitados, no de las máquinas ... Estaríamos revisando un número una y otra vez y diría durante la respuesta: "Eso fue todo". Lo conseguimos.' Él decía: 'No, no, no' y grababa otro y otro y otro. Finalmente, simplemente levanté mis manos y me fui.

8. El sello de Hendrix en el Reino Unido no le informó que estaban poniendo mujeres desnudas en la portada del álbum.

Además de ser un perfeccionista musical, Hendrix tenía ideas visuales muy específicas para Electric Ladyland. La fotógrafa Linda Eastman, que se casaría con Paul McCartney el año siguiente, había tomado una foto de la Experiencia Jimi Hendrix con algunos niños en la escultura Alicia en el País de las Maravillas de José de Creeft, en el Central Park de Nueva York, y Hendrix pensó que sería perfecta para el portada del álbum. "Por favor, use la imagen en color con nosotros y los niños en la estatua para la portada o contraportada - CUBIERTA EXTERIOR", le ordenó a Reprise Records, su etiqueta de EE. Por el motivo que sea, Reprise optó por usar una foto solarizada de Karl Ferris de la actuación de Hendrix en 1967 en el Teatro Saville de Londres, mientras que Track Records, el sello del Reino Unido de Hendrix, adoptó una actitud más provocativa y controvertida al usar una foto de David Montgomery de 19 mujeres desnudas.


Según un artículo de noticias del 7 de diciembre de 1968 en Rolling Stone , el lanzamiento del álbum "encontró resistencia y censura en muchas tiendas de discos y en las provincias periféricas de las Islas Británicas", mientras que los mayoristas de Londres solo vendían el disco con desnudos. Oscureciendo la envoltura marrón. Hendrix, por su parte, afirmó que no se le había informado sobre los planes de Track Records para la portada del álbum.


"No sabía nada sobre la portada inglesa", le dijo a Melody Maker en noviembre de 1968. "Aún así, ya me conoces, lo hice de todos modos". Excepto que creo que es triste la forma en que el fotógrafo hizo que las chicas se vieran feas. Algunas de ellos son chicas bonitas, pero el fotógrafo distorsionó la fotografía con una lente de ojo de pez o algo así. Qué cruel. Hizo que las chicas se vieran mal. Pero no es mi culpa ”.

9. Hendrix no estaba contento con la forma en que sonaba el álbum terminado.

Mientras Hendrix pasaba largas horas en el estudio grabando Electric Ladyland, acumulando una factura de $ 60,000 en Record Plant y $ 10,000 en Olympic (o lo que sería más de medio millón de dólares en 2018) con su trabajo las 24 horas, desafortunadamente no tenía tal lujo a la hora de la mezcla final. Presionado por Reprise para obtener un producto terminado, se vio obligado a mezclar el disco mientras estaba de gira con la banda.

"Es muy difícil concentrarse en ambos", lamentó a la revista Hullabaloo , poco después del lanzamiento del álbum.“Así que parte de la mezcla salió fangosa, no exactamente fangosa pero con demasiado bajo. Lo mezclamos, lo producimos y todo ese desastre, pero cuando llegó el momento de que lo presionaran, naturalmente lo arruinaron, porque no sabían lo que queríamos. Se está utilizando un sonido 3D que ni siquiera puedes apreciar porque no sabían cómo cortarlo correctamente. Pensaron que estaba fuera de fase ".

10. Rolling Stone le dio al álbum una revisión mixta luego de su lanzamiento.

Electric Ladyland no se parecía a nada más cuando se lanzó en octubre de 1968, por lo que no es del todo sorprendente que muchos críticos contemporáneos no hayan podido captar sus cabezas y oídos en torno a sus 75 minutos de pura maravilla. Tony Glover - escribiendo sobre el álbum para el número del 9 de noviembre de 1968 de Rolling Stone - le dio a Electric Ladyland una crítica decididamente mixta, una que elogió las excursiones de blues más directas del álbum (así como "All Along the Watchtower"), pero "no estaba seguro de sus momentos más pesados, y lamentó específicamente la forma en que la guitarra de Hendrix trastornó" el hermoso estado de ánimo submarino "de" 1983. ""Mi primera reacción fue, ¿por qué tuvo que hacer eso? ", escribió Glover. "Entonces pensé que él creó una cosa hermosa, pero perdió la fe en ella, y así la destruyó antes de que alguien más pudiera, de varias maneras, un rollo".