La banda de Seattle, Mudhoney, escenifica una obra de miedosa pasión acompañada con un mesías crucificado en el video de "Kill Yourself Live", su nueva canción sardónica sobre el suicidio en la era de las redes sociales. El video presenta un desorden de romanos paganos bailando detrás de Jesucristo, mientras este llora sangre al ritmo de un órgano Farfisa y guitarras deslizantes. Aparece también la escena de La Última Cena al estilo Da Vinci, en la que Cristo y sus discípulos abren sus portátiles al son del estribillo “When I killed myself live, I got so many ‘likes" ("Cuando me suicidé en vivo, recibí tantos 'me gusta'").

Netflix presenta ReMastered, una nueva serie de historia musical que presentará algunos de los eventos determinantes en carreras de artistas legendarios de la música. Contada en  ocho episodios, llegará al servicio de transmisión el 12 de octubre con "¿Quién disparó al Sheriff?", una mirada sobre papel que jugaron los políticos jamaicanos y la CIA en el intento de asesinato de Marley, quien sufrió heridas de bala en el brazo y el pecho en el incidente.

El próximo mes, la documentalista del condado de Harlan, Barbara Kopple, codirige un examen sobre la tumultuosa reunión en la Casa Blanca, entre Johnny Cash y Richard Nixon en "Tricky Dick y el hombre de negro".



Netflix transmitirá un nuevo episodio de ReMastered todos los meses hasta mayo de 2019, con el episodio de diciembre de 2018 centrado en "Who Killed Jam Master Jay?", El DJ Run-DMC que murió en un estudio de Queens, Nueva York en 2002; a pesar de seis testigos, el asesinato sigue sin resolverse.

Los meses posteriores traen una investigación sobre el asesinato de tres miembros del grupo irlandés The Miami Showband durante "The Troubles" en Irlanda en 1975, la muerte del cantante chileno Víctor Jara a manos del régimen de Pinochet y, en febrero, una mirada a la misteriosa muerte a tiros de Sam Cooke.

La primera temporada de ReMastered concluye con "Devil at the Crossroads", sobre la leyenda del blues Robert Johnson y su apócrifo apretón de manos con The Devil, y "Lion's Share", sobre el viaje de un hombre a Sudáfrica para encontrar a los verdaderos escritores detrás del éxito " El león duerme esta noche."


ReMastered fue creado por los ganadores del premio Emmy Jeff Zimbalist y Michael Zimbalist y enumera a Irving Azoff y Stu Schreiberg entre sus productores ejecutivos.

El tema se incluirá en la próxima retrospectiva homónima de la vida del cantante en Soundgarden, Temple of the Dog, Audioslave y como solista
Se ha presentado la canción inédita "When Bad Does Good", como parte de un nuevo conjunto de cuatro discos póstumos que abarca toda la carrera deL guitarra y vocalista Chris Cornell , que presentan 11 canciones inéditas. Algunos de las canciones inéditas, incluida "When Bad Does Good", aparecerán en una versión reducida de un solo disco del lanzamiento. Ambas versiones saldrán el 16 de noviembre.

Cornell grabó, produjo y mezcló la canción él mismo. La canción se abre con tonos de órgano, dando una calidad de himnario a la línea de apertura de Cornell. A veces lo malo puede hacer algo bueno.



La colección ofrece una mirada de 360 ​​grados sobre Cornell, dibujando temas de su época en Soundgarden, Temple of the Dog y Audioslave, así como sus grabaciones propias y colaboraciones solistas con músicos como Slash y Santana. La viuda de Cornell, Vicky, trabajó con los miembros de la banda para ayudar a terminar las pistas. Josh Brolin, por ejemplo, fue quien le recordó a Vicky la canción "When Bad Does Good" y la animó a que la publicara. El productor Brendan O'Brien, que trabajó con Cornell a lo largo de los años, dirigió el proyecto y el bajista de Pearl Jam, Jeff Ament, trabajó en su embalaje.

"Desde el repentino fallecimiento de Chris, he puesto todo mi esfuerzo y energía para compartir su música y legado con sus admiradores de todo el mundo", dijo Vicky en un comunicado. "Sentí que teníamos que crear una colección especial para representarlo a todos: el amigo, el esposo y el padre, el tomador de riesgos e innovador, el poeta y el artista. Sus voces altísimas encontraron su camino en los corazones y las almas de tantos. Su voz era su visión y sus palabras eran su paz. Este álbum es para sus fanáticos ".

Además de los lanzamientos de los CD, la colección estará disponible como un LP doble. También habrá una edición limitada súper deluxe. Cada lanzamiento vendrá con posters de sus compañeros de banda, Kim Thayil, Matt Cameron, Tom Morello y Mike McCready, así como Brendan O'Brien.

Además de "When Bad Does Good", el material inédito incluye un dueto que Cornell grabó con Yusuf / Cat Stevens del "Wild World" de este último, y un dúo con su hija, Toni, en las grabaciones de Bob Marley "Redemption Song", grabaciones de la gira con Temple of the Dog en 2016 y la actuación en solitario de Cornell de "One", una canción que interpola tanto las canciones de U2 como las de Metallica del mismo título.
La colección también incluye una grabación de la actuación de Audioslave en Cuba en 2005 ("Show Me How to Live") y una actuación individual en el Royal Albert Hall de Londres, donde interpretó "A Day in the Life" de los Beatles. Se completa con la actuación en vivo. , actuaciones acústicas grabadas en Suecia en 2006, cuando tuvo la idea de lo que se convertirían en sus giras en solitario "Songbook".

Pasamos más tiempo en la docena y media de plataformas y apps subiendo quinientas fotografías con pose de estrellas y aparentando que haces música, que horas pegados al instrumento con el que realmente la haces

Jesús Cifuentes, vocalista de Celtas Cortos

La era digital trajo consigo el acceso universal a la música como pocos avances semejantes ha tenido la cultura en la historia del mundo. Fue una veda que dio paso a medio planeta, no solo a localizar de manera directa e inmediata todo el tesoro musical que quedaba por descubrir, sino a la producción autónoma de nuestras propias canciones mostradas al resto del mundo, nuestro propio talento, así de potente, desde nuestros modestos hogares.
No todo fueron ventajas, sobre todo para los acólitos de la maquinaria industrial, que han visto como con el paso de los años han dejado de "enriquecerse" a mansalva, con más o menos razón por los millones de copias piratas, pero que sobre todo han tenido que verse obligados a reconocer que el mundo de su negocio ha cambiado y no hay billete de vuelta.

Promoción, promoción, promoción

Desde cierta mirada crítica, vemos que el rumbo de un amplio espectro de la música deriva siempre en lo que determinan los pilares del mercado. Fue en un lugar indeterminado en el tiempo, en que el embalaje se impuso al artefacto, la imagen por encima del producto. Esta simbiosis antológica funcionaba cuando a pesar de la extravagancia de las portadas, fotos, videos, y toda la pólvora que el marketing quiso inventarse y volcar sobre la imagen que debía dar un músico o una banda, nunca dejó de ser un complemento de atracción (sí, y con mucho éxito), pero los discos se compraban por la calidad nuclear de las canciones compuestas que salieron del horno de los estudios de grabación tras un templado tiempo de ensayos y nuevas creaciones. Porque en definitiva la música es una disciplina del arte irrefutablemente independiente de todo aquello a lo que traten de hacerte consumir por más sentidos que por los únicos oídos.

Pero eso cambió porque así lo quisieron, la música fue supeditada al negocio de la música. Traducido a la actualidad, veo un reflejo de ello en la entrevista que recientemente ha concedido la banda Celtas Cortos al diario 20minutos con motivo de su nuevo album de lanzamiento. No puedo dejar de sentir desazón cuando contemplo el panorama musical de hoy día, cuyo rumbo viene determinado por el peso de la multitarea de venderse (en el buen y legítimo sentido) para ofrecerse al mundo, más que por la intrínseca inquietud de hacer eso, música.

Sobre ello, Alberto García, dice esto: "Es el doble filo de la tecnología. Por un lado te lo facilita porque desde tu casa puedes abrirte y dispararte al mundo, pero esa facilidad también la tiene el vecino de al lado. Tienes que pelear con la valía de los demás, hay que asomar mucho la cabeza. También, la parte más cortante de ese doble filo, es que nosotros no estamos acostumbrados a dedicarle casi más tiempo a venderte que a ser músico. Ahora para que algo despunte un poquito tienes que estar más tiempo haciéndote fotos. Para nosotros se nos queda un poco grande ese traje".

En las últimas décadas, la música y su industria se ha visto envuelta inevitablemente en este tren bala de la era digital, y toda la vorágine de salidas innovadoras son ni más ni menos que el nuevo mapa del mundo donde te adaptas y sobrevives o te arrugas y mueres. Me refiero al inmenso abanico de satélites para amasar seguidores que existen en la red donde, si no tienes presencia, simplemente no existes.

Prima que hoy día seas un músico influencer, donde por mandamientos de la biblia del comunnity manager has de subir rigurosamente imágenes a tu cuenta instagram, con sus medidos hashtags, y que sean fotos de bien guiadas por consejos de expertos que te dicen cómo debes hacerla para que tengan más éxito. Prima que hoy día seas el músico que sube stories tres o cuatro veces al día, mostrando cada pequeño acto de mierda que haces en el tránsito de las tres de la tarde hasta las diez de la noche. Prima que mantengas vivas y activas tus redes sociales, que las trates como si fueran el pulso de tu sangre, porque si las abandonas dejas de conseguir seguidores. Ocúpate de facebook también, y de twitter, de la docena y media de plataformas donde tienes abierta una cuenta con tu perfil, y donde debes emplear sagradamente un tiempo exquisito que acaban siendo una mordida de horas importante dedicadas al mundo like en vez de al repaso de una tablatura, porque así lo ha querido el mundo de la música. Las apps son literalmente una prótesis que cualquier persona con vocación musical debe instalarse en sus quehaceres diarios.

Casi 30 años después, Eddie Vedder todavía recuerda al mendigo que un día le detuvo en seco en una calle de Seattle. "Simplemente se era interesante", dijo Vedder a la multitud congregada en el Safeco Field de Seattle el miércoles por la noche para el primero de los dos conciertos de la banda para recaudar fondo para los sin techo. El concierto ha recaudado 11.5 millones de dólares. "Su nombre era Eddie, y él era un gran hombre afroamericano. Un veterano de Vietnam", continuó Vedder. "Pasamos un tiempo hablando y tuvimos algunos buenos momentos. Otros días, él no estaba allí, y pude verlo luchar".

Cuando la banda regresó de su gira europea por su álbum de debut, Ten , Vedder le buscó y finalmente encontró al hombre en el Viaducto de Alaska Way. "Y fue entonces cuando realmente lo perdí", dijo Vedder. "Y nunca llegó a escuchar esta canción o saber que era parte de ella". Lo importante es elevar la comprensión y la empatía hacia las personas sin hogar".

Pearl Jam lead singer Eddie Vedder performs Wednesday night at Safeco Field in the first of the legendary Seattle grunge band’s two hometown concerts. Dubbed The Home Shows, the stadium gigs are the centerpiece of a week aimed at raising money to combat homelessness. The dates mark Pearl Jam’s first Seattle dates in five years. (📷 by Dean Rutz / The Seattle Times) View more photos at st.news/2vOpYwp or by following the link in our profile. #PearlJam #HomeShows #Seattle

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Entonces, Pearl Jam rompió con "Even Flow", una canción familiar que se sentía como una herida fresca con la historia de Vedder contada, más incluso cuando siguió con un par de coros de “Help!” de los Beatles (“Help me if you can / I’m feeling down …”).

Un sentir común atravesó al público, era la primera vez que Pearl Jam la tocaba en Seattle desde hace cinco años. Para quienes volaron desde todo el país y el mundo, 'Home Shows' parecían una peregrinación al lugar donde se ganaron sus corazones musicales. Su primera parada fue en el puesto de merchandising de Pearl Jam, ubicado al lado del Safeco Field, donde los fanáticos de toda la semana han estado en cola largo tiempo directamente desde el aeropuerto, con sus maletas rodadas a su lado. Otros se aventuraron en la ciudad en busca del mojo que inspiró el sonido y la letra de Pearl Jam. Centro de Seattle. Magnuson Park.

Pero en este lugar lleno de dinero tecnológico y grúas de construcción, esa vieja magia es cada vez más difícil de encontrar. The Black Dog Forge - la primera parada de Vedder en la ciudad en 1990, cuando Stone Gossard y Jeff Ament lo invitaron a conocer y ensayar - se vio obligado a mudarse al sur del centro el año pasado después de que los constructores compraran el edificio. Y el mismo día del primer Home Show, una multitud llenó el Seattle City Hall, peleando para ver el Showbox Market, un lugar histórico donde Pearl Jam tocaron y donde Mike McCready realiza su recaudación de fondos anual Flight to Mars para la Fundación Crohn y Colitis .


Incluso Vedder, que creció en Evanston, Illinois y San Diego antes de mudarse a Seattle, parecía querer excavar un poco más su bandera en este lugar. Después de que la banda abriera con "Long Road" y cuatro canciones más, Vedder saludó a la multitud: "Somos Pearl Jam. Somos de Seattle, Washington. Supongo que eso debe significar que estamos en casa ".



Home sigue siendo el tema de la noche, no solo en la misión de la banda para acabar con la fmendicidad, sino en la forma en que Vedder habló sobre los 10 hijos de los miembros de la banda, sus ocho perros y sus maestros. Pidió a la multitud que levantara la mano mientras afirma "si tuvieras un maestro que te cambió la vida", y luego comenzó una versión de "We're Going to Be Friends" de White Stripes. Algunos momentos después, sus dos hijas salieron de un escenario lateral con dos mujeres, sus profesores, que llevan camisetas de Mariners con "VEDDER" en la espalda, e hicieron un pequeño baile.

Dos canciones más tarde, Vedder se unió a la cantante y compositora de Seattle Brandi Carlile para una versión optimista de su canción "Again Today", una canción que Pearl Jam tocó para el álbum Cover Stories de Carlile 2017.

Otros momentos del espectáculo fueron simplemente tranquilizadores, como cuando la banda tocó el sencillo navideño "Let Me Sleep (It's Christmastime)"; y cuando la multitud se convirtió en una manta de luces diminutas para "Negro".

Fue una noche de canciones sólidas y queridas de Pearl Jam, desde "Corduroy" y "Release" hasta "Alive" y "Yellow Ledbetter", entregadas con la intención de acabar con la falta de vivienda en una ciudad que ha estado inundada de prosperidad y dolor. "Tomó un poco de esfuerzo concentrado, y se hizo tanto en muy poco tiempo", dijo Vedder. "Podemos resolver este problema juntos. Esta ciudad puede demostrar al resto de la nación que si puede suceder aquí, puede suceder en cualquier lugar ".

Amy Winehouse recibió tanta aclamación por su voz que todos olvidaron que ella también era una guitarrista bastante decente. Winehouse fue una devota de la Fender Stratocaster y aparece en varias actuaciones con ella si os paseáis por YouTube, como en el video "Stronger Than Me" (Ver). Su talento para tocar la guitarra es un hecho que hay que sacar a relucir ahora que se cumplen siete años de su triste fallecimiento.

En 2004, Amy participó en un video promocional de la marca Fender en la que explica su amor por la Stratocaster y por qué la eligió como su principal instrumento. La ocasión para esta promoción fue un concierto en el Wembley Arena el 24 de septiembre de 2004, para celebrar el 50 aniversario de la legendaria guitarra de Fender.

Winehouse actuó allí entre algunos de los gigantes que han tocado toda su vida con esta guitarra, como David Gilmour, Joe Walsh y Gary Moore. El concierto fue publicado como The Strat Pack: Live in Concert, en 2005 (Ver).

"Es mi guitarra favorita", declaró en 2004. "Es clásica, se ve bien y suena hermosa. Realmente se presta para cualquier cosa. Es un sonido tan cálido, algo que no se obtiene con un instrumento frío como el piano o teclados ".

Después de  tocar con la guitarra de su hermano, Winehouse tuvo su primera guitarra a los 13 años y comenzó a escribir música un año después. Como ella declaró en una entrevista con MusicOhm hace varios años, "mi hermano aprendió solo, así que tomé inspiración para aprender por mí sola y él me enseño algunas de cosas".


El estilo innovador de Winehouse, que incluye elementos de jazz, R & B y hip-hop, se fundó en su exposición a una variedad de artistas en sus primeros años. Su familia compartió su amor por artistas populares como Carole King y James Taylor, artistas de jazz como Sarah Vaughan y Dinah Washington, y viejos ojos azules: Frank Sinatra.

A continuación se puede ver la entrevista promocional que Fender le hizo en 2004 que comentábamos al principio, con subtítulos en portugués, bastante fácil de seguir para los que no dominan el inglés.

LAS COLAS

Desde primera hora de la tarde el acceso al recinto fue muy complicado. Todo el público que asistía al evento y que viajó en metro, se topó con colas que duraron dos horas. No fue el mismo caso para las personas que viajamos en tren de cercanías hasta Valdebebas, hubo retenciones pero no fue el mismo caso ni de lejos, corrimos mejor suerte. Todos los que decidieron tomar el coche para asistir a una hora prudente con la que poder encontrar aparcamiento con comodidad, encontraron un atasco que les impidió ser puntuales con las bandas que actuaban en los primeros conciertos.

Cola para entrar al Mad Cool Festival, Madrid.#MadCoolFestival pic.twitter.com/86sePmgnM5

— Olmo Calvo (@OlmoCalvo) 13 de julio de 2018

Cola para entrar al Mad Cool Festival#MadCool2018 pic.twitter.com/EksICRtGx4

— Olmo Calvo (@OlmoCalvo) 12 de julio de 2018

LAS PULSERAS

Un buen puñado de personas que habían comprado entradas para un solo día, dos o el abono para los tres días, no obtuvieron la pulsera que la organización enviaba a domicilio a tiempo. Debido a ello, la organización dispuso ya en el interior del recinto unas casetas para que pudieran recogerla presentando las entradas. Las colas para recoger estas pulseras eran largas en un terreno del recinto donde hacía un sol de justicia, sin ninguna infraestructura que hiciera sombra para rebajar el calor y protegerse del sol. También estas colas supuso para muchos no poder estar en las actuaciones de las primeras bandas.
El precio de los abonos adquiridos por internet incluía el coste del envío que Mad Cool hacía de la pulsera a domicilio. Es decir, pagaron por algo que no obtuvieron, y además de ello, tuvieron que hacer cola para obtenerla. 

Y así todo el día: colas para canjear pulsera, colas para entrar, colas de 30 minutos para pedir una cerveza. @madcoolfestival #MadCool #MadCoolFestival #incidenciasmadcool pic.twitter.com/9M8Ey5fjmU

— Antonio López (@antonio_merida) 13 de julio de 2018

PUNTOS DE AGUA

En el interior del recinto se dispuso un lugar con fuentes de agua de manera gratuita para que todo el mundo tuviera agua potable, algo que ya anunciaron días antes de que empezase el evento. Pero el abastecimiento se quedó corto si contamos con la alta cifra de asistentes cada día de conciertos: 80.000 personas. Las colas se alargaban, las esperas y las trifulcas quizás se habrían remediado de haber habilitado puntos de agua en repartidas en otras zonas y no solo en un único punto del mapa.


LAS BARRAS

Todo el mundo que asistió a Mad Cool pudo comprobar un tanto desesperado las largas colas y esperas para poder adquirir bebidas en las barras. Cierto es que eran numerosas y bastante repartidas por todo el recinto, sin embargo algo fallaba para que hubiera que esperar tanto. A pesar de su extensión, daba la sensación de que la cantidad de personal contratado para atender a la demanda se quedó corta. Quizás la organización se excedió en ahorrar presupuesto destinado a ello y lo pagamos.

En las barras del @madcool trabaja 1 y miran 50. Éxito!! pic.twitter.com/eGRnva49Aw

— davidrock (@davidrock86) 6 de julio de 2017

A pesar de haber comprobado en conversaciones con otros asistentes y en comentarios en la redes, que las quejas se derivan un tanto en el personal no estaba cualificado, hay que ser conscientes de que las personas que trabajaban sirviendo bebidas no son responsables de la calidad del servicio ni del desbordamiento de la demanda en última instancia. Cuando todos estamos en pleno ocio musical y con una cantidad de alcohol ingerido en nuestros gaznates, la desesperación se acentúa viendo como pasan 20 o incluso 30 minutos hasta que consigues hacer que te atiendan para pedir un mini. Pero no podemos peder de vista que las personas detrás de la barras estaban visiblemente estresadas.

En un evento donde se espera a 80.000 asistentes por día, y viendo un claro problema en la demanda de bebidas, quizás un detalle tan simple como que hubiera personal únicamente dedicado a poner las bebidas en los vasos mientras que otros se dedicaran a servir en la barra, hubiera optimizado mucho mejor el servicio. Pero no funcionaba así: la misma persona del staff te cobraba y se encargaba de todo.

La peor organización que he visto en ningún festival la tiene #madcool en las barras y la comida. Media hora de espera mínimo en escenarios vacíos. Menos conciertos y menos gente y todo funciona mejor

— Cibermaruja (@cibermaruja) 12 de julio de 2018

LOS VASOS

El segundo día de conciertos, comprobé como en una ocasión en que me acerqué a una barra para recargar bebida, me cambiaron el vaso. Los vasos de Mad Cool eran de PVC, un plástico más resistente que el los vasos de plástico comunes, pensado para reutilizarlos recargándolos (bien visto, se desperdicia mucho menos plástico), de ahí que cobrasen 1€ en la retirada de ellos. Estaban diseñados con una serigrafía especial del festival, pero como os contaba, me cambiaron el vaso por otro sin serigrafía alguna. Para mí no era un problema, sinceramente, así que no puse pegas.
El problema llegaría después, cuando al acercarme a una de las personas que trabajaba sirviendo cerveza con un depósito en la espalda, me advirtió que ese vaso no podía recargarlo (sí, el vaso sin serigrafía). El motivo era que lo tenía prohibido, el volumen cúbico de los vasos sin serigrafía no era el mismo que los vasos diseñados del resto del festival, y para no perder ni dinero en ventas (una diferencia de gotitas de cerveza minúscula) solo tenían permitido cargar los serigrafiados. Por algún motivo, deduzco que al festival se le acabaron los vasos y tuvieron que comprar más, pero diferentes: no con el mismo volumen cúbico. Ahora me encontraba con que el festival me había dado un vaso que no me recargaban, ni me lo cambiaban y solo me quedaba recurrir a la espera de las colas para las barras para pedir que me lo volviesen a cambiar.


LOS BAÑOS

Bastantes baños repartidos por el festival, sin demasiadas colas, solían ir bastante rápidas, apenas había que esperar. El punto negativo era que los días de mayor afluencia, viernes y sábado, a determinada hora de la noche ya se desbordaban y muchas personas (hablo de los urinarios masculinos) optaba por no usarlos, meaban directamente en las mamparas habilitadas para delimitar los baños. La consecuencia: aquello era un charco de meados pisaras por donde pisaras. Si no caminabas con lentitud, dar un paso sobre el césped artificial era garantía de salpicarte a ti mismo una dosis de aquella inundación. El civismo no es presumible precisamente por parte de los asistentes.





LOS PRECIOS

Precios de oro, lo de siempre. Minis a 9 y 10 eurazos. Cierto es que no es nuevo, y que los beneficios de las consumiciones son en defintiva las arcas con las que después se paga a los trabajadores del festival. Pero cuando piensas en el desembolso que has hecho por el abono, sientes bastante abusivo tener que ir al festival con otro fajo de billetes además del que ya soltaste. La conclusión: esto se convierte en eventos para gente que exclusivamente tiene el privilegio de pagárselo a un alto precio. Me niego a esto. Y por no hablar de vete a saber cuánto pagaban por hora a los camareros/as, que probablemente sea muy bajo.





MASSIVE ATTACK

Todos conocemos ya el chasco de Massive Attack. La banda canceló su actuación debido a una disconformidad con el acondicionamiento que la organización le había dispuesto. El sonido procedente del escenario donde actuaba Franz Ferdinand les molestaba. No es la primera vez que la banda cancela o amaga con hacerlo por el mismo motivo, ya ocurrió en el Low Festival cuando obligaron a la banda Corizonas a bajar el volumen de su actuación. El enfado hacia ellos se hizo muy extendido.
Por un lado, el enfado hacia la banda era evidente, la expectación era máxima. El publico estuvo esperándoles más de una hora, yo incluido allí metido, fue desesperante. La decepción aún mayor. Por otro, a pesar de los esfuerzos de la organización por negociar con ellos una solución que fue imposible, como cuenta El País, cabe pensar por qué el festival no tuvo en cuenta las pulcras exigencias (criticable o no) que la banda suele poner para sus actuaciones, sabiendo que estaban en un macrofestival con una hecatombe de watios por todas partes. Los asistentes al escenario The Loop estuvimos más de una hora sin noticias de nada. Si bien Mad Cool se defiende afirmando que hicieron lo que pudieron para hacerles salir hasta el final, también hay que señalar que nadie ni ningún mensaje apareció por ningún lado hasta al menos una hora y media después.

Así de nefasta y desastrosa la organización de @madcoolfestival. Después de más de una hora y 20 min de retraso de Massive Attack ponen esta pantalla: pic.twitter.com/uOb5TEeOT7

— Kari (@karikari_) 14 de julio de 2018

UBER

¿Que deciros de UBER? Anunciaban que todos los que acudieran con uno de sus VTC tendrían ventajas frente al resto de asistentes. Pero todo se redujo a una mentira. Decenas de usuarios mostraron su descontento con la compañía norteamericana y con el festival después de que la promesa del acceso exclusivo y sin aglomeraciones al recinto desaparecieran. Muchos de los usuarios que acudieron con uno de estos coches aseguran que tuvieron las mismas colas que el resto. A la salida del recinto, el precio que UBER cobraba por transportarte desde IFEMA al centro de la ciudad llegaba a 90€.

Gracias @Uber_ES por la “entrada sin colas” del madcool. Una hora y media esperando... y aún sin entrar.

— Jordi Bretos (@JordiBretos) 12 de julio de 2018

@Uber_ES y sus puñaladas cool en @madcoolfestival coste estimado al subir, 30€. Final en tarjeta 82,94€ de #madcool a Atocha. De vergüenza más caro que la entrada! @facua como se puede reclamar? pic.twitter.com/qe5rhOZ7l8

— Manu Moreno (@manumoreno83) 14 de julio de 2018

Factura de @uber por ir ayer al @madcoolfestival desde Plaza de España ¿que hacemos ahora con esto????!!!!!! Comernoslo con patatas no? Es una estafa en toda regla!!!! #estafa #madcool #uber #ladrones #madcoolincidencias

Una publicación compartida de SoN MoMeNtOs... (@pal_montero) el 13 Jul, 2018 a las 5:16 PDT

LANZADERA BUSES

La organización reforzó el número de autobuses que transportaba público hasta el recinto desde Plaza de Castilla, un lugar nada céntrico y poco cómodo para gente que ya viajaba en metro (¿para qué bajarse e ir a coger un bus con este calor?).
El transporte de vuelta a casa también se prestó un poco escaso. La Comunidad de Madrid habilitó la línea 8 de metro durante toda la noche, muy acertados. Pero la lanzadera de buses nocturnos desde el exterior se quedaba corta. Demasiada gente, y lo normal, largas colas. Buses que tan solo llegaban a tener paradas de nuevo en Plaza de Castilla y solo hasta Colón. Algo poco próximo para personas que tuvieran que volver a una parte más alejada de la ciudad. Era necesario coger taxis, es decir, más gasto.




ZONAS VIP

Josh Homme animó al público a que saltara las vallas que delimitaban el área reservada delante del escenario durante su actuación la actuación de Queens of Stone Age. Cabe decir, que a pesar de ser un acto de rebeldía bastante apetitoso, quizás fuera algo imprudente invitar a la invasión de la zona a determinada hora de la tardenoche, ya que la seguridad pudo haber visto en un verdadero apuro.

Queens of the Stone Age VIP Invasion #qotsa #MadCool2018 pic.twitter.com/S6aIEGb7HN

— bury420_ (@bury420_) 15 de julio de 2018